Miniesculturas como tutores

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Miniesculturas como tutores

Esta propuesta para decorar tus macetas o poner en el jardín es tan simple como creativa y llena de colores.

Listado de Materiales

Laca Vitral: 23. Rojo Fuego, 59. Púrpura.
Dimensional color: 105. Oro rico.

Herramientas & Otros materiales:

Pistola de silicona, vara cilíndrica de madera, palitos de brochette. Alambre galvanizado de 1 mm (una opción más maleable es utilizar alambre de aluminio anodizado).

1. Moldear la figura.

La propuesta es generar con el alambre formas simples que contengan “huecos” a los cuales luego le aportarás color. Con la práctica, podés complejizar tus miniesculturas de alambre.

Reciclado
Siempre hay alambre en el galponcito: te conviene empezar con uno que resulte maleable (probá antes que no se corte al trabajarlo con la pinza).

1- Marisol eligió un color de Dimensional bien llamativo para el alambre –Oro Rico– y con él repasó toda la figura.

2- Con la pinza doblás el alambre y, a mano, acomodás la forma.

3- Enrrollá un extremo del alambre en la vara de madera para terminar la estructura de tutor.

2. SUMAR COLOR.

El objetivo de este paso es que puedas generar contrastes entre el alambre –que conforma algo así como un contorno de tu figura– y los huecos.

Juego de variaciones
A medida vayas adquiriendo práctica, podés elegir combinaciones: alambre pintado, sin pintar, huecos 100% rellenos o rellenos a medias.

1- Marisol eligió un color de Dimensional bien llamativo para el alambre –Oro Rico– y con él repasó toda la figura.

2- Una vez seco el dimensional color, rellená huecos de tu figura con la pistola de silicona.

3- Embebé un palito brochette con laca vitral, directo desde el frasco, y apoyá en algunas zonas.

4- La laca vitral combina muy bien con la transparencia de la silicona porque deja pasar la luz impregnada de color.

5. Probá distintas formas y combinaciones en tus tutores.

Marisol Gaetano

Escultora, se especializa en la creación e intervención de objetos. También brinda talleres, especialmente para niños y niñas.

Pintar un mural en casa

Pintar un mural
en casa

Renata Würschmidt, una artista que ama intervenir objetos y paredes con estilo propio lleno de colores vibrantes, comparte sus mejores prácticas y consejos a la hora de realizar un mural en casa. Para que te animes a lo grande.

1. Paleta de colores

Para mí es lo más importante y puede depender de varias cosas, por ejemplo, del diseño.
Los ambientes ayudan a definir colores, no es lo mismo hacer un muro de una cocina que hacer el de un dormitorio de bebé.
Si no hay una idea previa de qué figura o diseño tendrá el mural, definir la paleta de colores puede ayudar a orientarlo, porque luego la composición será más agradable a los ojos.

TIP: Si les da miedo e incertidumbre elegir una paleta, los neutros (como grises, blancos, tostados) siempre son una buena opción; no hay chance de fallar. Más allá de la selección, aconsejo siempre complementar con blanco y negro para tener opción a trabajar tonalidades.

2. Boceto

Particularmente no trabajo con bocetos previos y voy directamente a la pared a hacer la composición, pero se debe a que para mí lo más importante son los colores y no las formas (las voy buscando a partir de los colores y en función de los contrastes que necesite hacer). Como sé que esto puede ser difícil, recomiendo hacer un boceto a escala (un modo simple es hacerlo es con una cuadrícula para ayudarnos a delimitar cada elemento en cada uno de los espacios).

TIP: En un boceto, además, es más fácil definir y corregir la superposición y composición de los colores hasta encontrar la armonía visual.

3. Preparación de la pared

A veces se cree que la pared necesita tratamientos previos, pero se puede directamente comenzar a pintar sin necesidad de darle un color uniforme, porque claramente va a ser pintada con el mural. Salvo en los casos en los que haya humedad o descascarado, que ameritan solución previa.

TIP: Si necesitás cubrir algunas zonas y delimitar, recomiendo la cinta de enmascarar azul (pega menos y descascara menos la pared).

¡Sumen arte y colores a sus casas!

¡Los colores sanan y nos dan alegría!

4. Materiales

Bandejas plásticas o telgopor, latas o vasos con agua. Pinceletas de varios tamaños (los chatos son los más cómodos), recomiendo tener por lo menos un pincel por color a utilizar otros para detalles. Cubrir el piso con papeles o plásticos y usar ropa ¡apta para ser manchada!

TIP: Cada pote de 250 cc de pintura cubre aproximadamente 4 m². Esto sirve de referencia para la cantidad de pintura que vas a necesitar.

5. Manos a la obra

Ahora que ya está todo listo para avanzar, tené a mano estos consejos:

Trasladá el boceto a la pared con la tiza clara o lápiz (me gusta la tiza porque con un trapito húmedo es fácil corregir), usala suavemente. Dependiendo de la paleta elegida, es preferible usar primero los tonos que cubren menos y después los que cubren más. Cuando los colores se mezclan con blanco (pasteles) cubren más: el blanco es bastante cubritivo.

Trabajá la pintura con una consistencia media: ni muy espesa ni muy líquida, y aplicá capas finitas (es mejor hacer varias a querer cubrir todo de una vez).

El clima y la humedad van a influir mucho en el tiempo de secado de la pintura; siempre asegurate de que la capa esté bien seca antes de aplicar otra para no barrer el color que está debajo.

Mucha gente que alquila no se anima a pintar murales en la casa. Siempre les digo ¡háganlo! Después es posible pintar con color liso la pared o hablar con el dueño (a quien quizás le encante y quiera preservarlo). ¡¡¡Mucha suerte!!!

@renatawur

Mendoza- Argentina

@pablo_takahashi

Creatividad del hobby al oficio

@pablo_takahashi

“Soy Pablo Takahashi, vivo en Mar del Plata. Estudié diseño gráfico en la UBA. Desde chico me gusta dibujar. Lo que siempre quise ser es artista plástico”.

