¿Qué pigmentos se usan en las pinturas?

Curiosidades científicas sobre las pinturas*.

¿Qué pigmentos
se usan en las pinturas?

Parte 2

A modo de introducción a esta pregunta, en la parte I definimos qué son los pigmentos y qué funciones cumplen. Hoy les compartiré algunos datos interesantes sobre los dos grandes grupos que utilizamos en la actualidad para formular pinturas (artísticas, en nuestro caso): inorgánicos y orgánicos.

Mayormente, los pigmentos de la antigüedad se elaboraban con materias primas derivadas de metales: óxidos de hierro, zinc, manganeso y sulfuros de cadmio, entre otros. En algunas cuevas (15.000 años a. C.) hay paredes pintadas con rojos y amarillos procedentes de óxidos de hierro, negros de carbón y blancos de tiza, sin embargo, recién en 1704 se realiza la primera fabricación integral de un pigmento: el Azul de Prusia. El modo original era la molienda y el refinado de las piedras; en la actualidad, se obtienen por síntesis (química inorgánica).

Cuando a mediados del siglo XIX entra en auge la química orgánica, se produce una evolución fenomenal de la mano de protagonistas como los naftoles, las ftalocianinas y las quinacridonas, para nombrar solo algunas familias que abrieron paso a una nueva generación de pigmentos industrializados.

INORGÁNICOS:

Es una familia reducida: tierras, minerales molidos y unas pocas creaciones sintéticas.
Aunque son pocos, hay algunos esenciales para la industria: es el caso del Blanco de Titanio.
A diferencia de las pinturas industriales, en las artísticas persisten pigmentos como amarillos, naranjas y rojos de cadmio, violeta de manganeso, óxido de cromo.
Los pigmentos inorgánicos son normalmente mucho más cubritivos que los orgánicos: frente a la misma cantidad de capas del mismo espesor, “tapan” más el fondo.
A grandes rasgos, casi todos los pigmentos inorgánicos (a veces ayudados por modificaciones modernas) resisten muy bien la acción del aire, la luz y la humedad.

ORGÁNICOS:

Cuenta con una enorme variedad de integrantes.
Tienen mayor poder de tinción (capacidad de un pigmento de aportarle color a una pintura) aun cuando se formule con iguales cantidades de uno u otro.
La resistencia a los agentes naturales es más diversa en este grupo: por ejemplo: un verde que se formula con azul de ftalocianina (azul talo) y algunos amarillos (PY 12, por nombrar uno) se transformará con el paso del tiempo mágicamente en azul. Esto sucede porque el talo resiste como los dioses, y al amarillo el tiempo se lo devora como a una mariposa.

Estas características son definitorias tanto para el fabricante de pinturas que selecciona el pigmento como para el artista al momento de pintar.

* Rubén Civeira, Ing. Químico,
Socio gerente de Pinturas Eterna.

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

¿Qué pigmentos se usan en las pinturas?

Curiosidades científicas sobre las pinturas*.

¿Qué pigmentos
se usan en las pinturas?

Parte 1

Es una pregunta tan interesante, y también amplia porque, para comprender los pigmentos que hoy se utilizan, tenemos que saber cuál es el rol de este componente de la pintura… y algunas cositas más. Entonces, vayamos por partes: la cultura general –al menos en el ámbito artístico– reconoce con facilidad que son los encargados de proveer color a la pintura. Es muy cierto; es la más obvia. Incluso, podría considerarse la más importante, aunque les voy a compartir algo de ese equilibrio que buscamos los químicos para que la pintura no falle ni en el color ni en otras funciones que buscan los artistas.

Para un artista, pintura y color van íntimamente asociados, de la misma manera que color y pigmento son la dupla inseparable para los técnicos. Además de este rol, los pigmentos también se ocupan de dar cobertura de manera eficaz y con el mínimo de capas posibles. Quienes las formulamos nos enfrentamos al desafío de que a nuestros artistas también les gusta acuarelar, glasear y dar transparencias. Una situación a la cual los pigmentos, también, deben adaptarse.

Otra función –muy importante– es la de colaborar con la protección de las superficies. Esto es que los objetos pintados soporten adecuadamente y sin deteriorarse –o lo menos posible–, las condiciones de uso y de exposición a un ambiente. En una pintura industrial, por ejemplo, los pigmentos deben responder a fines específicos: protección frente a la oxidación, otorgar propiedades ignífugas o antibacteriales, entre otras.

Para quienes trabajan en el ámbito artístico, la conservación de una intervención a lo largo del tiempo es una gran preocupación. La buena selección de los pigmentos es crucial cuando se aspira a sostener en el tiempo estándares de excelencia. Por ejemplo, cuando a una pintura se le exige una vida útil (en el arte hablamos de 100 o 200 años ).

