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Sublimar con color Negro

Sublimar con
color Negro

¿Qué tiene de especial un color entre toda la paleta de Pintura para Sublimación? ¿Por qué aplican tips y recursos particulares? Si te gusta estampar textiles o superficies rígidas mediante esta técnica, te invitamos a poner en práctica estos trucos para llevar tus resultados un escalón más arriba.

1

Conocer las características técnicas del producto.

Cuando estampás por sublimación, sucede un proceso físico-químico que bien vale entender: el calor de la plancha evapora la pintura que previamente trabajaste sobre el papel y la descarga sobre la superficie que deseás estampar: generalmente tela sintética, en menor medida otras superficies. La pintura es traslúcida por lo cual los colores estampados vibran más sobre una tela completamente blanca que sobre una color gris, beige o tostada.

Conclusión 1:

El color de la pintura se fusiona con el color del material que se estampa, por lo cual el Negro tiende a aclararse y a verse gris o azulado cuando se estampa sobre blanco. Un recurso que podés utilizar para equilibrar el azulado es agregar una pizca de color carmín al negro antes de pintar tus papeles.

2

Tiempo de exposición
al calor.

El tiempo que mantenés la plancha sobre el papel y la tela también es una variable a tener en cuenta porque cuanta más exposición al calor, más pintura se descarga. Este tiempo no es el mismo para todas las telas ni para todas las planchas.

Conclusión 2:

Cuando quieras estampar un diseño en color negro dejá un toque más la plancha sobre tu lámina para que se descargue la mayor cantidad de pintura posible. Realizá pruebas previas en retazos de tela antes de concretar tu proyecto con los colores deseados para evitar quemarla.

3

Cómo combinarlo
y reforzarlo.

La propiedad de traslucencia aplica a todos los colores de la carta de Pintura para Sublimación, es una cualidad que nos da muchas posibilidades creativas. Por ejemplo: si sublimás un círculo amarillo y sobre este sublimás un círculo rojo, el color de tu estampa será la fusión de ambos: un naranja. También podés reducir la traslucencia de la estampa cargando más pintura o aplicando más de una mano al momento de trabajar el diseño sobre el papel.

Conclusión 3:

Si en tu diseño sublimás un detalle en negro sobre un fondo que hayas sublimado con otros colores, tenés más posibilidades de que luzca realmente negro. Al momento de pintar con este color sobre el papel utilizá buena carga de pintura o reforzá con una segunda mano.

4

Mezclas y ajustes
de tono.

Así como los colores se superponen en el momento de la estampa y se generan nuevos por fusión, es factible realizar mezclas de pintura antes de pintar tus papeles.

Conclusión 4:

Con la práctica y el ojo bien entrenado vas a obtener un buen conocimiento sobre cómo reaccionan las telas, mezclas y colores en cada caso. Esto te da la posibilidad de realizar combinaciones previas que se enfaticen, asemejen o reproduzcan el color negro: por ejemplo, si mezclás los tres colores primarios (amarillo, rojo y azul).

Obtener distintas tonalidades de piel

Obtener distintas
tonalidades de piel

Carnación o Carnadura. En la pintura artística se le asigna alguna de estas denominaciones al arte de pintar con realismo las diversas tonalidades de pieles. ¿Cómo lograrlas? Aquí los trucos para ejercitar las mezclas.

Las paletas cromáticas se dividen en dos grandes grupos y, dentro de cada uno,
sus respectivas variaciones.

1

Paleta cromática para
Pieles Claras

Recordá que en cada mezcla los colores aparecen mencionados en orden de proporción.

Ajustes en las Mezclas

Azul Ultramar: una pizca para cuando te queda muy anaranjada.

Verde Oliva o Bambú: una pizca cuando te quede muy rosada.

2

Paleta cromática para
Pieles Morenas

Recordá que en cada mezcla los colores aparecen mencionados en orden de proporción.

Ajustes en las Mezclas

Blanco + Tierra Sombra Tostado: Para oscurecer zonas

Blanco + Lila amarronado (60. Violeta + 01. Blanco de Titanio + 87. Tierra Sombra Tostado). Para dar un tono más “gris”.

TIPS para evolucionar

  • Podés comenzar con los Acrílicos Decorativos Premium y luego pasar a la línea Profesional, cuya consistencia permite trabajar con espátula.

  • La pintura realista o hiperrealista tiene un gran compañero: el GLACEADOR, es ideal para demorar el secado y trabajar mezclas.

  • Una vez logradas las mezclas, tiene gran protagonismo el trabajo de luz y sombras.