EMPRENDEDOR:
Pablo Takahashi,
pintor de tablas de surf (y otros)

"El amor al arte, la perseverancia y la confianza en uno mismo son la clave. "

Cómo comenzó

Cuando estudiaba, pintaba remeras aerografiadas con un amigo para un fabricante. Al mismo tiempo, empecé a pintar algunos murales y hacía artesanías. Esto me llevó a viajar hacia el norte a venderlas en la calle y así llegué a La Paz, Bolivia. El destino me conectó con la distribuidora artística más grande del país y, en ese lugar, me dediqué a asesorar y vender equipamiento para aerografía, pinceles, pinturas, así como a dar clases a arquitectos y estudiantes de diseño.
Como gané un concurso de ilustración para Unicef, conseguí mucho trabajo pintando murales para agencias de cooperación internacional y decorando locales.
Cuando regresé a la Argentina, pusimos con amigos una agencia de publicidad y marketing.
Cuento todo esto porque hago surf desde los trece años y, cuando encargaba mis tablas, llevaba mi dibujo (de alguna revista importada) para que lo pinten, pero al final nunca salía conforme. Me propuse pintar tablas de surf y hacer realidad las pinturas que los chicos proponían.
Hace once años que pintó tablas de surf en Birdband, fábrica a la cual también le diseño los logos casi desde su comienzo (también en otras de Mar del Plata). La felicidad que tienen los niños y los clientes cuando reciben su tabla no tiene precio.

UN CONSEJO

Les cuento esta historia a aquellos que quieran vivir de la pintura en cualquiera de sus estilos: lo importante es perseverar, perseguir tus sueños, animarse a hacer de todo y no darse por vencido. A veces no es tanto por el dinero que podés ganar, sino por la felicidad que podés brindar y brindarte al pintar un cartel, una remera o una artesanía.

De la línea de pinturas Eterna para pintar tablas de surf uso acrílicos decorativos con sus diluyentes, medium para pouring, barnices, y ahora la nueva línea Custom Colors para aerografía : a mi entender, tienen un nivel internacional.

El aerógrafo:

El Aerógrafo:

del desprecio al merecido reconocimiento

Te contamos los motivos que hicieron popular esta herramienta entre académicos y amateurs, cómo nació y su aporte al Pop Art y al Hiperrealismo.

Hace más de un siglo, apareció en el mercado una herramienta que necesitó romper algunos prejuicios para volverse popular: el aerógrafo. Sin embargo, la técnica de aspersión de pintura propulsada por aire tiene mucho más tiempo sobre la Tierra que el objeto que hoy la hace posible. En efecto, la aerografía se remonta a unos 35.000 años, por lo menos, de acuerdo a los estudios hechos sobre las rocas de las cuevas de Lascaux (Dordoña, Francia), en donde se encontraron unas manos dibujadas mediante pigmentos expulsados por un tubo.

Existen diferentes versiones sobre quién fue el creador del aerógrafo. Algunos se lo atribuyen al estadounidense Abner Peeler, en 1878, mientras que otras fuentes creen que fue inventado por el acuarelista Charles Burdick en 1893.

Peeler –quien además es el inventor de la máquina de escribir– desarrolló en su momento una pieza a la cual llamó “distribuidor de pintura”, con un compresor que se accionaba a pedal. Mientras que la que se le atribuye a Burdick es similar a la que utilizamos en estos días. En cualquier caso, no fue hasta la década del 60 que su uso se extendió al arte.

Hasta ese entonces, el aerógrafo era considerado un instrumento “menor” como para ser incluido en el catálogo de las Bellas Artes, por lo que su utilización quedó limitada al campo de la publicidad, el retoque de fotografías y la ilustración. No obstante, la explosión del Pop Art, de la mano de Andy Warhol, le dio a esta herramienta otro impulso y lugar.

Lo cierto es que su mecanismo le da una serie de virtudes muy valoradas por los artistas. Es una pequeña pistola, con la precisión de un bolígrafo, conectada por una manguera a un compresor que le da la fuerza para expulsar chorros aireados de pintura. Mediante un pulsador, es posible controlar la presión del aire, la consistencia o densidad de la pintura.

Luego de que el Pop Art lo instalara en el mercado artístico, en los 70 creció otro movimiento que le dio más protagonismo al aerógrafo: el hiperrealismo.

Esta corriente artística encontró en la aerografía un medio para lograr imágenes con detalles perfectamente logrados. Ya en los 80, el aerógrafo fue completamente aceptado en las Bellas Artes y su difusión no conoce límites. Hoy es ampliamente utilizado para el arte callejero y se aplica en una infinidad de objetos que van desde cuadros hasta tablas de surf.

+ AEROGRAFÍA

GUÍA INICIAL DE AEROGRAFÍA

TRES TALLERES DE AEROGRAFÍA

Mariposas en la panza

Mariposas en la panza

Luciana Carullo

Su cara ya es familiar entre la comunidad del arte decorativo. Con calidez, alegría y mucha energía, Luciana Carullo conduce desde mayo el ciclo Vivos Eterna desde Instagram. La invitamos a charlar fuera de cámara para conocer cómo forjó su vínculo con el arte y cómo conduce esas “mariposas en la panza” que siente al iniciar un proyecto.

¿Quién es Luciana Carullo?
Hace unos años hice un entrenamiento en liderazgo personal y -justamente– una etapa del taller consistía en poder definirnos a través de ejercicios de introspección (proceso muy arduo). El resultado fue descubrir que “soy una mujer exitosa, creativa y solidaria”, y siento que esas tres palabras me abarcan y definen. El adjetivo de “exitosa” me costó aceptarlo, pero después entendí que no se refería al “exitismo”, sino a la capacidad de afrontar desafíos poniendo siempre lo mejor de mí, más allá de los resultados.
Me considero artista creativa, en varios aspectos: soy actriz, trabajé en televisión varios años. Soy curiosa y una incansable hacedora: reciclo muebles, hago murales, pinto, diseño y modero el ciclo. Me gusta compartir alegría, tanto con mi arte, como en el contacto con los demás. Disfruto de alentar a las personas a sacar lo mejor de sí a través de la herramienta que sea.

¿Cuándo incursionaste en el arte decorativo?
Cuando dejé la tele, de a poco fui conectando con el arte y la pintura que, si bien lo hacía como hobby, no lo desarrollaba como medio de vida. Mucho me inspiró, aprendí y aprendo de mi mamá, Mónica Godfroit, que hace 30 años que se dedica a la pintura decorativa.

