#BellasArtesEterna

@rianbetina

Creatividad del hobby al oficio

Experimento e investigo el color a través de distintas fusiones de técnicas. Intento representar estados, sensaciones y capturar dentro de cada obra a quien la observe. Actualmente, estoy enfocada en la pintura (obras de arte, murales, intervención de objetos en sus más diversas formas), pero no me cierro a otras áreas.

EMPRENDEDORA:
Betina Rián
Artista.

“Me defino como artista. Estoy en una constante metamorfosis. Creo que en esta época debemos mutar y evolucionar todo el tiempo, conservando el estilo, pero reinterpretándolo”.

 

Cómo comenzó:
Comencé a dibujar y experimentar con colores y formas desde niña, a los 3 o 4 años. Desde ese momento, mi vida se centró en el arte, tanto en el dibujo como en la pintura, la escultura, la música, las instalaciones, la literatura, el grabado y hasta en guiones de cine y TV. Mi mundo entero gira en torno al arte, y es algo que AMO❤.

UN CONSEJO
Animarse a tomar riesgos (con dudas, nervios y aunque todo sea incierto) y perder el miedo al “fracaso”, porque no pasa nada.
Lo cierto es que aprendemos muchísimo más de nuestros desaciertos que de nuestros logros (al menos así es en mi caso). Cuando las cosas no salen como esperamos ¡es una muy buena oportunidad para ver y aprender! Si logramos aprender de los “fracasos”, la próxima vez vamos a estar más cerca de nuestro objetivo, con más herramientas y sabiendo qué sí y qué no. Otra cosa: confiar en la intuición. ¡Tener confianza en una misma es fundamental!

Uso las dos líneas de Acrílico de Eterna: la línea de Decorativos Premium la uso en las obras que van a tener un acabo final diferente (laca, barniz u otro efecto) o que la técnica empleada lo amerita: si busco mucha fluidez, o al realizar una intervención. Esta línea tiene tonos diferentes y más variados.
En cambio, la línea Profesional la utilizo en las obras que están más cargadas, como si fuese con espátula (aunque uso pincel). Son técnicas y acabados distintos. La consistencia de esos pigmentos es de densidad media y me permite jugar con la textura.

64. Verde Bambú

64. Verde Bambú

Un proyecto simple y 64. Bambú realizado por Gabriela Orio

La percepción opera de manera distinta en cada persona, tal es así que habrá quienes digan que este color está más cerca del marrón que del verde y viceversa. El punto es cuán familiar nos resulta este estímulo de luz porque si decimos “Verde Botella”, rápidamente las imágenes surgen en la mente por una asociación más cotidiana. Pero el bambú es difícil desde la planta misma porque las hay de color oscuro, de hecho se lo denomina Bambú negro, y otra variedad de esta caña en la cual la carga de amarillo es notable y se llama Bambú dorado; otros, simplemente, son verde claro.

Así que nuestro Verde Bambú es así:

Encontralo en nuestras líneas:

COMBINALO con estas paletas que pensamos para vos.

1- Fresca

65. Verde Manzana

06. Amarillo Bebé

64. Verde Bambú

48. Celeste Country

49.Cian

2- Vibrante

88. Chocolate

47. Celeste Bahía

64. Verde Bambú

31. Borravino

186. Rosa Flúo

3- Clásica

65. Verde Manzana

71. Verde Cromo

64. Verde Bambú

 05. Hueso

02. Blanco Cálido

Curiosidades

¿Sabés por qué hay tanta variedad de verdes?

• Es un color que abunda en el reino vegetal con una compleja diversidad a la cual nuestros ojos están acostumbrados.

• Por este fuerte vínculo con la naturaleza se lo asocia al concepto ECO, tan vigente en la actualidad.

• Desde el aspecto técnico, es un color muy estable: al mezclarse con otros conserva fuertemente su identidad de manera tal que seguimos percibiéndolo dentro de la familia de los verdes (algo que no sucede con el amarillo, por ejemplo).

Una Historia Tóxica

El verde más puro, luminoso y resistente -por ello el preferido por los artistas de antaño- era el VERDE DE COBRE: una mezcla de limadura de cobre, vinagre y diversos aglutinantes. Ya era perjudicial para la salud con esa composición, pero se convirtió en sumamente tóxico cuando se reemplazó el vinagre por arsénico debido a que otorgaba mayor intensidad a la mezcla. La autopsia de Napoleón reveló que la causa de su muerte fue la intoxicación por arsénico, pero no fue inducida, sino producto de la ignorancia de la época. El conquistador era fanático del color verde, y en su morada abundaban los tapices de este color: fue la prolongada exposición a este tóxico la que produjo su deceso

Expresión en libertad

Expresión en libertad

Betina Ferrara / Coco Cerrella

Betina y Coco ponen palabras a sus experiencias de brindar talleres de arte y diseño a personas en situación de encierro (en las cárceles de Batán y Devoto) que encuentran en esas propuestas un oficio, un recurso, una salida laboral o un proyecto personal.

La última apuesta fue incluir esos talleres en la programación del TRIMARCHI –el encuentro interdisciplinario de diseño latinoamericano-.

Una dilución del adentro y el afuera en pos de la libertad de crear.

Conocí a Coco mirando la página de víctimas por la paz. Había una charla TED en donde Coco explicaba su trabajo en la cárcel y me pareció genial; otra fuente de inspiración. Lo contacté y se nos ocurrió llevar TRIMARCHI a la cárcel. Al principio fue como un sueño porque eran tantas las cosas que debían coincidir que parecía imposible. De a poco se fueron dando las cosas: las personas no se conocían así que hicimos juegos de presentación, tejiendo lazos con un ovillo en donde cada uno decía soy bueno para… tejimos una red y reflexionamos sobre esa estructura. Luego trabajamos en  5 grupos, y cada uno trabajó realizando un mandala diferente.