Dos obras de Quinquela Martín recuperadas

Dos obras de Quinquela Martín
recuperadas

La trastienda de dos murales de tela de 1928 que volvieron a lucirse en Buenos Aires gracias a la labor de los restauradores.


Descargando Carbón, 1928

En Plena Actividad, 1928

Con escenas de la labor portuaria, dos obras del artista boquense fueron rehabilitadas para que sean apreciadas por las nuevas generaciones.

Crédito fotos: @casadelteatroar

De entre las tinieblas, dos de los 75 murales que Benito Quinquela Martín pintó en toda su vida, renacieron hace unas pocas semanas en todo su esplendor. Para esto fue necesario el trabajo de un equipo de restauradores que pusieron manos a la obra para que a finales de noviembre estén listos. Se trata de las pinturas “Descargando carbón” y “En plena actividad”, ambas situadas en el foyer del Teatro Regina, en el segundo piso del edificio de La Casa del Teatro, en Avenida Santa Fe 1243, CABA.

“Descargando carbón” fue la primera en recibir tratamiento y refleja una imagen del puerto, con sus barcos y maquinarias emprendiendo la faena diaria. “En plena actividad”, en tanto, representa una escena similar con embarcaciones de todos los tamaños amarradas al muelle, dispuestas a partir o llegando, mientras sus hombres trabajan sobre ellas.

Las dos fueron creadas en 1928 especialmente para el edificio, que fue inaugurado en 1938 con la intención de albergar allí a actrices, actores y personas vinculadas a la actividad teatral que no contaban con recursos. Su construcción fue una iniciativa de la cantante de ópera Regina Pacini, esposa del entonces presidente radical Marcelo T. de Alvear. Como Quinquela era un buen amigo de la pareja, decidió cederles su trabajo, expresado en óleo sobre tela amurada a la pared, en paños de 5 metros de alto y 3 de ancho.

Su recuperación fue una idea de la presidenta de la Casa del Teatro, Linda Peretz, quien en su momento notó en una de las piezas el rastro de una quemadura de cigarrillo. Pero ese no era el único problema que presentaban.
A Quinquela Martín le gustaba que sus obras fueran lo más públicas posibles, que el arte invadiera las calles y vida cotidiana de las personas. Esto implica una cierta exposición al maltrato, el frío, el calor, la humedad, una iluminación inadecuada y hasta hollín, luego de un incendio que en 2010 afectó al quinto piso.

Las pinturas fueron afectadas también por el comportamiento de las personas. Era común que los espectadores se apoyaran sobre ellas esperando la apertura del telón. Aún más, su estado de deterioro se debía a una cuestión intrínseca a la técnica empleada por Quinquela. Al usar óleo, para hacer más fluida su textura debe haberlo mezclado con aguarrás mineral o trementina. Si el solvente es de mala calidad se evapora y la pintura recupera su densidad, que con el tiempo termina por generar una superficie craquelada.

Crédito fotos: @casadelteatroar

El equipo liderado por la restauradora Victoria García Villegas optó por no retirar los murales a fin de evitar roturas. En primer lugar, se les hizo una limpieza superficial con pinceles japoneses de pelo de cabra. Luego se procedió al velado, que implica cubrir las pinturas con un papel de fibra de kozo (un árbol japonés) sobre el que se colocan geles que pueden alcanzar las grietas y microfisuras. La suciedad depositada en ellas se adhiere al producto de modo que, cuando se retira el papel, con él también se despega el polvo y otros elementos dañinos.

Con la ayuda de solventes fue posible recuperar los colores originales de las obras. De esta manera se rescataron los tonos empleados por Quinquela al tiempo que se respeta su envejecimiento, como una manera de evitar un “falso histórico”.

Con su puesta en valor, las obras cumplen con el legado de su autor: democratizar el arte a lo largo del tiempo.

El desafío de la transformación

El desafío
de la transformación

Según la Real Academia Española, Reciclar es ‘someter un material usado a un proceso para que se pueda volver a utilizar’. Una definición acotada, según la experiencia de estas artistas que asumen el reto con creatividad para que, además de reutilizarse, el objeto cobre nuevo valor.

Eleonora Carusotti (43 años)

Berisso, Buenos Aires

“De los trabajos reciclados, lo que más me atrae es pensar una nueva función al objeto o darles una nueva oportunidad arreglándolos o sólo embelleciendo algo que tal vez ya pasó de moda o simplemente no combina en un ambiente. Es un gran desafío poder pensar e imaginar una nueva función para un objeto. Cuando se usa material de descarte es fundamental lograr que a simple vista no se sepa qué fue lo que usé”.