¿Cómo es tu taller? ¿Qué no puede faltar en él?
Es chiquito, cálido y muy luminoso. Todos los muebles que hay los reciclé yo con mucho amor y ¡color! Es mi pequeño lugar en el mundo.
No pueden faltar el termo y el mate (obvio) ni linda música. Van desfilando muebles, cuadros de bicicletas… Y guardo “cosas y cositas” que siempre me pueden servir para algo.

¿Tenés una rutina de trabajo?
La verdad es que me cuesta bastante tener una rutina. Todo va dependiendo de los trabajos que tengo.

¿Cómo surge la inspiración?
Por lo general, de noche, a veces me duermo pensando en cosas que quiero hacer. Me inspira mucho el observar a mi alrededor las cosas que me sorprenden: la naturaleza, una canción, una buena película, la gente, las videollamadas con mi sobrina más chica en donde jugamos, dibujamos y nos contamos historias. La vida en sí es de constante inspiración.

"Siento que la clave siempre es dejar fluir.
Por lo general, no me gusta preparar bocetos porque creo que eso me condiciona para lo que me puede surgir cuando estoy interviniendo, sea un objeto o una pared en un mural."

"El desafío y las cosquillas en la panza que me da enfrentarme al trabajo que voy a encarar hacen que empiecen a surgir los trazos sin pensarlo.
Me dejo llevar, eso es lo que más disfruto."

¿Qué es lo que más disfrutás del quehacer artístico?
Todo. Primero, la incertidumbre: empezar un proyecto me genera una sensación de mariposas en la panza. Probar con diferentes materiales. Prepararme mi matecito, poner música y arrancar a hacer. También tengo momentos en que me bloqueo, o algo no sale como espero y ahí empiezo a lidiar con mis inseguridades. Después me río de mí misma y lo puedo aceptar como parte del proceso. Por lo general, en esos momentos me viene bien cambiar de actividad, hacer algo de zentangle o dibujo intuitivo, y después volver.

¿Cuál es el mayor atractivo de trabajar con muebles u objetos en desuso?
Es un desafío que me encanta. Es como ver más allá. Enseguida descubro el potencial que tiene ese objeto. Creo que lo heredé un poco de mi papá: es el arregla tutti de la familia y siempre con mucho ingenio. Más de una vez, él me ayuda con los muebles.
También me gusta pensar en la historia que tiene ese objeto y sentir que le estoy dando otra oportunidad de brillar. Cuando lijo muebles, por ejemplo, me encanta ir pasando la mano y sentir la madera, es cómo despojarlo de viejas capas y que surja su esencia.

¿Cómo te sentís en el rol de moderadora de los vivos de Eterna?
Cuando surgió la propuesta, acepté sin pensarlo. Para mí es fundamental trabajar con personas que siempre tienen ganas de crecer, y en equipos donde los valores humanos son importantes. Además, me permite estar en contacto con la gente, algo que disfruto mucho. Siento que quizás puedo aportar alegría, acompañar a alguien que está del otro lado mirando y capaz no la está pasando bien.
Aprendo muchísimo de cada una de las profes y artistas que participan, como también acerca de los materiales. Es un nutrirme permanentemente, y estoy muy agradecida por eso.

Vivos Eterna

“Es un espacio maravilloso, que aporta tanto a quienes lo ven, porque pueden aprender y ponerlo en práctica para sus emprendimientos o por placer, como a quienes dan la clase porque tienen el desafío permanente de buscar nuevas propuestas. Cocreando pueden surgir muchas cosas buenas”.

“El entrenamiento de teatro siempre me nutre un montón. Hay un proceso lúdico muy interesante que dispara mi creatividad a pleno, y eso lo traslado a otros ámbitos”.

Seguí a Pinturas Eterna en su Instagram @pinturaseterna para conocer la agenda de encuentros.

Espátula o pincel:

Espátula o pincel:

¿cómo se aplica el Hierro Micáceo?

El Hierro Micáceo Eterna es una pasta formulada con resinas acrílicas puras de alta viscosidad. Es ideal para crear un efecto símil hierro, de color gris profundo con reflejos de mica, en objetos de interior y exterior.

Su adherencia permite utilizarlo tanto sobre superficies porosas como no porosas: madera, yeso, bizcocho cerámico, cartón, telgopor, vidrio, metales, telas, etc. que, en ningún caso, requieren preparación previa.

Si ya lo probaste, habrás notado su consistencia y flexibilidad, que dan como resultado terminaciones de gran volumen, libres de grietas, muy resistentes al uso exterior y a la limpieza.

Ahora bien, una de las dudas más frecuentes es: ¿en qué casos conviene aplicarlo con espátula y en cuáles con pincel?

Así de simple lo explica Gabriela Orio, profesora del staff Eterna: “En aquellos trabajos en los que se busca volumen, es recomendable aplicar con espátula. Por el contrario, cuando la intención es solamente imitar la textura de una chapa es preferible usar pincel”.

Dado su conocimiento y práctica, Gabriela sugiere humedecer el pincel antes de pintar con Hierro Micáceo para lograr más fluidez y volverlo a humectar cuando este no corra fácilmente. “También suelo darle al soporte una mano previa de Base Acrílica o Acrílico Decorativo Negro. Si bien no es imprescindible, ayuda a cubrir con una sola mano del Hierro Micáceo”, complementa.

“Me gusta el acabado con mica y el ligero brillo del Hierro Micáceo porque se logra la misma terminación que con los esmaltes sintéticos para obra”.

Gabriela Orio
Profesora de staff Eterna.

Gabriela aplicó con espátula Hierro Micáceo en la tapa de este farol de fibrofácil. Las paredes y la base las pintó primero con Base Acrílica Negra y luego pinceló el hierro. Para los detalles de óxido, agregó Cuarzo Grueso.

Descargá el Coleccionable de Texturas para conocer más sobre esta línea lanzada por Pinturas Eterna a fines de 2019.

Ponelo en práctica con este proyecto de Gabi Orio.

Ampliá la info
en Blanco Mag.

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

Realizar efectos con pintura acuarelada

Realizar efectos
con pintura acuarelada

La dilución en agua de una pintura cambia sustancialmente la intensidad de su color. Pero, si sus pigmentos son nobles y de buena calidad (y los nuestros realmente lo son), el punto acuarelado de 50% pintura y 50% agua será factible sin que el color pierda pregnancia e identidad, aunque esté más claro… ¿Por qué hablar de los acuarelados? Porque cuando trabajás con una mezcla con esta abundancia de agua se abre un abanico interesante para realizar efectos con elementos caseros.