Betina

Me contactó Betina, profe de arte de la cárcel de Batán. Nos reunimos en Buenos Aires para compartir la idea de hacer un trabajo conjunto. Surgió la posibilidad de TRIMARCHI, era genial: buena difusión de lo que hacemos en los talleres y abrirlos a estudiantes de todo el país (y de otros también). Fuimos muchas personas trabajando en conjunto y creando. El arte y el diseño gráfico convivieron, aunque son disciplinas que chocan desde lo académico.



Coco

Reproducir vídeo

¿Cómo surgió la idea de trabajar con personas en situación de encierro?

Betina. Surge a partir de mi formación en arteterapia con Vicente Zito Lema; oía sus relatos sobre la cárcel de Resistencia y sobre otros lugares en los que trabajó con gente con derechos vulnerados. Él es fuente de inspiración constante.  Siento que nací y crecí con oportunidades que otras personas no han tenido, y tengo la necesidad de agradecer y devolver al todo de alguna manera eso que algunos no tienen por el motivo que sea.   La cárcel es obsoleta, no sirve para reinsertar a quien alguna vez estuvo en el sistema y tampoco para insertar a quien nunca estuvo dentro de un sistema social, como es la mayoría. No justifico (ni lo haría nunca) el delito, pero la realidad es que la mayoría de las personas que están alojadas ahí, estuvieron siempre fuera del sistema social: tengo alumnos analfabetos, otros que tuvieron su DNI recién cuando ingresaron a la cárcel, y esto habla de una gran falla social. Considero que algunas de nuestras actividades ayudan a conseguir herramientas para cuando salen y otras ayudan a que el transito sea un poco más soportable.

Coco. En mi caso me enteré de que existía un espacio universitario en la cárcel de Devoto (UBA) y yo ya venía dando clases en diseño gráfico en la universidad y trabajando en la difusión de Derechos Humanos a través de afiches. Si bien trabajaba sobre lo social, no producía un cambio real. El trabajo con talleres en la cárcel me parecía una oportunidad para aportar algo donde el resultado se da en personas y en sus vidas. El primer taller que di fue muy específico: para 10 personas que querían armar una imprenta como trabajo autogestivo para cuando salieran, y lo lograron. Se llama Cooperativa Esquina Libertad y ofrecen servicios de diseño, encuadernación e imprenta. Tienen un espacio fuera de la cárcel, sirve como emprendimiento productivo y espacio de contención porque también reciben a personas que son liberadas. Uno de los graves problemas a los que se enfrentan cuando salen es el tener posibilidad de una alternativa.

¿En qué consisten los talleres que ofrecen?

Betina.  Al comienzo hacía hincapié en arteterapia, en donde se da más importancia al proceso creativo sin que importe el resultado final. Pero, desde hace un año, trabajo en un taller que manejan los propios internos: desarrollan objetos que luego venden y ayudan con eso a la manutención de sus familias. Estamos más dedicados a mejorar técnicas de producción de esos objetos, o abordar nuevas y probar materiales para utilizar. Como profe de Pinturas Eterna, tengo la suerte de tener acceso a un montón de materiales que nos permiten ver cuál se adecúa mejor a sus producciones. También tengo un taller que se llama 99 mandalas que tiene la intención de que en todas las celdas haya un mandala, un símbolo de que allí habitan personas (único ser que puede hacer arte). Me interesa que las personas que allí habitan puedan sentir cierta pertenencia en ese espacio por el tiempo que tiene.

Coco. El taller que doy actualmente en la cárcel de Devoto es sobre Derechos Humanos, temática que después plasmamos en papel, AFICHE A3. Producimos afiches a partir de una reflexión sobre el derecho: al trabajo, salud, educación, a una vivienda, a un juicio justo. Siempre desde la mirada de alguien que está encerrado y, en general, proviene de un contexto de mucha marginalidad; es decir que sufrió la ausencia de esos derechos toda su vida. Hace siete años lo hago todas las semanas. El objetivo es incorporar la carrera de Diseño Gráfico en lo cual venimos trabajando.

¿Cuál es el balance?

Betina. En lo productivo, lo mejor que nos sucedió es haber logrado una integración y trabajos dignos de una muestra (creo que ese será nuestro próximo trabajo juntos). En lo personal, es un lugar casi sagrado, es un lugar donde los que participamos nos sentimos un poco más libres, y eso no se trata de vivir o no entre rejas. En ese momento, durante ese rato, las limitaciones desaparecen porque estamos creando algo distinto. Es un lugar de aprendizaje constante. Ir a enseñar algo es una excusa porque aprendo mucho de todos.

Coco. Lo más fuerte que me sucede en la cárcel cuando voy es el nivel de gratitud (que no se vive en otro contexto). El que quiere estar, está; y quien no, no tiene por qué simular nada, no existe el hábito de caretear. Me impacta la autenticidad de los abrazos, de las palabras y de los gracias… La valoración que a uno le genera acerca de todo lo que considerábamos habitual hasta ese momento: lo más mínimo se convierte en algo valioso. Una vez que uno mira a los ojos esas vulnerabilidades no hay vuelta atrás, y eso cambia la mirada para siempre.

No te pierdas esta charla

¿Qué tipo de barniz o laca debo utilizar para proteger?

¿Qué tipo de barniz o laca debo utilizar para proteger?

Entre tanta variedad de opciones y posibles combinaciones de pinturas, te ofrecemos esta guía simple y con ejemplos para que sepas con qué producto proteger cada proyecto.

1, 2, 3: ¿Qué considerar?

Algunas líneas de producto tienen su propia protección, por ejemplo: en la línea de Chalk Paint, el barniz y la cera fueron especialmente pensados para preservar el acabado extra mate de las pinturas.