Renové una funda de celular con Base de Adherencia, Acrílicos Decorativos, Adhesivo multipropósito, Foil Laminador y Barniz satinado al agua. Los productos Eterna colaboran en todo. Tienen una línea tan completa para el artesano o artista que se puede realizar cualquier trabajo en cualquier superficie y con cualquier técnica.

Sandra Cuello (49 años)

Aldo Bonzi, Buenos Aires

“Me atrae ver cómo diferentes objetos puestos en conjunto pueden transformarse en una hermosa composición. Para inspirarme miro muchas páginas del estilo Pinterest o también veo muchos y buenos trabajos compartidos en la Comunidad Eterna. El desafío que me genera el reciclado ─más allá de una cuestión ecológica─ es la búsqueda de una satisfacción por lo logrado y por superarme cada vez más”.

Reciclé una chapa de un lavarropas viejo y potes de plástico con Acrílicos Decorativos, Chalk Paint, Adhesivo y Barniz para Decoupage. Lo ideal para trabajar con chapas en mi experiencia es utilizar pintura Chalk Paint Eterna aplicada con esponja. 

Paraná, Entre Ríos

“Durante esta pandemia aprendí a querer el reciclado. Empecé a observar, buscar y tratar de distraerme con cosas que pudieran recuperarse. El reciclado es muy lindo porque con algo que se piensa que ya no sirve surgen muchas creaciones.
Es el desafío de observar y buscar algo que pensás que ya no sirve y transformarlo en algo lindo agradable, y hasta útil”.

Hice hieleras con potes de telgopor y corchos, Chalk Paint, Acrílicos Decorativos y Barniz para Chalk Paint Extramate, y sumé servilletas para decoupage. Es importante limpiar bien la superficie antes de trabajar. Los productos Eterna colaboran porque son muy versátiles, se aplican sobre todo tipo de superficies. Tenés la solución para cada paso o técnica a aplicar, son muy cubritivos y de tonos variados y lindos.

San Luis, San Luis.

“Para mí el desafío es aprovechar y poder crear objetos decorativos a partir de aquellos elementos que solemos descartar, volver a darles una vida útil”.

Una de las técnicas que predomina en mis trabajos es el falso vitreaux en botellas y cds, aprovechando las Lacas Vitrales, Dimensionales, Pasta para Relieve y Base para Adherencia Eterna. Al trabajar con cds, es importante limpiarlos muy bien, que no queden residuos y luzca transparente antes de intervenirlo con el diseño elegido.  

Compartí tus experiencias de CREACIÓN e INSPIRACIÓN en
la COMUNIDAD DE USUARIOS ETERNA.
https://www.facebook.com/groups/pinturaseterna

Experiencias desde la virtualidad

Experiencias
desde la virtualidad

Adriana Chacón
Lidia González Varela
Mónica Godfroit

2020 irrumpió en los hogares y los trabajos tanto como en los espacios de recreación, hobby y aprendizajes. La virtualidad nos obligó a repensar modos de hacer para lo que
-hasta entonces- era impensado pantalla de por medio.
Por ello, compartimos estas tres experiencias de talleres en modo virtual que se reformularon para seguir adelante… porque la creatividad también se expresa en los modos de seguir y sostener.

Taller de Adriana Chacón

Modalidad

Talleres grupales libres con la propuesta de acompañar la creación.

Herramienta

No conocía Zoom y lo tuvo que aprender. Incluso sumó clases sobre la herramienta para acompañar mejor a sus alumnos, que se familiaricen y adapten a su uso.

“Al comienzo colapsé, me enojé, lloré  y pataleé porque pensaba que no iba a poder seguir adelante. El espacio de taller se redujo a mi escritorio y a mi sillón (hoy es un bunker más adaptado). Siento que esta experiencia fue, es y será muy provechosa desde lo espiritual, de aprender a manejarse con las personas desde otro lugar. Cuando uno necesita un abrazo y eso no está físicamente, hay otros recursos: escuchar, estar presentes, hubo clases en las que no trabajamos creando, sino que acompañamos a unos y otros, incluso a mí. Nunca con la sensación del “no hicimos nada”, siempre apoyándonos desde el lugar de encuentro. Mis alumnos son lo más, voy a continuar con la modalidad online porque creo que vino para quedarse”.

Taller de Lidia González Varela

Modalidad

Trabajó con dos propuestas muy diferentes. Por un lado, Talleres libres y grupales y, por el otro, las clases regulares que dicta como docente de la Carrera de Técnico en Arte Decorativo que cuenta con  Módulos programados.