Los pigmentos no cubren todos los requerimientos deseados con el mismo nivel de excelencia, y equilibrar estas funciones es un arte al que nos dedicamos en el área técnica. Mucho depende de entender qué funciones se le pedirán a la pintura que formulemos.

* Rubén Civeira, Ing. Químico,
Socio gerente de Pinturas Eterna.

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¿Por qué la pintura se mantiene líquida en el frasco?

Curiosidades científicas sobre las pinturas*.

¿Por qué la pintura
se mantiene líquida en el frasco?

Hay muchas curiosidades en el mundo químico y físico de las pinturas. Una de ellas es el cambio de estado que sucede cuando esparcimos la pintura sobre una superficie. Es decir: la aplicamos en estado líquido o viscoso y al rato comienza a modificarse hasta que se forma una película sólida que recubre, protege y decora el material sobre el que aplicó.

Este cambio de estado es posible –y deseable- gracias a cómo está compuesta. Si nos ajustamos su definición (y dejamos de lado los barnices y las lacas –por ahora-) podemos decir que la pintura es un material compuesto por sustancias sólidas finamente divididas que están dispersas (no disueltas) en un medio líquido, al que generalmente denominamos vehículo.

Mientras se encuentra en su envase, el medio líquido es el responsable de mantenerla como un producto homogéneo. Una vez que se pinta, se forma la película que no solo adhiere los compuestos sólidos entre sí, sino también a la superficie que se está recubriendo. Esto se debe a que la pintura expuesta al ambiente envía hacia este sus compuestos volátiles (que contienen fundamentalmente agua). Cuando esto sucede, las partículas de aglomerante entran en acción: se acercan tanto unas a otras que mantienen atrapados a los otros compuestos que no se evaporan: pigmentos, cargas minerales y otros aditivos. Al soldarse surge una fina película plástica continua: a la que llamamos pintura.

* Rubén Civeira, Ing. Químico,
Socio gerente de Pinturas Eterna.

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Paleta de pintor: más que una herramienta

Paleta de pintor:
más que una herramienta

Símbolo del arte, a lo largo del tiempo cambió en su materialidad, pero conserva su enorme uso.

Henri Matisse

Pablo Picasso

Edgard Degas

Vasily Kandinsky

Francis Bacon

Vincent Van Gogh

La paleta, ese objeto de madera en el que los pintores preparan el material para darle forma a sus obras, se utiliza a menudo como símbolo universal del arte. Si quisiéramos disfrazarnos de artistas, lo más probable es que recurramos a una boina, un delantal lleno de colores y una paleta con forma de riñón.

Sin embargo, esta no es la única posibilidad. Hoy también se usan planchas de metal o vidrio, bandejas de plástico desechables y cuencos apoyados sobre una mesa, aunque los más tradicionales prefieren continuar con la paleta de madera de nogal rectangular o arriñonada por su gran utilidad. El material puede variar según la preferencia del dueño, siempre y cuando no sea poroso.

Por ejemplo, en la Antigüedad, los pintores empleaban conchas o tazas donde se ponían los colores ya preparados. Luego este objeto evolucionó hacia una paleta de madera de medidas reducidas con un pequeño orificio en donde se calza el dedo pulgar para que la mayor superficie descanse en el antebrazo. A propósito de esto, para elegir la paleta más adecuada hay que tener en cuenta el ángulo de bisel del agujero (el corte oblicuo en el borde de una superficie) porque la mayoría de las paletas en el mercado se adaptan mejor a personas diestras.

Con la misma mano que sostiene la paleta se pueden sujetar los pinceles, en un entrante de su silueta. Algunas, incluso, incluyen pequeños contenedores para el aceite de linaza y el aguarrás, necesarios en la pintura con óleo. Tanto con este recurso como con el acrílico, los colores se disponen a lo largo de sus bordes mientras que las mezclas cromáticas se realizan en los cuadrantes internos.

Las paletas son tan importantes en la identidad de quienes pintan que se las considera una especie de retrato indirecto de su propietario: muestran los tonos empleados y los aspectos de las manchas.

En el orden práctico hay múltiples objetos que se utilizan como paletas, y muchas veces su material depende de la pintura y el objeto a intervenir.

Cecilia Aguayo

Gabriela Mercante

Adriana Chacón

Dominar tus pinceladas

Dominar tus pinceladas

Los pinceles artísticos son un mundo en sí mismo (y con gran historia) dentro del arte decorativo: los hay para las tareas rústicas, los hay tan maltrechos que solemos reservarlos para una ocasión más y descartarlos, también hay otros para las expresiones delicadas y detallistas. Aunque el primer impulso sea sujetarlo como una birome o un lápiz, su uso tiene otras complejidades. Acerca de ellas, de las buenas posturas de la mano y la búsqueda de intenciones en las pinceladas, hablamos con Cecilia Aguayo, artista plástica mendocina y profe de Eterna.