No es lo mismo utilitario que decorativo.

Esta es una variable fundamental a considerar. Por ejemplo, un barniz al agua (como el de CKP) no protegerá lo suficiente; un barniz general, sí. Sin embargo, si querés máxima durabilidad y protección, no hay nada como la Goma Laca Incolora o la Hidrolaca Transparente.

¡SIEMPRE IMPORTANTE¡

Agitá durante 10 o 15 segundos el envase.
Los productos de protección son más espesos que las pinturas y para evitar marcas indeseadas y un excelente protección de tus trabajos es fundamental que todos los componentes se integren bien justo antes de utilizarlo.

Guía de Protección


Barniz
General

Barniz y
Diluyente

Barniz Poliuretánico

Barniz CKP

Goma Laca Incolora

Cera
CKP

Barniz y Laca Natural

Hidrolaca Transparente

Barniz
Plastika

Barniz Profesional en Aerosol

Barniz General

Protege de rayones, ofrece alto brillo y es removible (por este motivo muchos artistas lo utilizan para proteger pinturas al óleo).          
Te conviene esperar 3 horas entre mano y mano.



al Solvente

Trabajá en un ambiente aireado. Lidia González Varela protegió esta maravillosa pátina con este producto. Mirá el proceso completo en la edición N°1 de BLANCO MAG.

Barniz y Diluyente

Tiene doble función: proteger con una fina y elástica película en alguno de sus tres acabados (mate, satinado y brillante) y diluir el Acrílico sin modificar su color, su transparencia o tiempo de secado (en lugar de utilizar agua que perjudica la calidad de la pintura).



al Agua

Impecable este consejo de Ceci Aguayo sobre cómo proteger tus obras realizadas en Acrílico con este producto.

Barniz Poliuretánico

Es un producto mucho más resistente que el anterior, por lo cual es muy recomendable usarlo en superficies de apoyo: mesas, bandejas, sillas, banquitos.



al Agua

Es muy interesante cómo utilizó este producto Gabi Orio en este especiero para aprovechar su brillo moderado con el objetivo de reforzar el efecto zinc.

Barniz CKP

Lo diseñamos especialmente para conservar el terminado extra mate de las pinturas Chalk Paint. Cuando lo apliques vas a ver que deja una película blanca, pero no te preocupes porque a medida que va secando se vuelve transparente.



al Agua

Para adentrarse en el mundo Chalk Paint te recomendamos el coleccionable con proyectos
pensados para esta línea.

Cera CKP

También permite conservar el terminado propio de las pinturas Chalk Paint, pero te lo recomendamos especialmente para proteger trabajos sobre madera y que cada tanto vuelvas a aplicarla.

Una variante interesante de este producto (sobre todo para efectos añejos) es la opción INTENSA que, en lugar de ser incolora, es similar al tinte del betún.



Cera en pasta

Se aplica con un trapo. Te recomendamos que uses uno de algodón bien limpio para evitar rayones indeseados.

Goma Laca Incolora

¿Protección extrema? Este es el producto. Una laca al solvente súpertransparente que al secar forma una película vitrificada y de altísima resistencia. Es ideal para proteger trabajos expuestos a la intemperie o la humedad.



al Solvente

Es un producto súper fuerte en su composición. Trabajá en un lugar bien ventilado y utilizá un pincel preferentemente de descarte porque es muy difícil preservar las cerdas luego de su uso.

Barniz y Laca Natural

Barniz Natural

Sirve para el sellado previo de una madera que luego será intervenida.
Mezclado con alguno de los (+30) tonalizadores, tiñe la madera sin ocultar sus vetas.

Laca Natural

Brillo final para realzar las vetas de la madera, es ideal para finalizar pátinas. También puede mezclarse con alguno de los tonalizadores para darle mayor brillo a su acabado.



al Agua

No te pierdas este proyecto en el que se combinan ambos productos y todos los consejos de uso

Hidrolaca Transparente

La última incorporación a la familia de protección Eterna ofrece terminación extra dura en dos tipos de acabados: satinado y brillante. Usala para superficies porosas -pisos y paredes de cemento, madera, papel, cartón, entre otros-, como para otras no porosas: metales, azulejos, vidrio, cerámica, calcáreo, etcétera. Ideal para la intemperie y la húmedad.



al Agua

100% libre de testeo en animales, no tóxica, que ofrece una terminación extra dura resistente al rayado, alto tránsito, abrasión y la intemperie. Y ¿lo mejor? Elimina el efecto TAC (pegoteo).

Barniz Plastika

Un producto exclusivamente pensado para proteger de los rayones y de la intemperie las creaciones con Porcelana Fría Plastika.



al Agua

Sobre piezas cuya masa no fue coloreada durante el modelado, también es posible agregar una pizca de pigmento al Barniz para proteger y apenas tonalizar en un solo paso.

Barniz Profesional en Aerosol

Es un desarrollo propio, pensado para artistas profesionales porque su formulación atiende las variables más importantes de protección para una obra.
Evita el amarilleo: tiene una altísima transparencia, controladores de brillo según el acabado elegido y protección UV.
Autonivelante: para una superficie pareja y sin marcas.
Es removible: con aguarrás sin perjudicar en absoluto la obra.



al Aguarrás

Un gran testeo de producto junto a TIN: “El aerosol es una manera distinta de proteger una obra.”