Herramienta

En el primer caso, organizó videollamadas por pequeños grupos durante 2 horas y media con el objetivo de crear, improvisar a partir de los elementos que cada quien tenía  en su casa. En el segundo, al contar con un programa de contenidos, la dinámica fue completamente distinta: enviar a los alumnos de cursada los videos grabados sobre un tema,  trabajar las correcciones durante la semana y reforzar con clases por Whatsapp, los días sábados (como lo hacían presencialmente).

“Fue un año positivo por un lado y bastante agotador por el otro. Los cursos regulares fueron muy creativos,  había que adaptarse a lo que había tanto en mi casa como en la de las alumnas. Aunque se extrañaron mucho entre ellas, se sintieron cómodas, y los encuentros fueron ágiles y personalizados. En el caso de la carrera, se notó mucho más la necesidad de la modalidad presencial para seguir el ritmo necesario, compartir las experiencias con cada nuevo tema y los materiales de trabajo. Creo que lo presencial y lo virtual seguirán conviviendo, sobre todo para las personas del interior o el exterior,  que ya no viajan tanto y encontraron en lo virtual otra manera de aprendizaje. Veremos cómo se implementa para que tenga el mismo nivel de resolución para todos”.

Taller de Mónica Godfroit

Modalidad

Talleres libres grupales que convocaron a quienes ya eran alumnas en la modalidad presencial como a nuevas que se animaron con la propuesta.

Herramienta

Comenzó con salas de Facebook, luego implementó Meet para mayor interacción.

“Me llevó un tiempo tomar la decisión. Tuve que aprender el manejo de herramientas tecnológicas que nunca había usado, pero investigando y con la ayuda de mis hijos y nueras allí fui. Trabajar así me demostró a mí misma que soy capaz de reinventarme: la vida es un cambio constante y soy feliz aprendiendo. Ver en mi pantalla el rostro de las alumnas felices y luego las devoluciones que hacen es lo mejor que me puede suceder estando frente a un taller. Me gustaría volver al presencial, pero creo que esta modalidad va a quedar”.

Continuidad: conquista en equipo

porHerminia Devoto

HOY...

Continuidad:
conquista en equipo

Lejos quedó ya el mes de marzo cuando arrancamos a filmar Manos a la Obra en nuestro set de grabación y, de repente,la noticia de una pandemia mundial cambió todo. Nos invadió la incertidumbre y nos vimos obligados a enfrentar una nueva realidad. 

Con la ayuda de editores experimentados y tratando de entregar la mejor calidad, arrancó la carrera. No fue sencillo, pero lo hicimos: el programa siguió transmitiéndose. Ayudados por la tecnología y el famoso programa de videoconferencias Zoom que nos resolvió el problema de la distancia a las maravillas; el apoyo de las empresas anunciantes que se adecuaron a la nueva dinámica para estar presentes y el esfuerzo de los profesores y las profesoras que improvisaron estudios de TV en sus propias casas, incorporando teléfonos, luces, micrófonos y una artillería de herramientas para poder seguir compartiendo su conocimiento.

Poder hacer entrevistas ─pese al aislamiento─ presentar proyectos, mostrar productos y otras novedades es un logro invaluable. Fue un tiempo de gran aprendizaje aunque no quita que en muchos talleres se añoren esos instantes únicos de compartir el mate y las charlas, además del aprendizaje.

Sabíamos que debíamos acompañar más que nunca a quienes eligen el arte decorativo como espacio de recreación, creación y -por qué no- como salida laboral. Queríamos estar cerca para ayudar a canalizar las distintas emociones que la pandemia generó.

Este compromiso fue compartido con Pinturas Eterna que durante este año organizó distintas clases, talleres y encuentros online para todo el país, actividades que nos ayudaron también a aprender más sobre este medio de comunicación e incorporar nuevas prácticas que antes nos resultaban “raras”, como asistir a una clase, ver un vivo,  visitar una exposición virtual o comprar productos por Internet.

Con calma, siento y pienso que nada es para siempre. Esto también pasará y cuando volvamos a la normalidad valoraremos mucho más ese espacio de socialización y creación que son los talleres. De a poco volveremos a reencontrarnos, mientras tanto despedimos un 2020 único e irrepetible que, al menos para mí, no pasó advertido.

Grabando Manos a la Obra

La colaboradora de Eterna, Karina Aguirre, puso Manos a la obra desde Córdoba para enseñar cómo aplicar pouring en cuadros de pequeño formato.