Te compartimos algunos que desarrolló Silvia Botta —a partir de su afinidad con las intervenciones textiles—. Sin embargo, podés ponerlos en práctica más allá de las telas: en bastidor, madera, papel… y con variedad de pinturas como Acrílico Decorativo, Profesional, Pintura para Tela, Pintura para Sublimación.

Te contamos

En los tres casos que Silvia comparte, es súper, híper necesario utilizar el recurso apenas pincelás con la pintura acuosa, porque el agua es lo que pone en acción el efecto.

Granos de sal gruesa

Esparcí granos de sal sobre una zona recién pincelada. Podés elegir una zona de color o hacerlo más azaroso. Los granos absorberán el agua, pero dejarán concentraciones de pigmento.

Jabón en polvo

Es una variante del recurso anterior, pero permite obtener un grado mucho más fino de detalle y, de este modo, trabajar zonas de pequeñísimos puntos.

Almíbar

Aplicá sobre la pintura acuarelada una gota o “coma” de almíbar(*) con un pincel. Su consistencia —más densa que el agua— empujará la pintura, generando aureolas.

(*) Agua + azúcar en partes iguales, las calentás a baño María hasta que toma consistencia de jarabe.

¡ATENTI con los días húmedos!

Una vez que se pone en marcha el recurso, es necesario que seque lo antes posible para que el efecto que produce en la pintura no pierda nitidez.

43. Lavanda

43. Lavanda

Calma

Desde un lila tan claro que se asemeja al blanco, hasta un violeta tan intenso que según con qué contraste puede parecer azul, en toda esa gama de intensidades se expresa la flor de la lavanda que se vuelve intensa en la multitud de un sembradío. La planta se asocia a la sensación de calma, relax y buen descanso; quizás no sea casual que las tonalidades de este color sean tendencia desde 2020 en la decoración, el interiorismo y la ambientación de espacios.

Muchas veces se menciona con el nombre de la planta al color característico y sutil propio de la flor. Pero ¿cuántos colores encierra esta planta que, además, se manifiesta de maneras distintas según la variante de su familia?

Te contamos algunos de los que están presentes en la paleta Eterna y sus diferentes líneas

40. Lila bebé

42. Lirio

43. Lavanda

59. Púrpura

40. Lila

41. Malva

46. Sky

48. Mediterráneo

Del latín “lavare” (lavar), la planta se agregaba al agua del baño para conciliar mejor el sueño.

El descanso visual. Para acompañar una composición de tonos calmos o para producir un corte que funcione como recreo, los extremos del “lavanda” hacen lo suyo.

Por ello, dispusimos sobre dos fondos de distinta intensidad estas ruedas de bici como objetos decorativos.
Cada una intervenida con Chalk Paint: 41. Malva y 48. Mediterráneo + la mezcla de ambos.

Aerografía: GUÍA INICIAL

Aerografía:

GUÍA INICIAL

¿Debo tener aerógrafo para empezar?,
¿se requieren pinturas especiales?,
¿a qué aplico este arte?

Un arte de alto impacto, versatilidad y realismo como la aerografía despierta mucho interés entre quienes se maravillan con los detalles bien logrados, la sutileza de los degradados y el brillo extremo de las iluminaciones. Su aplicación casi no tiene límites, y eso la hace más atractiva aún: desde el papel, los textiles, la madera, las chapas, el vidrio, los plásticos, señuelos de pesca, maquetas e impresiones 3D, hasta la decoración de tortas e, incluso, sobre la piel. La mayoría de las personas vinculadas al arte decorativo se fascinan con la agilidad que propone el uso de la herramienta que la define: el aerógrafo, algo similar a una pistola que dosifica la expulsión de la pintura. Sin embargo, su uso y familiarización también son el tabú a superar.

Para despejar todas esas dudas de principiante sobre el tema, convocamos a Carolina Fontana, Licenciada en gestión del arte y la cultura, docente y artista en dos disciplinas (en apariencia, desconectadas entre sí): maquillaje y aerografía. Su arte de base fue el maquillaje y, gracias a su gusto por el bodypainting, descubrió la aerografía. Desde su experiencia, comparte.

¿Cuáles son las dudas o consultas frecuentes en quienes dan sus primeros pasos en la aerografía?
¿Qué les recomendarías?

Una de las dudas iniciales se refiere a la elección del equipo y las herramientas, ya que hay muchas opciones en el mercado. Un aspecto a tener en cuenta a la hora de elegir es la exigencia del trabajo, es decir, para qué se van a utilizar, por cuánto tiempo, la extensión de la superficie que usualmente se va pintar, la densidad de la pintura con la que se va a trabajar… Esto permite describir la herramienta y el equipo que se necesita.

Otra de mis recomendaciones es practicar mucho, sobre todo los ejercicios básicos para aprender y perfeccionar la técnica, practicar esfumados y diferentes trazos… esto va a ayudar para todos los diseños que tengamos que hacer después. En la aerografía, “como en cualquier otra actividad”, lleva un tiempo internalizar y asimilar los movimientos en nuestra motricidad, hay que tener paciencia y seguir practicando para lograr lo que cada quien se propone.

¿Hay distintos tipos de aerógrafos?
¿Qué otras herramientas se usan?

La mayoría de los talleres que enseñan aerografía lo proveen para quienes inician, aunque el aerógrafo es a la aerografía como el pincel a la pintura tradicional. Es el encargado de distribuir la pintura sobre la superficie; esta se expulsa por la fuerza del aire que provee un compresor. Existen varios tipos de aerógrafos, aunque se pueden clasificar en dos grandes categorías: según el control del flujo del aire –pintura y aire pueden salir a la vez o de manera diferenciada– o por la posición del suministro de la pintura –dónde se carga la pintura y de qué manera la toma el aerógrafo–.

Esta última clasificación permite, con la práctica, utilizarlos según determinados fines: los de succión para grandes superficies y los de gravedad para pequeñas, porque tienen una copa o depósito pequeño.

Otros accesorios –que si bien no son esenciales para realizar la actividad, ayudan y brindan practicidad– son el filtro de agua, el acople rápido, el regulador del aerógrafo y los adaptadores. También tener una pistola de aerografía para realizar fondos más grandes y uniformes o para utilizar el finalizado de los trabajos como el barnizado o laqueado.

¿Cuál es la diferencia entre la pintura Custom Art para aerografía Soft y Hard?