Patrones: Crear por repetición

Patrones:
Crear por repetición

“Todos para uno, uno para todos” podría ser el lema de los Patterns, un diseño, forma o gráfica que funciona mejor por repetición que individualmente. De esta trama que va de lo particular a lo grupal surgen las texturas que, con mayor o menor complejidad, se utilizan en un compossé de sellos, en guardas o cuando se combinan cerámicos con figuras ornamentales.  Pero… ¿cuál es su origen?  Bien. Hay dos movimientos vinculados al “Pattern Design”: ART Noveau, una corriente asociada a la arquitectura que utilizaba  ornamentos orgánicos (que luego se expandió hacia otras expresiones y artes) y el Secession Austríaco integrado por escultores, pintores y arquitectos que buscaban desestructurar los planteos artísticos históricos y artísticos del momento: “A cada época su arte. A cada arte su libertad”, el lema.

Uno de sus fundadores fue Koloman Moser, un artista que llevó sus diseños  al fascinante mundo textil para integrarse no sólo a prendas, sino a cortinados, tapizados, alfombras, etcétera.

Otro exponente del momento fue Escher quien supo trabajar el “arte de la teselación” incorporando variantes en la morfología de sus dibujos hasta cambiar las figuras. Sin dudas fue un artista de la transformación visual.

En a la actualidad, el recurso sigue más vigente que nunca para artistas, hobbistas y diseñadores de todos los ámbitos. “Lo que más me gusta de los patrones -dice Male Clariá, artista visual-  es que a partir de un módulo podés hacer pequeñas modificaciones y crear infinidad de variantes, nunca se terminan y nunca me canso de dibujarlos. Me da mucha tranquilidad y paz hacerlos, y cuando estoy dibujándolos no necesito pensar en una  composición, se va dando intuitivamente y mediante la repetición se va formando la imagen”.

En su marca, SINGULAR Male Clariá, los utiliza tanto en la estampa de objeto -vajilla de porcelana- como en sus cuadros. “Uso muchos patrones  en mis dibujos  con peces (cada pez tiene un patrón diferente) y también en las flores, donde cada una tiene varios patrones diferentes que se repiten formando una flor”, explica.

1, 2, 3, Patrón:

Male Clariá además socializa con otras personas curiosas el diseño de patrones a través de seminarios. Aquí comparte algunos de los secretos para que un diseño sea considerado un pattern o patrón.  

  1. Debe  estar formado por la repetición de varios módulos o células iguales. 

  2. Cada uno de éstos se forman con la repetición de líneas (rectas, curvas, zig-zag) y/o puntos.

  3. Cada módulo puede tener pequeñas modificaciones, dando lugar a uno nuevo.

  4. Pueden ser regulares (se repite lo mismo en toda la composición) o  irregulares (cuando tienen modificaciones en forma, tamaño o color).

MIRÁ ESTAS CREACIONES

Reproducir vídeo

Glaceador: ¿Para qué sirve?

GLACEADOR:
¿Para qué sirve?

La descripción formal lo presenta como un producto al agua, brilloso y líquido. Es una emulsión que combina diluyente y retardador de secado:
se utiliza para obtener transparencia sin alterar el color de la pintura,
dando más tiempo de trabajo antes de que se seque.

Estas dos cualidades lo hacen un producto ideal para mezclar con Acrílico y utilizarlo en técnicas diversas como:

  • Transparencias y veladuras.
  • Húmedo sobre húmedo.
  • Esfumados, degradés o acuarelados.
  • Pátinas y falsos acabados

Aprendé más sobre cómo aprovechar este producto
y ponelo en práctica.

Cómo Hacer
Imitación Mármol Emperador

Cómo Hacer
Zentangle

Pátinas y falsos acabados

Acuarelados

Trabajos de pintura

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos  comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

Confieso que he vivido

Confieso que he vivido

Sellos, naturaleza, viajeros y camino.
Rastros en base a las memorias de Pablo Neruda.

Pablo Neruda eligió ese título para sus memorias: el recorrido abarca desde su juventud en Chile, sus viajes por el mundo como “embajador”, hasta su regreso al suelo chileno. Sus palabras trazan un rastro embriagador, estampan en quien lee una imagen vívida de esas experiencias. Con sellos naturales, orgánicos, vegetales… elegimos graficar algunos de los párrafos de su obra.

EL CONCEPTO DE SELLO

El sello es una matriz que contiene un signo (gráfica o textura) que se apoya sobre un soporte (papel, tela, bastidor, madera, etc.) para dejar su impronta.

1. PRIMERAS HUELLAS de un LARGO CAMINO.


SELLO:
Cortá una cebolla a la mitad en forma transversal. Dejala un rato sobre un papel tissue para escurrir la humedad y aprovechá la forma de sus círculos concéntricos.

[…] —Somos unas viejas maniáticas —me dijo la menor. Durante 30 años habían sido visitadas por 27 viajeros que llegaron hasta esta casa remota, unos por negocios, otros por curiosidad, algunos como yo por azar. Lo nunca visto era que guardaban una ficha relativa a cada uno de ellos, con la fecha de la visita y el menú que ellas habían aderezado en cada ocasión.
—El menú lo conservamos para no repetir un solo plato, si alguna vez volvieran esos amigos.

Me fui a dormir y caí en la cama como un saco de cebollas en un mercado.  […]

2. LA SALVACIÓN de un AMIGO.


SELLO:
Cortá una papa transversal o longitudinalmente. Aprovechá su consistencia para realizar calados. Dejala airear una hora para que elimine la humedad y el almidón que aflora con el corte.

[…] pretextando mi falta de tiempo, lo convencí de que me explayara verbalmente las ideas con las cuales pensaba salvar la humanidad.
—Es el huevo de Colón —me dijo—. Te voy a explicar. ¿Cuántas papas salen de una papa que se siembra?
—Bueno, serán cuatro o cinco —dije por decir algo.
—Mucho más —respondió—. A veces cuarenta, a veces más de cien papas. Imagínate que cada persona plante una papa en el jardín, en el balcón, donde sea. ¿Cuántos habitantes tiene Chile? Ocho millones. Ocho millones de papas plantadas. Multiplica Pablo, por cuatro, por cien. Se acabó el hambre, se acabó la guerra. […]

3. PERSONAJE DIGNO de DESCUBRIR.


La manzana tiene una forma muy icónica, si la cortas a la mitad, incluso se luce su corazón y semillas.