Desde Mar del Plata, la profesora Betina Ferrara se sumó este año a Manos a la Obra. En este caso, con una propuesta para realizar luminarias de vidrio con Lacas Vitrales Eterna.

Encuentro Federal y Virtual

El equipo Eterna a pleno trabajó en el diseño de actividades para acortar distancias.

Letit Be

“Letit Be”

Martín Penedo

“Soy fan de Los Beatles desde muy chico, y ese fanatismo me llevó a empezar a dibujarlos y luego a pintarlos. Siempre digo que quizás no me hubiera dedicado a la pintura si no fuera por su música”.

Así se presenta Martín Penedo, más conocido como Tin Art: artista plástico y dibujante autodidacta de rock que combinó su pasión por la música y la pintura para crear un estilo propio en el que hoy conviven el realismo y el expresionismo.

¿Qué es ser un artista autodidacta?
Ser autodidacta es estudiar a grandes maestros, sus teorías, prácticas y técnicas  para poder practicarlas y aplicarlas en un trabajo propio. Aunque no tomes clases puntuales con alguien, siempre algún consejo te llega y luego el estudio es personal.

Cuando no seguís una carrera de arte donde estudiás contenidos teórico-prácticos y conocés la historia del arte, el proceso de formación como autodidacta se torna de contenido similar, pero en “sentido contrario”: empezás a dibujar y pintar intentando copiar a estos artistas que admirás, intentás llegar a lograr un realismo. Luego comienza el proceso de estudiar cómo lo pintó para poder copiar su técnica utilizada y vas aprendiendo las teorías que ellos estudiaron y aplicaron y, te empieza a interesar la historia del arte.

¿Cuándo fue la primera vez que pintaste en vivo, con público?
Me lancé al público a mis 20 años, aproximadamente, cuando empecé a pintar remeras a mano con imágenes de íconos del rock e iba a venderlas los fines de semana en la Feria de Artesanos de Plaza Francia (Recoleta). Allí comencé a pintar en vivo y la gente paraba a mirar. Conocí al periodista Pato Galván, quien me invitó a un programa que tenía en un canal de cable en La Plata y pinté en vivo un “cuadro-remera” de Dalí.

¿Cuál es la técnica para darle “vida” en la mirada a tus retratos?
Como retratista busco captar la expresión de la mirada de quien estoy pintando como punto realístico distintivo de ese ícono. El secreto está en “aprender a mirar”. Estudiar los colores, texturas y tramas que aparecen en el iris.  Luego voy “mintiendo” con los colores y me reservo para dar brillos puros de blanco de titanio, detalles de tejido en el iris, y pestañas y cejas.


Sgt Peppers. A day in the life.

My Sweet George

Gustavo Cerati – Corazón Delator

"Me inspira la música, no pinto sin música;
de hecho, siempre escucho la música del intérprete a quien estoy pintando para conectar”

¿En qué te facilitan o colaboran los productos de Eterna en tus obras?
¡En TODO! Los Acrílicos Profesionales Eterna son indispensables para mí por su consistencia y poder cubritivo. Con ellos puedo pintar tanto con pinceles y lograr esfumados de un color a otro (como si pintara al óleo, pero más rápido), como con espátulas, logrando texturas y empastes a gusto en las obras expresivas.
Baso mi paleta en los colores cian, magenta, amarillo, blanco y negro, sumados al gris de payne (como color “mágico”) y colores “terra” (sic). Les dejo un tip: la línea Flúo Profesional para manejar con espátulas es espectacular.

¿Cuál es tu obra favorita?
¿Me dejas decirte dos? Una de mis obras más queridas es la de George Harrison “Mysweet George” en acrílicos profesionales Eterna sobre lona. Fue la primera obra en gran tamaño que pinté.Y la otra que más quiero, más expuse y me generó gran satisfacción por su repercusión en el público es “Gustavo Cerati – Corazón Delator” (190 x 150 cm). Aún la conservo.

¿Qué es fundamental para que un artista siga creciendo en su arte? 
Por un lado, el uso de materiales de calidad que hace que el artista pueda expresar lo que precisamente quiere. Por el otro, tener claro que en el arte el camino de la búsqueda de un estilo propio puede ser largo, pero es lo que va a darte más satisfacción. Que reconozcan una obra tuya porque refleja tu estilo en ella (por morfología, uso de color, estilo de dibujo, técnica, etc.) es fundamental para seguir creyendo en uno mismo y seguir avanzando en este hermoso camino que es el arte.


“Me gusta interactuar con el público y sentir su reacción".