La línea Soft para aerografía es una pintura ideal para superficies con capacidad de absorción y flexibles: el textil, por ejemplo. Es una pintura muy cubritiva, de gran pigmentación y fluidez para realizar trazos variados; no requiere dilución alguna. A diferencia de la línea Hard que, si bien se podría utilizar en tela, aporta cierta rigidez. Todo depende de cual sea nuestro objetivo de trabajo. Las pinturas Hard sirven para intervenir semirrígidos, como el cartón, el papel, la madera, el fibrofácil, ecocueros, cuerinas, bastidores, tela o lienzos, plásticos, resina, vidrio, chapa zinc o galvanizada. Esta línea sí necesita un poco de dilución –se pueden sumar unas gotitas de reductor y de agua–. Muchas de estas superficies (el plástico, la chapa o acetato) necesitan una base de un algún adherente para generar mordiente.

¿También se pueden usar otras como Pintura para Tela, Acrílicos o Esmaltes acrílicos? ¿Qué recomendás?

Sí, se pueden utilizar otras pinturas que permitan la dilución al punto leche (aproximadamente, 80 % de pintura y 20 % de agua) y que pasen sin problema por el aerógrafo. Para bodypainting, en cambio, se utiliza un maquillaje líquido apto para el aerógrafo y la pintura debe ser hipoalergénica para pintar sobre la piel. Inicialmente, cuando no contábamos con la línea Custom Art para aerografía de Eterna, utilizábamos las pinturas para tela diluidas. Incluso se pueden usar bases a pincel con estas, y luego realizar aerografía encima o para trabajar con técnicas mixtas. Una cuestión a tener en cuenta es cuáles se pueden superponer, por ejemplo: si se utilizan Esmaltes Acrílicos o la línea Hard de Custom Art, y arriba se quiere usar otra pintura al agua puede repelerla. Muchas veces, cuando combinamos el aerógrafo con pincel o esponjas, la parte manual suele generar una textura o límites muy rígidos que se evidencia mucho más aún con la capa de aerografía, y es difícil de suavizar.

¿Qué hacer si se traba la salida de la pintura en el aerógrafo?

Una de las dificultades frecuentes de familiarizarse con el manejo del aerógrafo es que se trabe la pintura. Para esto recomiendo tener un buen mantenimiento de la limpieza del aerógrafo y una adecuada dilución de la pintura: al punto tipo leche. En el caso de que igual suceda, podemos vaciar el depósito de la pintura y limpiarlo hasta que salga todo el resto de pintura. Para esto se utiliza agua o algún limpiador. La línea Eterna cuenta con dos: hidro-limpieza y limpia aerógrafos. Si el problema persiste, podemos revisar si en la boquilla o en la punta de la aguja hay residuos de pintura obstruyendo y los limpiamos con un pincel o escobilla. En el caso de que esta no sea la causa, la solución es desarmar la pieza del frente del aerógrafo: la boquilla y el tip para limpiarlos.

“Una de las cosas que más atrae de la aerografía es la posibilidad de obtener efectos muy realistas: sobre todo para representar el fuego, los rayos, el humo, los retratos.”.

Carolina Fontana

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

Paleta de pintor: más que una herramienta

Paleta de pintor:
más que una herramienta

Símbolo del arte, a lo largo del tiempo cambió en su materialidad, pero conserva su enorme uso.

Henri Matisse

Pablo Picasso

Edgard Degas

Vasily Kandinsky

Francis Bacon

Vincent Van Gogh

La paleta, ese objeto de madera en el que los pintores preparan el material para darle forma a sus obras, se utiliza a menudo como símbolo universal del arte. Si quisiéramos disfrazarnos de artistas, lo más probable es que recurramos a una boina, un delantal lleno de colores y una paleta con forma de riñón.

Sin embargo, esta no es la única posibilidad. Hoy también se usan planchas de metal o vidrio, bandejas de plástico desechables y cuencos apoyados sobre una mesa, aunque los más tradicionales prefieren continuar con la paleta de madera de nogal rectangular o arriñonada por su gran utilidad. El material puede variar según la preferencia del dueño, siempre y cuando no sea poroso.

Por ejemplo, en la Antigüedad, los pintores empleaban conchas o tazas donde se ponían los colores ya preparados. Luego este objeto evolucionó hacia una paleta de madera de medidas reducidas con un pequeño orificio en donde se calza el dedo pulgar para que la mayor superficie descanse en el antebrazo. A propósito de esto, para elegir la paleta más adecuada hay que tener en cuenta el ángulo de bisel del agujero (el corte oblicuo en el borde de una superficie) porque la mayoría de las paletas en el mercado se adaptan mejor a personas diestras.

Con la misma mano que sostiene la paleta se pueden sujetar los pinceles, en un entrante de su silueta. Algunas, incluso, incluyen pequeños contenedores para el aceite de linaza y el aguarrás, necesarios en la pintura con óleo. Tanto con este recurso como con el acrílico, los colores se disponen a lo largo de sus bordes mientras que las mezclas cromáticas se realizan en los cuadrantes internos.

Las paletas son tan importantes en la identidad de quienes pintan que se las considera una especie de retrato indirecto de su propietario: muestran los tonos empleados y los aspectos de las manchas.

En el orden práctico hay múltiples objetos que se utilizan como paletas, y muchas veces su material depende de la pintura y el objeto a intervenir.

Cecilia Aguayo

Gabriela Mercante

Adriana Chacón

Unidos por la aerografía

Unidos por
la aerografía

Tres artistas de diferentes perfiles comparten su llegada y tránsito por este arte actual que genera obras de realismo extremo y atrae especialmente a ilustradores y fileteadores. Con la reciente incorporación de Custom Art de Eterna –una línea de pinturas especialmente desarrollada para esta práctica– quienes aman la aerografía nos abren las puertas a sus espacios creativos. Les damos la bienvenida a nuestra comunidad de #inspiraciónEterna.

CÉSAR Pachu FERRARI

Ilustrador y aerografista freelance.

Lomas de Zamora, Bs.As.

COMIENZOS:

Había terminado un taller de dibujo y pintura en el Instituto Mitre (Avellaneda) cuando hice mi primer curso de aerografía que duró 6 meses. Fue a finales de los años 90, enseñaban esta técnica, pero más basada en la ilustración. Quedé fascinado por el efecto realista que se podía lograr pintando con aerógrafo, una herramienta muy poco conocida para ese entonces.