 […] Pocas horas después compraba yo manzanas en una frutería cuando se detuvo un coche de caballos a la puerta. Bajó de él un personaje alto, desgarbado y vestido de negro.

También venía a comprar manzanas.
Llevaba sobre el hombro un loro completamente verde que de inmediato voló hacia mí y se plantó en mi cabeza sin miramientos de ninguna clase.
— ¿Es usted don Bartolomé? —pregunté al caballero.
—Esa es la verdad. Me llamo Bartolomé […]

4. PLANTAS de INDONESIA.


Buscá variedades de forma y textura. Lo más recomendable es usarlas una o dos veces -del lado que tengan más relieve o textura- y luego cambiar para que no se empaste la imagen que resulta.

[…] Eran variedades del eucaliptus, desconocidas para mí. Hasta mi nariz bajó, desde la inmensa altura, una ola ría de perfume. Aquel emperador entre los árboles se había apiadado de mí, y una ráfaga de su aroma me había devuelto la salud. O tal vez sería la solemnidad verde del Jardín Botánico, la infinita variedad de las hojas, el entrecruzamiento de las lianas, las orquídeas que estallaban como estrellas de mar entre el follaje, la profundidad submarina de aquel recinto forestal, el grito de los guacamayos, el chillido de los monos, todo esto me devolvió la confianza en mi destino y mi alegría de vivir, que se iban apagando como una vela gastada. […]

5. EL COLOR de los POETAS ESPAÑOLES.


VARIEDAD:
probá sellar sobre papeles, cartulinas de color, telas (en ese caso usá Pintura para Tela). El mundo de la estampa es infinito.

[…] Los únicos verdaderos ríos de España son sus poetas; Quevedo con sus aguas verdes y profundas, de espuma negra; Calderón, con sus sílabas que cantan; los cristalinos Argensolas; Góngora, río de rubíes. Vi a Valle-Inclán una sola vez. Muy delgado, con su interminable barba blanca, me pareció que salía de entre las hojas de sus propios libros, aprensado por ellas, con un color de página amarilla. […]

6. CUANDO HABLAN las RAÍCES.


SELLO ZANAHORIA:
es más dura y tosca que la papa para manipularla pero deja una buena impronta.

[…] Nos dicen el secreto del árbol enterrado, el enigma que sustentaba el follaje, los músculos profundos de la dominación vegetal. Trágicas e hirsutas, nos muestran una nueva belleza: son esculturas de la profundidad: obras maestras y secretas de la naturaleza. […]

7. VOLVER a la PRIMAVERA CHILENA.


SELLO HOJAS:
con las formas de las hojas podés probar un sello invertido, tipo esténcil. Es decir la hoja oficia como reserva de la pintura.

“Al volver a Chile me recibió una vegetación nueva en las calles y en los parques. Nuestra maravillosa primavera se había puesto a pintar de verde los follajes forestales. A nuestra vieja capital gris le hacen falta las hojas verdes como el amor al corazón humano. Respiré la frescura de esta joven primavera. Cuando estamos lejos de la patria nunca la recordamos en sus inviernos”.

Confieso que he vivido es un anecdotario, una bitácora, un libro sobre el hombre que escribe libros.

El arte como generador de conciencia

El arte como generador de conciencia

Tamara Espósito

“Mediante la herramienta que yo tengo, que es el arte, busco comunicar y colaborar para que la idea de conservación del medioambiente siga creciendo”.

Tamara Esposito (@ta.arte) es artista plástica. Desde hace 5 años vive en Villa Yacanto, Córdoba, espacio más que propicio para la práctica de la pintura al aire libre o plenairismo que tanto disfruta. “Mi obra siempre está referida a la flora y la fauna –cuenta la joven-. Busco mostrar la belleza de nuestro mundo para que genere emoción, empatía en la gente y, desde ese lugar, despertar el cuidado de las especies y del medioambiente”.  

Con esa motivación, la artista encaró junto a “un gran equipo” el desafío de convertir en un lienzo reciclable la carcasa de un Fiat 1600 Coupé totalmente en desuso, oxidado, tirado en la calle que de quedar como chatarra tardaría unos 30 años en degradarse. “Para esta intervención buscamos también usar materiales amigables con el entorno y seleccionamos los Acrílicos de Eterna que son al agua y tienen envases plásticos reutilizables”, detalla Esposito.

Así, en el marco del XVII Gran Premio Argentino Histórico 2019 organizado por el A.C.A, se montó en su paso por Villa General Belgrano un atelier abierto para trabajar sobre el auto que previamente fue lavado, lijado y recibió una base de antióxido sintético. “La chapa estaba muy mal, pero los Acrílicos Eterna cubrieron súper bien el antióxido, rindieron muy bien; fue muy práctico este producto para trabajar al aire libre, en interacción con el público”, describe Esposito.  La terminación fue con Goma Laca Incolora Eterna, aplicada con pincel.

“La temática plasmada fue el paisaje de nuestras sierras y su flora, destacando así su belleza e importancia para el medio ambiente en el cual habitamos; intercalado con íconos reconocidos en el ámbito del automovilismo: logos, el nombre de la carrera, etc.”, cuenta la artista.

La obra ya está en poder del municipio de Villa Yacanto que aprovechará su valor simbólico para “que habite con nuestro entorno compartiendo un mensaje de cuidar el medio ambiente”, concluye satisfecha su autora.