@wilo_gayone

Creatividad del hobby al oficio

“Soy alguien que se expresa a través del dibujo y del color, es donde me siento más cómodo. Después de pintar me siento más liviano. Es más, creo que cuando pinto soy más bueno”.

EMPRENDEDOR:
Wilo Gayone

Artista.

Durante toda mi vida el dibujo fue muy importante en mis trabajos (desarrollo de productos textiles, diseño de locales comerciales, marketing y publicidad). Hace 6 años fui al local donde compraba todos los elementos cuando estudiaba arquitectura, me compré dos bastidores, unos acrílicos y pinté por primera vez sobre tela: me voló la cabeza. ¿Qué estaba haciendo en la vida que no estaba pintando?

 

Hay que ser sincero y crítico con uno mismo.
La pregunta que deberías hacerte es:
¿Vos lo comprarías? ¿Cuánto pagarías?

Cómo comenzó

A los 6 meses de empezar a pintar hice mi primera muestra y tuve la suerte de vender la mitad de los cuadros colgados. Vinieron más muestras, hasta que empecé a pensar que podía pintar más que cuadros. Así llegaron la cerámica, los platos, los chops de cerveza y los pingüinos de vino (“Pinwilos”, pinté más de 1.000 y cada uno es único, firmado y numerado). Ahora estoy trabajando en otros productos, además de los cuadros y la cerámica.

UN CONSEJO

El desafío es ir más allá de sentirse bien cuando pintamos, no son muchos los que están dispuestos a hacerlo. Por ejemplo, un libro, un disco, un recital son productos de arte. Detrás de ellos hay muchas horas de trabajo y de aprendizaje (no errores, aprendizaje). La invitación es a pensar productos de arte desde lo que cada uno hace y que sea monetizable.

Hay que ser sincero y crítico con uno mismo. La pregunta que deberías hacerte es: ¿Vos lo comprarías? ¿Cuánto pagarías?

Uso acrílicos y vitroesmalte horneable de Eterna.
Los acrílicos cubren bien, los colores quedan bien con una mano, mientras que con otras marcas tendría que dar dos o tres. Con el vitroesmalte pinto la cerámica y es genial.

Desarrollar habilidades de espatulado

Desarrollar habilidades
de espatulado

El uso de diferentes herramientas para trabajar la pintura permite generar improntas distintivas tanto en papel como en bastidor. 

En base a la experiencia de Cecilia Aguayo,  experta en técnicas de espatulado, te acercamos cuatro ejercicios simples para desarrollar nuevas habilidades con tus acrílicos: Decorativos y Profesionales.

TIPS generales para la técnica

  • Trabajar húmedo sobre húmedo para generar mezclas y volumen de material.
  • No le tengas miedo a la abundancia de pintura, es lo rico de esta técnica.
  • Colocá todos los colores de Acrílico en tu paleta y realizá las mezclas con la espátula.
  • Generá un fondo de color para trabajar, y esparcilo sobre el papel o bastidor con el canto de una espátula como si fuera el pincel.

1

Sombra, luz y formas simples.

Espátula: Cuchara fina

Este juego de claro-oscuro te permite trabajar volumen (por ejemplo, para el tronco de un árbol): Trazá una franja vertical con un tono oscuro, arrastrando la pintura con el filo de la espátula. Luego, repetí lo mismo al lado con el tono más claro dejando que suceda la mezcla en las zonas comunes.

2

Reflejos, aguadas, movimiento.

Espátula: Punta cuadrada

Cargá pintura en la punta de la espátula, apoyá y deslizá hacia abajo. Vas a ver que la carga se va reduciendo en el trazado. Probá regular las siguientes variables: más o menos presión para integrar el color con el tono del fondo, más o menos movimientos laterales (tipo zigzag) para generar sensación de movimiento.

3

Tejados, empedrados, paredes, pisos.

Espátula: Punta recta

La lógica es similar al ejercicio anterior, pero el movimiento del trazado es corto y firme, ejerciendo una leve presión. Con la práctica vas a aprender a regular las pequeñas modificaciones que van marcando diferencias.

4

Vegetación, lluvia, reflejos.

Espátula: Punta fina

Cargá bien la espátula y traza una línea horizontal con la punta. Luego, presioná en un punto de esa franja y arrastrá hacia abajo la pintura con un pequeño movimiento de zigzag.

Plato de sitio navideño ¡Personalizado!

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Plato de sitio navideño

¡Personalizado!

Con pocos elementos y mucha creatividad te invitamos a ponerle una onda distinta a la mesa de tus fiestas, para que cada persona se sienta única.

  • Esmalte Acrílico 99. Negro.

  • Pintura pizarrón negra.

