Arte fluido:

Arte fluido:

¿Qué necesito saber para practicarlo?

Hoy nos proponemos allanarles el camino para que se animen a descubrir la magia del pouring. Es una técnica simple. Solo hay que prestar mucha atención al momento de preparar la mezcla para lograr la fluidez necesaria de la pinturae inspirarse al intercalar los colores para lograr una composición armoniosa en el soporte elegido.

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PRODUCTOS DE LA TÉCNICA

La dupla Eterna para esta técnica está integrada por dos productos: el Medium para Pouring –hecho a base de resinas acrílicas puras que, al mezclarse con la pintura elegida, gelifica y espesa la mezcla reforzando su flexibilidad–, y la Silicona para Pouring –componente que activa la formación de las celdas características de la técnica–.
Las pinturas Eterna aptas para combinar con ellos son aquellas solubles al agua: Acrílico Decorativo Premium, Acrílico Profesional, ChalkPaint, Esmalte Acrílico Al Agua, Pintura para Tela y Base Acrílica.

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SUPERFICIES APTAS

Es una técnica adaptable a cualquier superficie. Tiene una buena adherencia en tela, bastidor, madera, plástico, telgopor, metal, etcétera. Es recomendable comenzar por superficies pequeñas y planas para familiarizarse con las cantidades, mezcla y tiempos.

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LA MEZCLA

Los colores se preparan siempre por separado mezclando muy, muy bien una medida de Medium más dos de pintura al agua, revolviendo suave y constante hasta llegar al “Punto Hilo”: la pintura cae en forma continua, no por goteo.

Opcional: se pueden agregar gotas de Silicona para Pouring según quieras regular la cantidad de celdas; con la práctica, el uso de este producto permite ajustar a gusto los resultados que se buscan.

Dejá reposar un rato para quitar las burbujas de aire y luego vas intercalando en un mismo recipiente los colores preparados. No mezclar, simplemente volcar por depósito.
Por último, VOLCADO DE LA MEZCLA

Apoyar el soporte sobre la boca del recipiente con la mezcla y dar vuelta e invertir. Dejar caer toda la mezcla esperando unos segundos antes de levantarlo y esparcir con inclinaciones suaves o estirando la pintura con una espátula para llegar a todos los lugares que queremos cubrir.

Para colaborar con la formación de las células podemos darle calor con un soplete de repostería, encendedor, pistola de calor o secador de pelo. En cualquier caso, evitar acercar demasiado la fuente de calor para cuidar de no “barrer” la pintura o generar globos en la superficie. Pocos minutos bastan para que las celdas empiecen a formarse.

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SECADO

El tiempo de secado depende de la cantidad de pintura utilizada. Debemos tener paciencia: el calor que se le agrega empieza con el proceso de secado, pero solo seca la superficie. Recordá dejar el trabajo sobre una superficie plana para que la carga de pintura mantenga su nivel.

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PROTECCIÓN

Podemos utilizar el Medium para Pouring para proteger y darle también una terminación bien brillante. Otras opciones son: Goma Laca Incolora, Laca Vitral Incolora o cualquiera de los barnices Eterna, según el acabado y tipo de protección que deseemos lograr.

“La simpleza de esta técnica garantiza el éxito en el resultado. Solo debemos tener en cuenta la combinación de colores para que el efecto sea agradable a la vista”.

Profesora Adriana Chacón

Tip de Adriana Chacón:

“Si optamos por un soporte plano, no vamos a tener ningún inconveniente –que se vuelque o que no se adhiera la pintura–. En cambio, si elegimos superficies cóncavas, curvas, con formas variadas o caprichosas, debemos tener cuidado cuando la pintura se va acomodando porque se va a acumular en la base y es probable que en la parte superior no quede el efecto deseado. Por eso es recomendable trabajar por partes e ir secando cada tramo realizado”.

Aprovechá estos proyectos para inspirarte

Pintura Abstracta

Vidrios colgantes con Pouring y algo más…

Pouring sobre Joyas

Descargá el Coleccionable Pouring y conoce más proyectos para animarte a crear.

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

Otoño Imperdonable

Otoño imperdonable

Se fue, nos guardamos las hojas y la inspiración.

Con esta postal que despide y, a la vez, retiene algo de esta estación del año, rendimos homenaje al poemario que impulsó a María Elena Walsh como poeta: Otoño imperdonable.

Los exóticos colores de esta época (ocre, amarillo, rojizo, naranja, verde amarillento) se multiplican con la luz especialmente tenue y lateral. En esa #inspiraciónEterna se funda este ejercicio que tiene las hojas como protagonistas: las que ya se fueron, las que intentamos retener a través de la creatividad.

Sublimar hojas reales

Gabriela Campos, redactora (Equipo editorial BLANCO mag).

La estampa por sublimación es un universo de posibilidades, parte del juego creativo y de experimentación implica explorar nuevos recursos para variar el modo de generar estampas.