BUENA POSTURA

Sujetarlo entre el índice y el pulgar sin que los dedos lleguen a la virola (parte de metal). Esta postura de base sirve para el arte decorativo en general, tanto como para la pintura artística en bastidor.

“Quienes recién comienzan a pintar suelen utilizar el pincel como un lápiz: sujetándolo de la parte baja, bien cerca de las cerdas. Esto limita la soltura de la mano. El acompañamiento con ejercicios de trazo y precisión es súper importante en esta primera etapa, porque suelen ser posturas persistentes”.

EXPRESIÓN

Esta forma de tomar el mango es muy útil para las pinceletas porque permite enfatizar la expresión.

El índice funciona como apoyo y el pulgar permite regular la presión.

LIBERTAD

Perder un poco el control de los trazos te permite obtener una mayor expresividad. Para eso, sujetalo de la última parte del mango así se reduce la precisión con el objetivo de trabajar líneas sugerentes. Sin dudas, es un gran desafío para implementar en tu pintura artística. ¡Animate al bastidor!

Los preferidos de Cecilia y para qué los utiliza

Estas herramientas, aliadas de nuestras pinturas, tienen múltiples formas y tamaños para acompañar cada trazo a lograr.

“Angular, ideal para la técnica en una sola pincelada”.

“¡Una de las más queridas! Pinceleta recta de pelo sintético para pintar fondos. Está viejita, pero es irremplazable”.

“Liner de pelo largo y corto, para pintar detalles y realizar trazos con precisión”.

“Este pincel recto n°20 es de los que más quiero, lo llevo a todos lados porque lo utilizo para rellenar zonas”.

“Lengua de gato, ideal para esfumar bordes y realizar sombreados”.

“Redondos, son muy versátiles para detalles y realizar líneas”.

Mirá estos consejos para mantener en condiciones tus pinceles

Círculo cromático: entre la teoría y la magia

Círculo cromático:
entre la teoría y la magia

Creado por Isaac Newton en el siglo XVII, este dispositivo sigue siendo esencial para artistas y diseñadores. Repasamos su origen y actualidad.

En la escuela aprendemos los colores primarios y jugamos a mezclarlos para generar nuevas tonalidades. La sensación es absolutamente novedosa: delante de nuestros ojos los cambios parecen mágicos. Lo cierto es que esta impresión se explica primero por un proceso físico revelado luego de un experimento que Isaac Newton realizó alrededor de 1666.

Para investigar las cualidades de la luz, el científico inglés situó un prisma de vidrio en una habitación completamente a oscuras, pero que contaba con un orificio por el que hizo atravesar un haz de luz. Al pasar de un medio a otro de distinta densidad, la luz se descompuso en infinidad de rayos simples de distintos colores. Luego, hizo pasar los haces descompuestos de la luz solar por un segundo prisma, pero esta vez invertido, con el que volvió a obtener un único haz de luz monocromática.

Esta investigación dio origen al círculo cromático, una figura con franjas de colores primarios, secundarios y terciarios que, al girar a gran velocidad, produce como efecto óptico la aparición del blanco.

Como era de esperarse, con el tiempo este instrumento se fue perfeccionando. Como explica la profesora Betina Ferrara, “el círculo cromático representa cómo se divide la luz, pero al tratar de reproducirlo con pintura es distinto. Por eso, aunque mis alumnas protesten, les hago hacer el círculo cromático; porque no es lo mismo verlo que formarlo. Hay que entrenar el ojo para poder ver las distintas variaciones del color”.

Los colores primarios son el rojo, el amarillo y el azul e integran una franja del círculo. Son el fundamento fisiológico de la teoría del color porque los percibimos cuando la luz impacta en nuestros ojos y no pueden crearse a partir de la combinación de otros pigmentos.
Le siguen los colores secundarios: verde, naranja y violeta. Estos se obtienen de mezclar dos colores primarios por partes iguales. En tanto, los colores terciarios son una mezcla de colores primarios y secundarios, por eso son más sofisticados y ofrecen un enorme abanico de matices.

A medida que fue complejizándose, surgieron dos modelos de círculos cromáticos. El conocido como RGB (rojo, verde y azul) y el CMY (cyan, magenta y amarillo), por sus siglas en inglés. Según Betina, la manera más fidedigna de alcanzar estos colores con pinturas es utilizando rojo de cadmio, azul ultramar y amarillo medio para el primer esquema, y cyan, magenta y amarillo medio, para el segundo. “Pueden emplearse acrílicos decorativos premium o profesional. Estos últimos son unipigmentarios y dan mezclas más certeras”, asegura.