  • Adhesivo y barniz decoupage flexible.

  • Adhesivo multipropósito.


Herramientas & Otros materiales:

  • Recortes de fibrofácil: círculos de 35 cm y 20 cm.
  • Tela arpillera.
  • Ramitas de pino u otra a elección.
  • Recorte de corcho en plancha.

 


1. Preparar la base del círculo grande.

Gabi enteló el círculo grande de fibrofácil con tela arpillera, un material súper noble, económico y con muchas posibilidades para intervenir con pintura en éste y otros proyectos porque los colores resaltan sobre su tono neutro.

Opciones a tu modo… 
Si preferís no utilizar tela arpillera, una buena opción es que pintes el fibrofácil con Esmalte Acrílico de un tono similar: 04. Sambayón o alguno de los tierras (84, 85, 86, 87) con un poco de Blanco.


2. Personalizar y decorar el plato de sitio.


Gabriela Orio

Diseñadora gráfica (UBA) dicta clases de pintura decorativa, orientada a la decoración en su propio taller Pintando Sueños; San Antonio de Areco (Bs. As.)

Base para Adherencia: ¿para qué sirve?

Base para Adherencia:
¿para qué sirve?

Fue especialmente diseñada para facilitar el agarre de pinturas al agua sobre superficies no porosas como metal, plástico, vidrio, azulejos, entre otros. Es una aliada fundamental para poder darle color a infinidad de piezas nuevas, renovar objetos o aprovechar recipientes reciclables como latas, potes de helado, botellas y evitar que la pintura se salte.

Se aplica directamente sobre la superficie con pincel, esponja o rodillo. Al ser incolora, no modifica su aspecto. Eso sí, para asegurarte que genere un buen mordiente es importante que:

1

Limpies SIEMPRE la superficie con un algodón embebido en alcohol para desengrasar y quitar la suciedad. 

2

Dejes SECAR completamente antes de intervenir con pintura.
Aproximadamente 12 horas

Luego, tus piezas estarán listas para recibir el color que elijas entre las amplias paletas de las líneas Eterna de Esmalte Acrílico, Acrílico Decorativo, Acrílico Profesional, Base Acrílica, Chalk Paint, etc..

Descubrí el producto en acción en estos proyectos y animate a probarlo.

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos  comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

@florchedufau

Creatividad del hobby al oficio

Soy muy inquieta, me defino una persona con libertad.
Me gusta la tranquilidad a la hora de pintar y disfrutar de cada pincelada”.

EMPRENDEDORA:

Flor Chedufau
Artista, muralista, escenógrafa.

Desde mi formación de escenógrafa,creé un vínculo muy fuerte con la naturaleza. Cuando pinto, mi lugar de trabajo se convierte en una ventana donde intento representar la calma y armonía que la naturaleza me ofrece.

 

La mejor manera de arrancar es animarse,
dejarse llevar y mucha práctica.

Cómo comenzó

Me animé hace dos años, estaba pintando mi primer mural en la casa de mi hermana que iba a mostrar el proceso de reciclado para la revista Living, ¡fue una experiencia increíble! Desde entonces, nunca paré. Hoy paso mis días interviniendo paredes en casa de familias, en restaurantes, hoteles, pintando láminas y murales en papel y ofreciendo talleres a quienes le guste pintar. Estoy muy agradecida a esto que hoy me está sucediendo.

UN CONSEJO

Les sugiero que busquen su propia impronta, ese sello que los hace únicos y verdaderos. La mejor manera de arrancar es animarse, dejarse llevar y mucha práctica. Capacitarse, hacer cursos y ¡siempre para adelante!

También conviene aprovechar las herramientas que tenemos, como las redes sociales, que nos abren puertas al mundo para poder mostrar nuestro trabajo.

Uso acrílicos Eterna porque son muy cubritivos. Con los colores puedo ir probando hasta llegar a mi propia paleta de colores.

Jardín vertical con pallet

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Jardín vertical con pallet

Con un pasaje de neutros muy a tono con las tendencias deco, Betina intervino este pallet que vistió con suculentas. Ideal para integrar a un espacio de jardín o galería.

  • Base Acrílica: 01. Blanco de Titanio, 06. Amarillo Bebé, 84. Tierra Siena Natural, 99. Negro.

  • Laca al agua.

Herramientas & Otros materiales:

  • Pallet, pinceles.

 


1. Pintar fondos tritono por listón.

El pallet cuenta con seis listones horizontales, ideal para trabajar un degradé visual de neutros en  Base Acrílica Blanco de Titanio, Tierra Siena Natural y la mezcla de ambos (más una pizca de Negro).