Querés conocer más sobre la artista: www.espositotamara.wixsite.com/arte

Animarse al bastidor

Animarse al Bastidor

6 consejos útiles

¿Cómo hallar la imagen definitiva? ¿Las formas básicas pueden oficiar de disparadores de una obra? ¿Cómo iniciar una pintura desde lo abstracto? A partir de 6 ejemplos simples, la artista plástica Carolina Filice, te invita a soltar la mano, el pincel y a ejercitar la imaginación.

1

Juego de círculos

Buscá una primera imagen: un corazón, por ejemplo, y trabajá con el bastidor sobre la mesa.
Utilizá los acrílicos Eterna bien diluidos (casi una aguada) para que la forma se vaya abriendo.
Luego podés jugar con algunos círculos y, con una espátula más cargada de pintura (sin diluir), remarcá formas y líneas dentro y fuera de la imagen central.

2

Formas geométricas

Trazá unos cuadrados y rectángulos.
Primero podés marcarlos y luego los podés ir rompiendo: una buena idea es tirar con Gesso acrílico pequeñas pinceladas, lunares, líneas.
Podés combinar pinceladas más contundentes y otras más aguadas.

3

Sobre un fondo

Primero pintá un fondo con una selección de colores que te guste.
Sobre ese fondo, realizá formas con Dimensionales: círculos, triángulos, cuadrados o alguna forma libre.
Después podés cubrir esas zonas con Laca Vitral.

4

Gesso y arena

Sobre un bastidor, generá un fondo texturado mezclando Gesso y arena, espatulá formas abstractas.
Cuando esté completamente seco, las podés pintar con Acrílicos buscando formas.  

5

Paisaje urbano

Es muy divertido, y es un recurso que suele gustar mucho.
Podés empezar jugando con un lindo fondo de cielo y agua para luego pintar con un pincel cuadrado los edificios en la línea del horizonte.

6

A soltar

La consigna es no pensar demasiado, jugar con los trazos sobre un fondo hasta convertirlo en flores y follaje.
Al final se pueden agregar detalles: profundizar los colores claros sobre el resto para generar distintos planos.

el comienzo

love

CAROLINA FILICE

Recientemente fue convocada para realizar, y exponer, una obra en CASA FOA.
La propuesta era trabajar en un formato de 150 x 100 cm teniendo en cuenta la resignificación  y la inclusión de objetos en desuso que volvieran  a cumplir una nueva función.
Love” es el título de la obra que expuso.
“Utilicé Acrílico de Eterna (algunos metalizados), Laca Vitral Borravino y objetos: minas de los lápices de colores de mi hija, corteza de las puntas de los lápices, limaduras de hierro, alambres de cobre”, sostiene.
A partir de su experiencia de uso de los productos Eterna comparte que ama el acabado final del Barniz Mate al Agua: “porque no sólo sella la obra, sino que también le da un acabado exquisito”.

27. Cereza

27. Cereza

LA INTENSIDAD Y EL PODER DE UN ROJO


Melina Tosi
Acrílico Decorativo Premium
sobre Pasta de Piedra

El ROJO CEREZA
es un color caracterizado por el brillo, la saturación y se lo distingue con una mínima carga de negro o marrón.

Signado por la intensidad, lo encontramos en los simbolismos extremos: la lujuria, por ejemplo, o el odio. A este color también se le otorga el poder de atraer o ahuyentar designios: en Corea los nombres de los familiares fallecidos se escribían en los libros o álbumes de recuerdo con tinta roja. Tal es así que, en la actualidad, escribir un nombre con ese color es como desearle la muerte a alguien.  También se utiliza la cintita roja como pulsera a fin de evitar envidias y como signo para preservar la salud. En otras partes del mundo la creencia es tan fuerte que se aplica un retazo de lana roja para aliviar dolores: de esguinces o de garganta, por ejemplo.

Mariela Papeletas
Acrílico Decorativo Premium sobre tapas enteladas

Realizar flores con acrílicos

Realizar flores con acrílicos

Ya nos empezamos a inspirar con las formas de las flores
para recibir la estación que explota de colores;
la paleta es ¡súper generosa!

Desde su Chilecito natal, @valeria.caliva.paintings, una artista que trabaja mucho con composiciones florales en sus obras, comparte su inspiración y su modo.

“No hay manera de que las flores no me gusten: mi mamá se llama Rosa, su jardín está lleno de flores y mi hija de dos años nació en primavera, el 22/9.  Flor que me gusta, flor que le saco una foto y la pinto”.


Después de sacarle una foto, dibujo la flor en un papel.
Al estilo boceto.

Pinto con Acrílico Decorativo Premium y luego trabajo con blanco para darle un toque de iluminación.

Con microfibra -o Acrílico Negro y un pincel liner- le hago el borde (¡siempre me guío con la foto!).

¡Sin miedos si no es exactamente igual! Soy libre, y la pinto a mi manera, como digo: “Flores a lo Caliva”.

Algunos tips

  • Es un diseño que va en cualquier soporte: Para renovar almohadones, manteles, cortinas o bien pintar un cuadro.
  • Cuando tengas la idea en la cabeza, ejercitá trazos sueltos y libres en un papel con lápiz.
  • Al momento de definir la paleta, buscá colores que contrasten entre sí: tonos determinantes y vibrantes que den protagonismo a las flores. Me gustan mucho los acrílicos flúo de la línea.  
  • Una vez que pintes los pétalos, podés darle un efecto de esfumado con esponja o con tus dedos. 
  • Usá un frasco con agua para colores cálidos y otro para colores fríos, para que vayas manteniendo limpios tus pinceles a lo largo de tu proceso creativo. 
  • ¡Inspírate con flores que veas por todos lados! Mirá que en breve, ¡se viene la primavera! 
  • Lo importante es ¡no dejar escapar la inspiración cada vez que lo sentimos! Hay que atesorarla y plasmarla.  ¡Siempre salen cosas increíbles desde una hoja en BLANCO!