En lo que respecta a la utilidad del círculo en el taller, la profesora explica: “Al estar los colores organizados siguiendo un orden, se puede trabajar con diferentes armonías cromáticas. Por ejemplo, opuestos complementarios: rojo, verde, amarillo, violeta, azul, naranja”. Y detalla: “El par se forma por un primario y un secundario que no lleva ese color primario en su composición. Por caso, el naranja es el complementario del azul, porque se forma con amarillo y rojo y el único primario que no participa de su formación es el azul. En el círculo están enfrentados”.

Bettina señala que otro tipo de armonía posible se consigue usando colores análogos, es decir, vecinos en el círculo cromático. “Los que están cerca, tomando como referencia un color. Volviendo al ejemplo del naranja, hacia un lado está el naranja amarillento y hacia el otro el naranja rojizo. También se puede jugar con el complementario dividido. En ese caso, ubicamos el complementario (naranja) por lo que los adyacentes son los que están hacia ambos lados del azul: el azul violáceo y el azul verdoso”.

Las cualidades del color son el matiz, la saturación y el valor. “Al tener en cuenta el círculo se puede variar estas cualidades en función de lo que necesite mi trabajo”, señala Betina sobre el por qué considera tan importante que sus alumnas conozcan de primera mano esta herramienta. Y da un ejemplo concluyente: “Si un color me resulta demasiado vibrante o intenso, puedo agregarle una pizca de su complementario y bajarle la intensidad. Muchas veces se cae en el error de agregarle blanco, pero solo se consigue volverlo pastel o enfriarlo”.

Practicá tus mezclas y aplica tus primeros pasos en este Proyecto.

Provocar una interacción con el espectador

“Mi intención es provocar una interacción entre el retrato y el espectador”

Nahiara Beiras Rivera

Nani tiene 17 años y es retratista. En 2018, su carrera artística tomó impulso casi por casualidad cuando la invitaron a participar de una muestra de arte en el Espacio Cultural Adán Buenosayres: “Recuerdo que tenía los retratos en un cuaderno, y tuve que quitarlos, prepararlos y enmarcarlos para poder presentarlos en esa primera expo que surgió muy repentinamente. Esa hermosa oportunidad fue una gran sorpresa”.

Desde entonces, sus obras se exhiben en diferentes eventos de arte, espacios culturales, galerías y festivales presenciales, así como en exposiciones virtuales. “Amo lo que hago y disfruto mucho al hacerlo, pero lo más gratificante es poder compartir mis obras con los demás, recibir su devolución y saber que pueden captar el mensaje a través de ellas”.

Su admiración por el arte y con intención de dar apoyo a otros artistas, Nani lanzó en plena pandemia NART: un espacio en Instagram de promoción de arte y artistas de diferentes disciplinas, que recientemente sumó una exposición virtual internacional y colectiva. “La meta más importante es, cuando la situación lo permita, poder también organizar exposiciones presenciales”, anticipa Nahiara y se predispone a contarnos más sobre su proceso creativo.

¿Qué es lo que más disfrutas del proceso creativo?
Cuando empiezo a planificar la obra, cuando me la imagino con todos sus detalles, cuando comienzo a construirla en mi mente. Me sucede que estoy trabajando en un retrato y ya estoy pensando en el siguiente, cuando todavía no terminé con el que estoy.

¿Cómo es tu rutina, cómo surgen los momentos de inspiración?
Me gusta pintar en la calidez de la cocina de casa, con la compañía de mi mamá, entre charlas, mates y un poco de música.
La inspiración surge de los colores, de obras antiguas, de ambientaciones o atmósferas que me cautivan y que descubro en películas, videos musicales, videojuegos, entre otras cosas.

¿Cómo te nutrís actualmente para crecer como artista?
Con la observación, la experimentación y el trabajo sobre conceptos, tras los mensajes que pretendo transmitir.
Aprendí a observar mucho más detenidamente cada detalle de los rostros para lograr mejores resultados.Me gusta experimentar con diferentes materiales, como por ejemplo, fusionar la pintura acrílica con los lápices pastel, trabajándolos sobre madera o sobre papel.

“Estoy fascinada con la gran variedad de colores de los Acrílicos Eterna.
Ellos me inspiraron a crear mis obras y series basándome en cada uno de los tonos, así que próximamente podrán ver cómo mi feed de Instagram transita del negro al blanco, para ir pasando por cada uno de los hermosos colores de su paleta, manteniendo siempre presente el Acrílico Profesional Oro Ducado, que es mi preferido”.

¿Cómo surgen tus personajes?
Creo mis personajes a partir de la transmutación de su imagen, dentro de un concepto, dando origen a una composición que pretende emanar sentimientos y reflexiones. Mi intención es provocar una interacción entre el retrato y el espectador, donde cada persona que observe mis obras pueda percibir en ellas un mensaje positivo, de aliento, de coraje, de esperanza y, quizás, también identificarse o poder relacionarla con una experiencia cercana.