¿Por qué Base Acrílica?
Es una pintura muy noble para trabajar superficies rústicas: buena consistencia, y los tonos pasteles de la línea acompañan bárbaro este juego de neutros.


2. Aportar detalles: pincel seco y frases.


Betina Ferrara

Es diseñadora de interiores, profesora de pintura decorativa y de arte-terapia en Mar del Plata.

03. Amarillo de Nápoles

03. Amarillo de Nápoles

Calma perfecta para realzar contrastes

Con la calma de los tonos pastel y un detalle inigualable de calidez, podríamos decir que este color tiene importante función de paso: sobre él pueden destacarse de manera integrada colores vibrantes o, en otro rol, puede ser el mediador que descontracture el juego entre neutros de pura cepa como el blanco y el negro.

Este año tiene un gran protagonismo entre las tendencias de decoración dentro de la gama de beiges, cremitas o neutros cálidos, y, quizás por las prolongadas cuarentenas, se convirtió en un compañero ideal para las figuras orgánicas.

03. Amarillo de Nápoles

Encontralo en nuestras líneas:

3 paletas cromáticas
trabajadas con Pintura para Tela y sellos sobre lienzo crudo.

O1. Blanco de Titanio

110. Cobre

03.Amarillo de Nápoles

09. Carne Claro

99. Negro

22. Bermellón

07. Arcilla

03.Amarillo de Nápoles

129. Magenta perlado

180. Amarillo Flúo

69. Verde Oliva

68. Verde Talo

03.Amarillo de Nápoles

103. Peltre

88. Chocolate

Una tradición dentro del mundo de la pintura

El Amarillo de Nápoles es un color histórico. Su pigmento (PY 41) ya se conocía unos seis siglos antes de Cristo; “se cuenta que se lo encontraba en los tejados de Babilonia”, nos comparte Rubén Civeira, fundador de Eterna, desde el ámbito que más disfruta: el laboratorio de química de la empresa.

 “Originalmente se producía procesando compuestos minerales de plomo y antimonio, sumamente tóxico para el ser humano. Tenía un enorme poder cubriente y una vida útil casi ilimitada”, destaca Civeira.  Como muchos otros pigmentos históricos de la pintura,  se discontinuó el uso de la variante mineral por su toxicidad y su formulación se realiza con componentes de síntesis química: “se lo reemplazó por mezclas de blancos y tierras, de acuerdo con los subtonos (claro u oscuro) deseados y en algunas cartas de color aparecen variantes rojizas,  inexistentes en el original”.

De frasco de vidrio a florero vintage

Detalles que renuevan la cocina

“Amo los objetos que tienen historia y que, pasado un tiempo, pueden resignificarse”, confiesa María Marta Vidas, autora de la transformación de un viejo frasco que tenía en su casa como “contenedor de todo”.

María Marta se decidió quitarle ese mote reciclándolo para que tenga un lugar de mayor protagonismo en su hogar.


Antes

Después

En primer lugar,  recomienda lavar el frasco con agua y detergente luego pasar un paño con alcohol a la superficie. Con una esponja, darle una primera mano de Pintura mate ChalkPaint color Blanco Nieve (01) y, para una segunda mano, sí usar un pincel.

Cuando está seca la pieza aplicar dos manos de Barniz Poliuretánico para lograr el brillo característico del enlozado.  Recortar una imagen (María Marta utilizó una lámina de folex) y aplicarle una capa muy delgada de Adhesivo Multipropósito. Esperar una hora para que tenga el punto mordiente ideal y pegarla sobre uno de los lados del frasco. “Para que el dibujo se adhiera correctamente, hice presión sobre la lámina con el mango de un cuchillo”, recuerda María Marta.

Por último, con Acrílico Negro (99) y Siena (85) pintar unas manchas imitando “las cachaduras” que tiene el enlozado cuando se sale. “Es muy importante que este paso se haga a lo último pues estas manchas no tienen que tener el brillo del resto de la pieza”, sugiere María Marta.

Uso Eterna porque el poder cubritivo de sus pinturas es excelente.

María Marta Vidas, Mar del Plata, Pcia. de Buenos Aires

“Mi lugar en el mundo es estar cerca del mar”, cuenta María Marta, quien pasa su tiempo libre en actividades que la conectan con la creatividad en todos sus aspectos. Es actriz y dramaturga. También se define como “buscadora incesante de ideas nuevas para decorar ambientes”. Desde ese lugar creativo diseña objetos y recicla cosas para resignificar su vida útil.