Tela en blanco: ¡comienza el juego!

porHerminia Devoto

HOY...

Tela en blanco:
¡comienza el juego!

El arte abstracto surgió a comienzos del siglo XX como renovación de otras expresiones, como el arte figurativo, y responde a búsquedas pictóricas. Pero, para una mejor definición, quiero compartirles mi experiencia con la pintura y esta forma libre de expresarme que tanto me apasiona.

Lo aprendí de mi gran maestro, el  renombrado y premiado artista plástico argentino  Juan Doffo. Él fue quien me incentivó, me alentó a indagar y a experimentar. 

El arte abstracto me apasiona y me da la posibilidad de improvisar y hacer de cada obra una experiencia única con la pintura. Es una búsqueda incesante, es explorar y hacer un viaje interior bailando con mi imaginación. La vivencia es rica y libre. Lo que surge en la obra no son mundos reales, es huir de formas definidas o figurativas.

“Exploración y aventura:
eso es para mí el arte abstracto”.

Viéndolo en perspectiva -y después de tantos años de pintar y pintar- puedo decir que, como en todas las expresiones artísticas, la técnica es fundamental. El arte es un sentimiento. Cuando estoy frente a una tela en blanco surge la adrenalina y el ímpetu creativo. ¡Comienza el juego! El gesto es manchar con los colores agregar, quitar, chorrear.

Para esto, uso los Acrílicos Profesionales que tienen una gama de colores maravillosa y el Gesso Eterna. Uso pinceles, espátulas, trapos y todo elemento que sirva para lograr esa tensión y distensión con el color. Es como una danza permanente entre el caos y el orden.

Hay que ser valiente para dedicarse a practicar el arte abstracto. Por momentos, uno quiere abandonar y de golpe todo cambia. Lo que parecía algo sin sentido adquiere valor y -con satisfacción- podemos decir: la obra está lista.

Para animarse

Aprovechá los recursos que compartió la artista plástica Nora Pareja -profesora del staff Eterna- en Manos a la obra TV para incursionar en el arte abstracto.   

Mirá el proyecto en Nuestro canal de Youtube:

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Orquesta Típica Fernández Fierro

Orquesta Típica FERNÁNDEZ FIERRO

Sonoridad Orgánica

Un proyecto colectivo, independiente y cooperativo donde se comparte mucho más que la pasión por el tango.

Basta con darle play  para entender por qué esta orquesta típica de doce músicos más cantora es conocida como “la aplanadora del tango”. Nacida en 2001, la Fernández Fierro reinterpretó el tango y creó un estilo propio que le permitió trascender la escena estrictamente tanguera e ingresar a escenarios más relacionados con el rock, tanto en Europa y Oceanía como en Latinoamérica.

Pero, también, el grupo se organiza en forma cooperativa: edita sus discos de manera independiente, tiene una radio online y administra su propio club donde además de dar sus potentes shows, recibe a otros exponentes de la escena musical independiente.

“Somos un proyecto de autogestión simbiótico, en el que ninguna de las partes podría sobrevivir sin las otras”, define “El Ministro”, bandoneonista y miembro fundador de la FF en diálogo con Blanco Mag.

 

BM. ¿Cómo evolucionó la identidad de la Fernández Fierro desde su nacimiento en 2001 hasta hoy?

M. En sus comienzos, la Fernández Fierro retomó la posta de la orquesta de Osvaldo Pugliese, intentando seguir su línea estilística y de organización. Luego, con el tiempo, comenzó a desarrollar su propio estilo hasta llegar a tener un repertorio completo de temas propios y versiones propias de artistas contemporáneos.

BM. ¿Cómo se complementa la propuesta artística con el proyecto cooperativo que tienen?

M. En cierta forma, la orquesta es más que un grupo de música: nuestra propia sala -el CAFF, nuestra radio online 24 horas de tango actual –Radiocaff y nuestro festival de tango actual -FACAFF- son parte de un mismo proyecto que se autofinancia, se autodistribuye, autodifunde, etcétera. Básicamente es un proyecto de autogestión simbiótico, en el que ninguna de las partes podría sobrevivir sin las otras.

BM. ¿Cómo son los procesos de creación en la Fernández Fierro?

M. El proceso creativo inicial siempre es un proceso solitario que, una vez que toma una forma esencial, puede seguir desarrollándose de forma grupal, que es lo que hacemos en los ensayos… eso es en cuanto a lo musical. En lo relativo a lo escénico, generalmente lo pensamos y lo diagramamos entre todos desde un punto de vista estético que abarca también lo musical.

BM. ¿Cuáles son las fuentes de inspiración que los motivan a desarrollar una temática y llevarla al escenario?  

M. La orquesta se inspira en la realidad, en la situación actual del ser social, tanto en lo subjetivo como en lo objetivo. Dicho de otra manera, en los conflictos cotidianos y en los metafísicos.

BM. ¿Cómo fue el proceso de gestación de  Ahora y siempre*, su más reciente disco, ganador del premio Gardel 2019 en la categoría Mejor Álbum de Tango Orquestal?

M. En Ahora y siempre continuamos con el aprendizaje que nos dio TICS, el disco anterior, en el que comenzamos a incorporar artistas que contribuyeron en lo técnico y aportaron una visión y una manera de ver las cosas. Poder tener entonces la producción musical a cargo de Tito Fargo nos abrió a continuar recibiendo aportes de enormes artistas en Ahora y siempre: en la ingeniería de sonido Mario Breuer, en la gráfica a Alejandro Ros y en las visuales a Gisela Faure.