¿En qué estás trabajando actualmente?
Estoy trabajando en dos nuevas series: “Etérea” -compuesta por dos retratos en formato mediano, realizados con Pinturas Eterna y lápices pastel sobre madera-, y otra
integrada por cuatro pequeñas obras trabajadas sobre papel

¿Qué repercusión tuvo NART hasta ahora?
¡Mucho mejor de lo que imaginamos! Con una hermosa devolución de los artistas y de las personas que disfrutan del arte.
También estamos recibiendo el apoyo de importantes marcas, entre ellas Pinturas Eterna,que nos alienta a continuar trabajando, generando nuevas ideas para mejorar su funcionamiento y poder brindar una mayor difusión.

¿Cómo imaginás tu proyección artística?
Continuando con las creaciones de mis retratos, para crecer y evolucionar en mi arte, y trabajando para que NART pueda llegar más lejos, ofreciéndoles a los artistas la oportunidad de participar también en exposiciones presenciales.

Las Pinturas Eterna le aportan una bonita textura a mis retratos logrando un delicado acabado, me permiten trabajar con técnica mixta de excelente manera y sobre diferentes superficies, tanto en mis obras como en los marcos.
Las diferentes consistencias entre los Acrílicos Decorativos (más ligeros) y los Acrílicos Profesionales (más consistentes) me ayudan a lograr perfectamente la terminación deseada para cada detalle.

Obtener distintas tonalidades de piel

Obtener distintas
tonalidades de piel

Carnación o Carnadura. En la pintura artística se le asigna alguna de estas denominaciones al arte de pintar con realismo las diversas tonalidades de pieles. ¿Cómo lograrlas? Aquí los trucos para ejercitar las mezclas.

Las paletas cromáticas se dividen en dos grandes grupos y, dentro de cada uno,
sus respectivas variaciones.

1

Paleta cromática para
Pieles Claras

Recordá que en cada mezcla los colores aparecen mencionados en orden de proporción.

Ajustes en las Mezclas

Azul Ultramar: una pizca para cuando te queda muy anaranjada.

Verde Oliva o Bambú: una pizca cuando te quede muy rosada.

2

Paleta cromática para
Pieles Morenas

Recordá que en cada mezcla los colores aparecen mencionados en orden de proporción.

Ajustes en las Mezclas

Blanco + Tierra Sombra Tostado: Para oscurecer zonas

Blanco + Lila amarronado (60. Violeta + 01. Blanco de Titanio + 87. Tierra Sombra Tostado). Para dar un tono más “gris”.

TIPS para evolucionar

Podés comenzar con los Acrílicos Decorativos Premium y luego pasar a la línea Profesional, cuya consistencia permite trabajar con espátula.
La pintura realista o hiperrealista tiene un gran compañero: el GLACEADOR, es ideal para demorar el secado y trabajar mezclas.
Una vez logradas las mezclas, tiene gran protagonismo el trabajo de luz y sombras.

Letit Be

“Letit Be”

Tin Art

Martín Penedo

“Soy fan de Los Beatles desde muy chico, y ese fanatismo me llevó a empezar a dibujarlos y luego a pintarlos. Siempre digo que quizás no me hubiera dedicado a la pintura si no fuera por su música”.

Así se presenta Martín Penedo, más conocido como Tin Art: artista plástico y dibujante autodidacta de rock que combinó su pasión por la música y la pintura para crear un estilo propio en el que hoy conviven el realismo y el expresionismo.

¿Qué es ser un artista autodidacta?
Ser autodidacta es estudiar a grandes maestros, sus teorías, prácticas y técnicas para poder practicarlas y aplicarlas en un trabajo propio. Aunque no tomes clases puntuales con alguien, siempre algún consejo te llega y luego el estudio es personal.

Cuando no seguís una carrera de arte donde estudiás contenidos teórico-prácticos y conocés la historia del arte, el proceso de formación como autodidacta se torna de contenido similar, pero en “sentido contrario”: empezás a dibujar y pintar intentando copiar a estos artistas que admirás, intentás llegar a lograr un realismo. Luego comienza el proceso de estudiar cómo lo pintó para poder copiar su técnica utilizada y vas aprendiendo las teorías que ellos estudiaron y aplicaron y, te empieza a interesar la historia del arte.

¿Cuándo fue la primera vez que pintaste en vivo, con público?
Me lancé al público a mis 20 años, aproximadamente, cuando empecé a pintar remeras a mano con imágenes de íconos del rock e iba a venderlas los fines de semana en la Feria de Artesanos de Plaza Francia (Recoleta). Allí comencé a pintar en vivo y la gente paraba a mirar. Conocí al periodista Pato Galván, quien me invitó a un programa que tenía en un canal de cable en La Plata y pinté en vivo un “cuadro-remera” de Dalí.