LO PROPIO:

Tengo un estilo figurativo basado en el retrato y las caricaturas; pero son muchas las posibilidades al poder pintar sobre todo tipo de soportes: murales, remeras, esculturas, etcétera. Trato de no hacer siempre lo mismo así que voy probando distintas superficies y –de acuerdo a ellas– busco diseñar, ya sea para un proyecto personal o para un cliente.

CUSTOM ART:

Tener pinturas para aerografía en la Argentina es una bendición, era un insumo muy difícil de conseguir, y es vital para el desarrollo de este arte. Muchas veces teníamos que recurrir a pinturas importadas (difíciles de conseguir y a precios exorbitantes). Antes usaba las Pinturas para Tela de Eterna que iban muy bien, solo que tenía que diluirlas con agua, pero en ello los colores perdían bastante fuerza. En esta nueva línea, ya no necesito hacerlo, la concentración del pigmento es mucho mayor y sus acabados son más intensos.

LUCAS MORALES

Fileteador, aerografista e ilustrador.

San Justo, La Matanza, Bs.As.

COMIENZOS:

Me interesé de adolescente, cuando vi una revista de autos tunning que tenían diseños de calaveras y fuego, me encantaron. Años después, en 2010, caminando por Ciudadela encontré el taller de aerografía de José Gatica, y ese fue mi comienzo en este arte.

LO PROPIO:

Fue cambiando con los años. Me gustaba mucho pintar calaveras y diseños oscuros, actualmente me inclino más hacia lo caricaturesco, ya sea de personajes o de autos. Me gusta pintar personajes retro y estilo cartoon de súper héroes. Hoy también pinto dibujos y diseños que son propios. Mi taller está en mi casa, a veces voy cambiando hacia el lugar de la casa con más luz o por el gusto de cambiar. En el año 2020 ya tenía todo listo para comenzar a dar clases en un centro cultural de mi localidad, pero por la pandemia no se pudo dar; es un objetivo para más adelante.

CUSTOM ART:

Está buenísimo contar con una pintura de este nivel: son excelentes, fluyen muy bien y tienen una gran variedad de colores. Lo mejor es que ya no tengo que diluir otro tipo de pinturas para poder hacer aerografía.

PUPY SOTELO

Artista, aerografista.

Villa Ballester, Bs.As.

COMIENZOS:

Comencé con la aerografía hace 10 años. Mi padrino me mostró un aerógrafo por primera vez y le estoy eternamente agradecido porque es lo que amo hacer y a lo que me dedico.

LO PROPIO:

Me gusta mucho pintar retratos y animales, pero también utilizo variedad de pinturas y superficies a la hora de realizar un trabajo. Desde hace tres años que tengo mi estudio, y allí mis alumnos pintan sobre metal, tela, cascos, impresión 3D.

CUSTOM ART:

Antes de que Eterna lanzara esta pintura, utilizaba Esmalte Acrílico al Agua, pero la tenía que rebajar con agua. Hoy contamos con las dos líneas –soft y hard–, y eso es buenísimo. En la aerografía es fundamental que la pintura fluya bien y sea la adecuada para el trabajo que uno desea realizar, así que me aporta tranquilidad en el funcionamiento del aerógrafo.

UN POCO DE HISTORIA

Esta práctica se enmarca entre las ramas de las Bellas Artes de la actualidad, quizás porque se vale de una herramienta como el aerógrafo para esparcir con presión regulada partículas de pintura a distancia sobre un soporte que puede ser casi cualquier objeto: indumentaria, bastidor, papel, también otros más grandiosos como vehículos, cascos o muebles. Antes de la herramienta y el motor que trabaja para expulsar la pintura, el ser humano se valió –ya en la época de las cavernas– de elementos para difuminar pigmentos a través un tubo (hueso o cañas) con el propio soplido.

Dípticos, trípticos y…

Dípticos, trípticos y…

Cuando el todo es más que la suma de las partes.

La historiografía del arte denomina dípticos, trípticos y polípticos a los cuadros divididos en dos, tres y cuatro o más paneles, respectivamente. Aunque surgieron en la antigüedad, desde hace un tiempo estas obras compuestas se ganaron un lugar en la decoración de casas, consultorios y empresas.

Invitamos a artistas de la Comunidad Eterna a que nos cuenten más sobre la particularidad de estos formatos, los desafíos y las opciones que se les presentan en el momento de la creación.

Cecilia Péndola

47 años, Lima (Buenos Aires) - @pendola.cecilia

Al pintar dípticos o trípticos se puede jugar con el espacio y dar movimiento sobre ese plano que deja de ser estático para tener una proyección dinámica. Además, cuando se me presenta la oportunidad en una obra, aprovecho para crear texturas y relieves para que sea única a la mirada y al tacto.

Requieren mucho esmero en el pintado de los laterales de la obra ya que cada pincelada debe coincidir con la del siguiente bastidor.

Comúnmente, mis clientes vienen con una idea y les busco diseños acordes a lo que ellos desean, recomendando colores y texturas que combinen entre sí, acordes al espacio y al entorno donde se exhibirá la obra.

Rosalía Noemí Peralta

51 años, Villa Mercedes (San Luis) - @Taller de Arte Rosalinda

La dificultad que presenta este tipo de cuadros es que se deben pintar todas las partes en el mismo momento. Su atractivo y diferencial es que una vez terminados, se pueden visualizar de manera diferente, pero siempre conforman una misma imagen. Además, se puede jugar con las medidas y espacios.

Los productos Eterna son esenciales para poder desarrollar y realizar mis cuadros porque su amplia gama de colores facilita la elección y la combinación.

Siempre estoy dispuesta a aprender e incorporar nuevos conocimientos y técnicas. Es necesario estar actualizada, todo el tiempo se descubre algo desconocido en este hermoso mundo que es el arte.

Gustavo Flores

36 años, Gualeguaychú (Entre Ríos) - @cuadros_tripticos_gualeguaychu

Pintar siempre fue un cable a tierra para mí, me transporta, recorro mil momentos mientras pinto. Realizar trípticos es algo novedoso. Muchas veces la gente opta por estos diseños por qué puede separarlos a gusto y adaptarlos a la medida que les parezca, siempre y cuando eso no deforme la obra.