Básicamente, nos dimos cuenta de que los caminos de los diferentes artistas son múltiples, que los recorridos y las experiencias pueden complementarse para enriquecer un hecho artístico integral, como es el caso de un disco.

La orquesta

Yuri Venturín – CONTRABAJO / DIRECCIÓN
“El Ministro”– BANDONEÓN
Adrián Osvaldo Ruggiero – BANDONEÓN
Juan Manuel Barrios – BANDONEÓN
Patricio Vázquez – BANDONEÓN
Santiago Bottiroli – PIANO
Natalia Lagos – VOZ
Alex Musatov – VIOLÍN
Juan David Villegas Restrepo – VIOLÍN
Julia Testa – VIOLÍN
Martín Elter – VIOLÍN
Andrés Hojman – VIOLA
Alfredo Zuccarelli – VIOLONCELLO



Disponible en Spotify

EN / CAJA

EN / CAJA

¿Cambia el sentido de lo guardado según su contenedor?
¿Cualquier caja puede guardar un recuerdo tanto como archivar impuestos?
¿Por qué cajonear se utiliza como sinónimo de olvidar cuando muchas veces las cajas protegen o atesoran?
Desencajar, definitivamente no es lo mismo que sacar de una caja.

¿Cuántos mundos caben dentro de una caja?

Con estas preguntas como disparadores creativos y varias cajas para reciclar, intervenir o transformar, dimos curso a la #InspiraciónEterna a partir de una serie de textos poéticos.
El resultado y el proceso lo compartimos en esta sección.

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PARA ATESORAR

especial, con forma interior
para hacer crecer una plantita.

EN LA OTRA VEREDA
Sin renegar de los lugares
las personas, las postales…
algunos pensamientos lucen
mejor en macetas de madera.

Barniz al Agua Natural, Tonalizador Celeste Bahía, Adhesivo y Barniz para decoupage flexible.

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PARA ESCONDER

simple, de fibrofácil
para cartas antiguas.

Cuando un sentir
no enCAJA en la razón,
una de dos:
se construye un caparazón,
o se expande el corazón.

Base para Artesanos, Pintura Mate Chalk Paint: 22. Rubí, Dimensional cristal, Laca Vitral: 00. Incoloro, 29. Magenta, 10. Amarillo Limón.

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PARA DECORAR

caja mini de madera,
ideal para lucir vacía en la biblioteca.

Por lo que
hubo,

No hay.

Esmalte Acrílico al agua 01. Blanco de Titanio; Acrílico Decorativo Premium 07. Arcilla, 93. Gris Perla, 121. Blanco Perlado; Pintura Mate Chalk Paint 02. Marfil, 07. Piedra.

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PARA GUARDAR

particularmente grande,
ideal para herramientas artísticas.

Amanecí
escupiendo
plumas…

Otra vez el
Ave Fénix.

Pintura Mate Chalk Paint Cobre, Cera CKP.

Arts and Crafts

Arts and Crafts:
El comienzo del “Hágalo usted mismo”

Es un movimiento de fines del siglo XIX que significó una vuelta a las artes y oficios medievales como respuesta a la producción industrial en masa. Atravesó el diseño, la decoración, la arquitectura y las artes. Sus principios se mantienen hasta hoy.

Algo de la necesidad humana de dejar un aporte único para el futuro, de satisfacer el impulso de crear, está en el corazón del movimiento Arts and Crafts. Y por eso mismo, aunque nació en las tres últimas décadas del siglo XIX en Inglaterra, su espíritu circula hasta hoy por todo el mundo.

En principio, el Arts and Crafts se expresó en la arquitectura, en donde se creía que una obra debía ser “sincera”, exhibir sus entrañas si en ellas se veía la belleza: el hierro forjado o ladrillos hechos a mano, por dar algunos ejemplos. Esta misma regla se extendió a otras disciplinas relacionadas con la estética, como el diseño.

El escritor inglés Philips Wilkinson explica el espíritu al momento de la aparición de esta corriente: “La arquitectura industrial, en opinión de muchos arquitectos, era fea e inhumana y los estilos pasados a estas alturas resultaban más pretenciosos que prácticos. En lugar de mantener estos enfoques, ¿por qué no volver al modo en que los humildes constructores rurales trabajaron en el pasado?

Sus principales exponentes -el más reconocido fue William Morris- eran profesionales que se oponían a los productos realizados por máquinas, que daban como resultado objetos sin diferenciación entre sí. El Arts and Crafts fue, por lo tanto, una rebelión contra la existencia de “un” estilo, aunque sí puede decirse que, con los años, surgió una estética que lo define e identifica en la arquitectura: estructuras asimétricas largas y bajas, tejados amplios, ventanales salientes y, en el interior, pisos entarimados, paredes claras, chimeneas grandes y detalles artesanales como los pestillos de las puertas o los revestimientos de madera. La asimetría responde a un deseo de dejar que el mejor plano, el más conveniente, dictase la forma del edificio y el acabado artesanal.

La fidelidad y el respeto absoluto por los materiales es uno de los rasgos característicos del movimiento: madera, ladrillo, metal y piedra se seleccionaban con dedicación y se priorizaban aquellos de procedencia local.

“No tengan nada en sus casas que no sepan que es útil o no crean que es bello”
William Morris

La influencia del arts and crafts llega hasta hoy en sus diferentes interpretaciones. Su gusto por lo orgánico fue tomado por el art decó y el art nouveau, los que también eran un intento por borrar las jerarquías dentro de las expresiones artísticas. Pero sobre todo es esa idea de que el hombre es capaz de crear cosas bellas, útiles y únicas la que prevalece hasta hoy en conceptos muy familiares dentro del arte decorativo actual como el “Do It Yourself (DIY)” o “Hágalo Usted Mismo” en español. 

#InspiraciónEterna

Estéticas con dejos de Arts & Crafts