¿Cuál es la técnica para darle “vida” en la mirada a tus retratos?
Como retratista busco captar la expresión de la mirada de quien estoy pintando como punto realístico distintivo de ese ícono. El secreto está en “aprender a mirar”. Estudiar los colores, texturas y tramas que aparecen en el iris. Luego voy “mintiendo” con los colores y me reservo para dar brillos puros de blanco de titanio, detalles de tejido en el iris, y pestañas y cejas.

"Me inspira la música, no pinto sin música;
de hecho, siempre escucho la música del intérprete a quien estoy pintando para conectar”

¿En qué te facilitan o colaboran los productos de Eterna en tus obras?
¡En TODO! Los Acrílicos Profesionales Eterna son indispensables para mí por su consistencia y poder cubritivo. Con ellos puedo pintar tanto con pinceles y lograr esfumados de un color a otro (como si pintara al óleo, pero más rápido), como con espátulas, logrando texturas y empastes a gusto en las obras expresivas.
Baso mi paleta en los colores cian, magenta, amarillo, blanco y negro, sumados al gris de payne (como color “mágico”) y colores “terra” (sic). Les dejo un tip: la línea Flúo Profesional para manejar con espátulas es espectacular.

¿Cuál es tu obra favorita?
¿Me dejas decirte dos? Una de mis obras más queridas es la de George Harrison “Mysweet George” en acrílicos profesionales Eterna sobre lona. Fue la primera obra en gran tamaño que pinté.Y la otra que más quiero, más expuse y me generó gran satisfacción por su repercusión en el público es “Gustavo Cerati – Corazón Delator” (190 x 150 cm). Aún la conservo.

¿Qué es fundamental para que un artista siga creciendo en su arte?
Por un lado, el uso de materiales de calidad que hace que el artista pueda expresar lo que precisamente quiere. Por el otro, tener claro que en el arte el camino de la búsqueda de un estilo propio puede ser largo, pero es lo que va a darte más satisfacción. Que reconozcan una obra tuya porque refleja tu estilo en ella (por morfología, uso de color, estilo de dibujo, técnica, etc.) es fundamental para seguir creyendo en uno mismo y seguir avanzando en este hermoso camino que es el arte.

“Me gusta interactuar con el público y sentir su reacción".

Desarrollar habilidades de espatulado

Desarrollar habilidades
de espatulado

El uso de diferentes herramientas para trabajar la pintura permite generar improntas distintivas tanto en papel como en bastidor.

En base a la experiencia de Cecilia Aguayo, experta en técnicas de espatulado, te acercamos cuatro ejercicios simples para desarrollar nuevas habilidades con tus acrílicos: Decorativos y Profesionales.

TIPS generales para la técnica

Trabajar húmedo sobre húmedo para generar mezclas y volumen de material.
No le tengas miedo a la abundancia de pintura, es lo rico de esta técnica.
Colocá todos los colores de Acrílico en tu paleta y realizá las mezclas con la espátula.
Generá un fondo de color para trabajar, y esparcilo sobre el papel o bastidor con el canto de una espátula como si fuera el pincel.

1

Sombra, luz y formas simples.

Espátula: Cuchara fina

Este juego de claro-oscuro te permite trabajar volumen (por ejemplo, para el tronco de un árbol): Trazá una franja vertical con un tono oscuro, arrastrando la pintura con el filo de la espátula. Luego, repetí lo mismo al lado con el tono más claro dejando que suceda la mezcla en las zonas comunes.

2

Reflejos, aguadas, movimiento.

Espátula: Punta cuadrada

Cargá pintura en la punta de la espátula, apoyá y deslizá hacia abajo. Vas a ver que la carga se va reduciendo en el trazado. Probá regular las siguientes variables: más o menos presión para integrar el color con el tono del fondo, más o menos movimientos laterales (tipo zigzag) para generar sensación de movimiento.

3

Tejados, empedrados, paredes, pisos.

Espátula: Punta recta

La lógica es similar al ejercicio anterior, pero el movimiento del trazado es corto y firme, ejerciendo una leve presión. Con la práctica vas a aprender a regular las pequeñas modificaciones que van marcando diferencias.

4

Vegetación, lluvia, reflejos.

Espátula: Punta fina

Cargá bien la espátula y traza una línea horizontal con la punta. Luego, presioná en un punto de esa franja y arrastrá hacia abajo la pintura con un pequeño movimiento de zigzag.

@florchedufau

Creatividad del hobby al oficio

@Florchedufau

“Soy muy inquieta, me defino una persona con libertad.
Me gusta la tranquilidad a la hora de pintar y disfrutar de cada pincelada”.

EMPRENDEDORA:

Flor Chedufau
Artista, muralista, escenógrafa.