Los diseños surgen de mi imaginación, otro poco de las ideas de los clientes que me preguntan “¿te animás a hacer esto?” y, algunas veces, busco inspiración en grandes y reconocidos artistas internacionales.

La Base Acrílica Eterna es perfecta para preparar mis bastidores, al igual que los Acrílicos Profesionales Flúo para realizar cuadros de arte pop y el Barniz al Agua para finalizar las obras.

Ilda Susana Oliva

54 años, Córdoba (Córdoba) - @juanjose.ficarra

Durante 15 años pinté con óleos, pero luego descubrí el Acrílico y me enamoré. Dibujo directamente con la pintura, uso espátulas, pinceles de goma, peines, espátulas de cocina con distintos relieves. El color y las combinaciones me muestran el camino de lo que está en mi subconsciente y en la tela. Así surgen imágenes preciosas que luego cada persona ve de diferentes maneras.

Probé todas las técnicas que pude estudiar, encontrar o descubrir. Desde hace dos años estoy haciendo Pouring, me divierte, y es una técnica en la que, hasta aplicar el calor, no sabés cómo te va a quedar. Los texturados me fascinan, en varias ocasiones mezclé pintura acrílica con marmolina fina y queda muy bien.

Elijo los productos Eterna por su calidad. A veces se me terminan los potes y sé que si compro el mismo color, será exactamente igual. Probé muchísimas marcas, pero los colores de Eterna se mantienen en las obras, cosa que no sucede con otras pinturas.

Juan José Ficarra

65 años, Resistencia (Chaco) - @susana.oliva1

Soy autodidacta y me gusta pintar sobre todo cuadros abstractos. Me imagino figuras geométricas, líneas y voy tomando sus formas. No llevo un orden o patrón, solo me dejo llevar por la imaginación. Trabajo sobre bases duras como MDF, incluso armo mis bastidores y utilizo Acrílicos Eterna, pinceles, espátulas, peines y lo que encuentre. A veces agrego texturas con enduído o usando bolsas de nylon, papel corrugado y telas, entre otros materiales.

Disfruto mucho al pintar, me desconecta de los problemas cotidianos, hace volar mi imaginación. Me siento feliz y orgulloso al ver mis trabajos en alguna sala.

Proyectos para inspirarte

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Arte fluido:

Arte fluido:

¿Qué necesito saber para practicarlo?

Hoy nos proponemos allanarles el camino para que se animen a descubrir la magia del pouring. Es una técnica simple. Solo hay que prestar mucha atención al momento de preparar la mezcla para lograr la fluidez necesaria de la pinturae inspirarse al intercalar los colores para lograr una composición armoniosa en el soporte elegido.

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PRODUCTOS DE LA TÉCNICA

La dupla Eterna para esta técnica está integrada por dos productos: el Medium para Pouring –hecho a base de resinas acrílicas puras que, al mezclarse con la pintura elegida, gelifica y espesa la mezcla reforzando su flexibilidad–, y la Silicona para Pouring –componente que activa la formación de las celdas características de la técnica–.
Las pinturas Eterna aptas para combinar con ellos son aquellas solubles al agua: Acrílico Decorativo Premium, Acrílico Profesional, ChalkPaint, Esmalte Acrílico Al Agua, Pintura para Tela y Base Acrílica.

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SUPERFICIES APTAS

Es una técnica adaptable a cualquier superficie. Tiene una buena adherencia en tela, bastidor, madera, plástico, telgopor, metal, etcétera. Es recomendable comenzar por superficies pequeñas y planas para familiarizarse con las cantidades, mezcla y tiempos.

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LA MEZCLA

Los colores se preparan siempre por separado mezclando muy, muy bien una medida de Medium más dos de pintura al agua, revolviendo suave y constante hasta llegar al “Punto Hilo”: la pintura cae en forma continua, no por goteo.

Opcional: se pueden agregar gotas de Silicona para Pouring según quieras regular la cantidad de celdas; con la práctica, el uso de este producto permite ajustar a gusto los resultados que se buscan.

Dejá reposar un rato para quitar las burbujas de aire y luego vas intercalando en un mismo recipiente los colores preparados. No mezclar, simplemente volcar por depósito.
Por último, VOLCADO DE LA MEZCLA

Apoyar el soporte sobre la boca del recipiente con la mezcla y dar vuelta e invertir. Dejar caer toda la mezcla esperando unos segundos antes de levantarlo y esparcir con inclinaciones suaves o estirando la pintura con una espátula para llegar a todos los lugares que queremos cubrir.

Para colaborar con la formación de las células podemos darle calor con un soplete de repostería, encendedor, pistola de calor o secador de pelo. En cualquier caso, evitar acercar demasiado la fuente de calor para cuidar de no “barrer” la pintura o generar globos en la superficie. Pocos minutos bastan para que las celdas empiecen a formarse.

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SECADO

El tiempo de secado depende de la cantidad de pintura utilizada. Debemos tener paciencia: el calor que se le agrega empieza con el proceso de secado, pero solo seca la superficie. Recordá dejar el trabajo sobre una superficie plana para que la carga de pintura mantenga su nivel.

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PROTECCIÓN

Podemos utilizar el Medium para Pouring para proteger y darle también una terminación bien brillante. Otras opciones son: Goma Laca Incolora, Laca Vitral Incolora o cualquiera de los barnices Eterna, según el acabado y tipo de protección que deseemos lograr.

“La simpleza de esta técnica garantiza el éxito en el resultado. Solo debemos tener en cuenta la combinación de colores para que el efecto sea agradable a la vista”.

Profesora Adriana Chacón

Tip de Adriana Chacón:

“Si optamos por un soporte plano, no vamos a tener ningún inconveniente –que se vuelque o que no se adhiera la pintura–. En cambio, si elegimos superficies cóncavas, curvas, con formas variadas o caprichosas, debemos tener cuidado cuando la pintura se va acomodando porque se va a acumular en la base y es probable que en la parte superior no quede el efecto deseado. Por eso es recomendable trabajar por partes e ir secando cada tramo realizado”.

Aprovechá estos proyectos para inspirarte

Pintura Abstracta

Vidrios colgantes con Pouring y algo más…

Pouring sobre Joyas

Descargá el Coleccionable Pouring y conoce más proyectos para animarte a crear.

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

Otoño Imperdonable

Otoño imperdonable

Se fue, nos guardamos las hojas y la inspiración.