Desde mi formación de escenógrafa,creé un vínculo muy fuerte con la naturaleza. Cuando pinto, mi lugar de trabajo se convierte en una ventana donde intento representar la calma y armonía que la naturaleza me ofrece.

La mejor manera de arrancar es animarse,
dejarse llevar y mucha práctica.

Cómo comenzó

Me animé hace dos años, estaba pintando mi primer mural en la casa de mi hermana que iba a mostrar el proceso de reciclado para la revista Living, ¡fue una experiencia increíble! Desde entonces, nunca paré. Hoy paso mis días interviniendo paredes en casa de familias, en restaurantes, hoteles, pintando láminas y murales en papel y ofreciendo talleres a quienes le guste pintar. Estoy muy agradecida a esto que hoy me está sucediendo.

UN CONSEJO

Les sugiero que busquen su propia impronta, ese sello que los hace únicos y verdaderos. La mejor manera de arrancar es animarse, dejarse llevar y mucha práctica. Capacitarse, hacer cursos y ¡siempre para adelante!

También conviene aprovechar las herramientas que tenemos, como las redes sociales, que nos abren puertas al mundo para poder mostrar nuestro trabajo.

Uso acrílicos Eterna porque son muy cubritivos. Con los colores puedo ir probando hasta llegar a mi propia paleta de colores.

@singular.maleclaria

Creatividad del hobby al oficio

@singular.maleclaria

“Siempre me consideré artista plástica o artista visual, pero ya hace unos años que también me defino como
creativa y emprendedora”.

EMPRENDEDORA:
Male Clariá
Artista.

Actualmente desarrollo mi marca personal:
Singular, donde vendo obra de mi autoría y vajilla ilustrada con mis propios diseños.

No existe una fórmula del éxito, pero sí considero que gran parte depende de conocerse a sí mismo.
Es el primer paso para saber qué querés.

Cómo comenzó

Pinto desde que tengo noción. Vengo de una familia de artistas: mi abuela era retratista, dos de mis tíos también son artistas plásticos y esa era una gran influencia para mí. Recién a los 15 años empecé a estudiar formalmente en un taller y luego de terminar el colegio hice la carrera de Bellas Artes. Mi trabajo lo empecé a ofrecer mientras estudiaba. Cuando tenía alrededor de 19 años organicé mis primeras exposiciones y vendí mi primer cuadro.

UN CONSEJO

El arte es un camino lleno de satisfacciones y de obstáculos. No existe una fórmula del éxito, pero sí considero que gran parte depende de conocerse a sí mismo. Es el primer paso para saber qué querés.

Además, hacer un trabajo de introspección es muy necesario. Por ejemplo: ¿cuáles son tus fortalezas y limitaciones? ¿Qué querés lograr con tu obra?

Por otra parte, no hay que perder de vista el enfoque comercial. Y, por último, la disciplina es fundamental. Los esfuerzos intermitentes llevan a resultados intermitentes. Es necesario planificar las acciones para llegar a los objetivos. Lo ideal es que todo esto lo dejemos claro por escrito.

Uso los acrílicos Eterna desde mi época de facultad. Cuando hacía obras de mayor tamaño y pintaba con pinceletas y espátulas usaba mucho los acrílicos profesionales. Hoy prefiero los acrílicos decorativos por el estilo de pintura que hago, por su fluidez. También uso los barnices cuando pinto en bastidor, para protegerlos.

He probado muchas marcas diferentes y los de Eterna son los más cubritivos y con la consistencia exacta, duran un montón sin perder sus propiedades, ¡si los mantenés bien cerrados te duran años!

Este año estuve probando otros productos como las pinturas para sublimar, los foils y adhesivos textiles y los vitroesmaltes horneables,
y ¡los amé!

En primera persona

porHerminia Devoto

HOY...

En primera persona

La extraordinaria situación que transitamos este año, sin duda nos puso a prueba en muchos aspectos. Celebro reconocer cómo el arte ganó protagonismo en este tiempo, elegido como vía de escape para abstraerse de la realidad, como actividad para recargar energía e incluso como medio de subsistencia. Por eso, hoy quiero compartirles mi vivencia.

Pinto desde muy chica. Me dediqué -incluso- profesionalmente, pero luego lo postergué un poco absorbida por el trabajo diario. En plena cuarentena, pese a continuar con mi tarea habitual con Manos a la Obra, me encontré con más tiempo para pintar y tomé la decisión de profundizar en esta actividad.

De mis cuadros abstractos, cósmicos y más celestiales que terrenales pasé a representar la naturaleza como en un homenaje interno a su belleza, volando con mi imaginación, pero con los pies en la tierra y admirándola con su infinita abundancia de formas y colores. Utilizo Acrílicos Profesionales Eterna que me permiten trabajar bien la técnica abstracta, con chorreados, retardo del secado y otras destrezas que me enseñó mi gran maestro Juan Doffo, renombrado y premiado artista plástico argentino.