Con esta postal que despide y, a la vez, retiene algo de esta estación del año, rendimos homenaje al poemario que impulsó a María Elena Walsh como poeta: Otoño imperdonable.

Los exóticos colores de esta época (ocre, amarillo, rojizo, naranja, verde amarillento) se multiplican con la luz especialmente tenue y lateral. En esa #inspiraciónEterna se funda este ejercicio que tiene las hojas como protagonistas: las que ya se fueron, las que intentamos retener a través de la creatividad.

Sublimar hojas reales

Gabriela Campos, redactora (Equipo editorial BLANCO mag).

La estampa por sublimación es un universo de posibilidades, parte del juego creativo y de experimentación implica explorar nuevos recursos para variar el modo de generar estampas.

“Elegí hojas con formas complejas, ya sea para usar individualmente o en conjunto; algunas, incluso, estaban agujereadas. Primeramente, las usé como reservas: se colocan las hojas entre la tela a estampar y el papel pintado con Pintura para Sublimación para que en esa zona la tela no se estampe. Desde esa lógica, hay muchas opciones:recortar una forma de papel pintado que acompañe la silueta de una hoja, volver a utilizar las hojas usadas como reserva del lado que les quedó algo de pintura para generar matices en la estampa, y una variante maravillosa que descubrí en este proceso: usar la pintura para sublimación directamente sobre una hoja –tarda más en secar– y sublimar desde ahí en lugar de usar un papel. El modo en que luego se estampan sus nervaduras es encantador”.

LA CABALGATA
Y regresamos con el mediodía
aromado de trinos y colores.
En la casa, una ardiente algarabía
quebraba el luto de los comedores
donde filtrando atisbos de caireles
el sol caía sobre los manteles.

Pintura para Sublimación:
11. Amarillo Medio, 17. Anaranjado, 25. Rojo Navideño, 35. Verde Manzana, 60. Violeta.

Positivos y negativos en papeles para un collage

Lorena Truchljah, artista plástica (Área de ventas Eterna).

Algunas siluetas son producto de reservas contorneadas con pinceladas de Acrílico Decorativo Premium, otras hojas funcionaron como sellos para texturar. Todo realizado sobre papel de seda y de diario que luego se recortaron para componer un collage.

“Elegí las hojas de hiedra, de forma bien angular y muy característica. A diferencia del verde oscuro que las caracteriza en verano, en esta época del año se vuelven intensamente rojas. Esa gama de colores, combinada con amarillo, es la que utilicé para pintar. Una opción interesante es pintar papeles con pinceladas libres y aleatorias, dejando espacios sin pintar y luego volver a intervenir los papeles utilizando las hojas a modo de sello para darle texturas a los colores. Sobre el diario realicé variaciones: corté la forma de la hoja, la sellé directo y a algunos recortes de diario les di previamente una manito de color aguado. Es una técnica libre que permite realizar una textura en el conjunto”.

CON LA MANO VACÍA
Oh profesión salobre de silencio.
Yo lo he callado todo.
Las palabras me negaron su tránsito oportuno
con un hilo de hierro en la garganta.

Acrílico Decorativo Premium:
13. Amarillo de Cadmio, 17. Anaranjado, 24.Rojo de Cadmio, 31. Borravino y 106. Oro Ducado.

Un nuevo material

Marcela Cánepa, artista plástica (Dpto. artístico Eterna).

Composición tipo collage con superposición de hojas. Una vez impermeabilizado el material, se realizaron teselas útiles para diversas intervenciones: detalles tipo venecitas, mosaiquismo, etcétera.

“Las hojas fueron la búsqueda que motivó varias de mis caminatas por el barrio, aun cuando no sabía qué iba a producir con ellas. Dejé que sus formas y colores me guiaran. Jugué a la superposición (tipo cartapesta) y la textura pensando en armar con ellas un material reutilizable en otras producciones, por ello trabajé en un papel A5, de gran escala. Busqué hojas aún flexibles para poder trabajar mejor sin que se quebraran. Las pegué con multipropósito y luego las prensé durante un día para homogeneizar toda la superficie (para esto coloqué un nylon transparente y peso arriba). Unas manos de Termolina le agregan una película protectora y, a la vez, más flexibilidad. En algunos casos sumé unos toques de brillo con foil laminador”.

OTOÑO IMPERDONABLE
Bajo la risa del verano
giraban mundos de colores.
Entonces era yo tan niña
que no sabía el nombre de las flores.

Termolina, Multipropósito, Foil Laminador

Otoño imperdonable.

La primavera de la autora.

María Elena escribió este poemario recién estrenada su adolescencia y, a los 17, decidió publicar el libro, abonando la edición de su propio bolsillo. Esa publicación fue el pasaporte a la literatura del momento, a las revistas de cultura y a la mirada atenta de autores consagrados de la época con quienes se vinculó desde entonces.

12. Palta

12. Palta

La variación está en su esencia

Esta fruta de origen latino se las trae desde hace 10.000 años. El primer nombre se lo dieron los Aztecas: oacatl (de ahí su derivación aguacate). Primero se dispersó hacia el sur por la migración de culturas precolombinas, proceso que modificó el nombre con el que se lo conoce en Sudamérica –Palta–, dado que los Incas incorporaron el fruto a su alimentación cuando conquistaron los territorios de los Indios Paltas (Ecuador).

Producto de la conquista española, viajó más al sur del continente, donde se encuentra uno de los principales productores del mundo en la actualidad: Chile. Pero el viaje no lo dejó indemne: la palta del norte era de cáscara verde y esta se fue oscureciendo a medida que su cultivo se extendió hacia estas latitudes. El verde casi flúo (o amarillo verdoso) de su interior sigue siendo la principal identidad que se asocia al color que así identificamos.

El color 12. Palta se incorporó recientemente a la paleta de nuestras CHALK PAINT: es un verde tan luminoso que se encuentra bien cerca de los tonos amarillos dentro de la carta de color; de hecho, en la línea de Acrílico Decorativo Premium lo llamamos: 12. Amarillo Verdoso.

COMBINALO EN INCREÍBLES CONTRASTES

Engamado

Como el interior y exterior de las paltas.

12. Palta
+
71. Verde Aceituna

Calmo

Entre la tierra y la luminosidad.

12. Palta
+
76. Dijón

Contrastante

Una combinación bien arriba.

12. Palta
+
32. Escarlata