Principalmente trabajo con las temáticas flores, bosques y paisajes de luces y sombras. Imágenes que aparecieron sin darme cuenta, producto de mi frondosa imaginación que están en mí desde siempre. Creo que documento todo lo que observo. Soy curiosa. Tomo miles de fotos y ese ejercicio me fija las imágenes.

Admiro la voluptuosidad de las flores y su decadencia que es bellísima. En mis caminatas -con barbijo- admiro los paisajes de los parques. Tal vez sea la imperiosa necesidad de verde, de tener la libertad de salir, viajar. Nada es casual; todo está en todo y en todas las etapas de mi pintura represento el presente y mis deseos.

“Los bosques encantados son mi nuevo desafío sin dejar de admirar mis flores imaginarias. Todos mis cuadros tienen esa magia de ser únicos porque salen de mi mente curiosa”.

Galería Online

www.manosalaobra.tv

/ManosalaObraTV

Herminia Devoto

(Me gusta)

Herminia Devoto

Acrílicos: ¿qué diferencias hay entre Decorativo y Profesional?

Acrílicos:

¿qué diferencias hay
entre Decorativo y Profesional?

Acrílico Decorativo Premium

Es una pintura al agua especialmente pensada para el arte decorativo.
Se puede utilizar en distintos soportes, superficies porosas o lisas: piezas de yeso, cerámica, madera, papel, cartón, etcétera.
Su carta tiene 96 colores formados con pigmentos especialmente elegidos para que permanezcan luminosos e indemnes ante el paso del tiempo.
Tiene una viscosidad media: permite pintar sin dejar marcas de pincel.
Es muy cubritiva.
Se puede diluir con Barniz y Diluyente Eterna para evitar alterar los niveles de calidad.

Acrílico Profesional

Es una pintura al agua desarrollada para Bellas Artes.
Es ideal para trabajar sobre bastidor entelado, chapadur, fibrofácil entelado y papeles especiales.
Su paleta se amplió recientemente: pasó de 28 a 38 colores, con nuevas opciones de Metalizados y Flúo. Todos combinables entre sí, con una excelente respuesta cromática que potencia la creatividad de los artistas al momento de generar sus propios tonos.
Su composición tiene un alto porcentaje de resina acrílica pura y pigmentos muy luminosos, que da como resultado superficies satinadas y colores inalterables en el tiempo.
Su viscosidad es alta y permite crear texturas con pincel, espátulas u otros objetos.
Se recomienda diluir con Barniz y Diluyente Eterna para no alterar su calidad.

Trabajos realizados por la profesora Cecilia Aguayo
con los nuevos Acrílicos Profesionales Metalizados y Flúo

“Yo hago óleo aplicado con espátula y descubrí en el Acrílico Profesional Eterna un aliado para hacer esta técnica con empaste y buena carga de material. Esta línea tiene una buena viscosidad para trabajar con espátula y no se seca tan rápido como el Acrílico Decorativo, eso también es una ventaja para la técnica. La paleta ya era alucinante, pero fue una excelente noticia saber que aumentaba su carta de color y obvio, ya los probé: ¡el dorado, el cobre y el plata son hermosos!.”

Diseñar Aves

PATRONES Formas y dibujos simples listos para usar en tus creaciones.

diseñar aves

“De qué sirve tener tantos pájaros en la cabeza,
si ninguno sabe volar”.

Compartimos algunos ejemplos y recursos para que tomen impulso y materialicen esas ideas que en más de una ocasión dieron vueltas en sus pensamientos.

“Mis pajaritos son muy simples y sencillos porque los diseñé para trabajarlos a manera de sombras, sin detalles. Funcionan súper bien sobre fondos variados, siempre muy coloridos. Lo mejor: se pueden componer a gusto”. Carina Abolio.

“Sobre el soporte previamente pintado con dos manos de Base Acrílica blanca transfiero las figuras con carbónico amarillo, para que no se manche el fondo. Luego aplico Pasta de Relieve y dejo secar muy bien antes de rellenar con Lacas Vitrales”. Cecilia Aguayo

Quienes se animen a un poco más pueden probar reproducir el plumaje de las aves a partir de la técnica de la doble carga y esfumado, tal como cuenta Cecilia Segala: “Consiste en aplicar la pintura con un pincel angular con dos tonos para agilizar el trabajo y lograr buenos efectos”.

Boceto:
“Trabajo a partir de imágenes reales y adapto el tamaño que necesito con escala de fotocopias”.

Paleta de colores:
“Es importante la selección de los Acrílicos Profesionales para reproducir el plumaje”.

Pinceladas:
“Aplico la técnica de doble carga con pincel angular para agilizar el trabajo y lograr los efectos deseados”.