“Elegí hojas con formas complejas, ya sea para usar individualmente o en conjunto; algunas, incluso, estaban agujereadas. Primeramente, las usé como reservas: se colocan las hojas entre la tela a estampar y el papel pintado con Pintura para Sublimación para que en esa zona la tela no se estampe. Desde esa lógica, hay muchas opciones:recortar una forma de papel pintado que acompañe la silueta de una hoja, volver a utilizar las hojas usadas como reserva del lado que les quedó algo de pintura para generar matices en la estampa, y una variante maravillosa que descubrí en este proceso: usar la pintura para sublimación directamente sobre una hoja –tarda más en secar– y sublimar desde ahí en lugar de usar un papel. El modo en que luego se estampan sus nervaduras es encantador”.

LA CABALGATA
Y regresamos con el mediodía
aromado de trinos y colores.
En la casa, una ardiente algarabía
quebraba el luto de los comedores
donde filtrando atisbos de caireles
el sol caía sobre los manteles.

Pintura para Sublimación:
11. Amarillo Medio, 17. Anaranjado, 25. Rojo Navideño, 35. Verde Manzana, 60. Violeta.

Positivos y negativos en papeles para un collage

Lorena Truchljah, artista plástica (Área de ventas Eterna).

Algunas siluetas son producto de reservas contorneadas con pinceladas de Acrílico Decorativo Premium, otras hojas funcionaron como sellos para texturar. Todo realizado sobre papel de seda y de diario que luego se recortaron para componer un collage.

“Elegí las hojas de hiedra, de forma bien angular y muy característica. A diferencia del verde oscuro que las caracteriza en verano, en esta época del año se vuelven intensamente rojas. Esa gama de colores, combinada con amarillo, es la que utilicé para pintar. Una opción interesante es pintar papeles con pinceladas libres y aleatorias, dejando espacios sin pintar y luego volver a intervenir los papeles utilizando las hojas a modo de sello para darle texturas a los colores. Sobre el diario realicé variaciones: corté la forma de la hoja, la sellé directo y a algunos recortes de diario les di previamente una manito de color aguado. Es una técnica libre que permite realizar una textura en el conjunto”.

CON LA MANO VACÍA
Oh profesión salobre de silencio.
Yo lo he callado todo.
Las palabras me negaron su tránsito oportuno
con un hilo de hierro en la garganta.

Acrílico Decorativo Premium:
13. Amarillo de Cadmio, 17. Anaranjado, 24.Rojo de Cadmio, 31. Borravino y 106. Oro Ducado.

Un nuevo material

Marcela Cánepa, artista plástica (Dpto. artístico Eterna).

Composición tipo collage con superposición de hojas. Una vez impermeabilizado el material, se realizaron teselas útiles para diversas intervenciones: detalles tipo venecitas, mosaiquismo, etcétera.

“Las hojas fueron la búsqueda que motivó varias de mis caminatas por el barrio, aun cuando no sabía qué iba a producir con ellas. Dejé que sus formas y colores me guiaran. Jugué a la superposición (tipo cartapesta) y la textura pensando en armar con ellas un material reutilizable en otras producciones, por ello trabajé en un papel A5, de gran escala. Busqué hojas aún flexibles para poder trabajar mejor sin que se quebraran. Las pegué con multipropósito y luego las prensé durante un día para homogeneizar toda la superficie (para esto coloqué un nylon transparente y peso arriba). Unas manos de Termolina le agregan una película protectora y, a la vez, más flexibilidad. En algunos casos sumé unos toques de brillo con foil laminador”.

OTOÑO IMPERDONABLE
Bajo la risa del verano
giraban mundos de colores.
Entonces era yo tan niña
que no sabía el nombre de las flores.

Termolina, Multipropósito, Foil Laminador

Otoño imperdonable.

La primavera de la autora.

María Elena escribió este poemario recién estrenada su adolescencia y, a los 17, decidió publicar el libro, abonando la edición de su propio bolsillo. Esa publicación fue el pasaporte a la literatura del momento, a las revistas de cultura y a la mirada atenta de autores consagrados de la época con quienes se vinculó desde entonces.

@ojosdemama

Creatividad del hobby al oficio

@ojosdemama

“Me considero creativa. Soy Lic. en Ciencias de la Comunicación, asesora de Comunicación, diseño y marketing digital. Me apasiona el diseño y el arte. Me considero una ‘arriesgada’, tengo ganas de pintar y pinto. Pruebo, mezclo, me equivoco, aprendo y sigo”.

EMPRENDEDORA:
Camila Di Sábato

Instagrammer.

"A alguien que quiere emprender le diría que conecte con su propósito, que descubra realmente cuál es su pasión..."

Cómo comenzó

Comencé la cuenta de maternidad en Instagram con el nacimiento de mi segunda hija. Necesitaba poner en palabras y tamizar en signos las aventuras cotidianas. Con el tiempo, fuimos sumando ingredientes de lo que hacemos en el día a día. Así fue como las manualidades y el arte se convirtieron en un gran foco de la creación de contenido, y en una de las cuestiones más pedidas por las seguidoras a raíz de la pandemia y de la necesidad de entretener a los chicos en casa.

UN CONSEJO

A alguien que quiere emprender le diría que conecte con su propósito, que descubra realmente cuál es su pasión y de qué manera eso puede traducirse en algún modelo de negocio o emprendimiento.

Uso principalmente pintura a la tiza, ya que resulta súper sencillo de aplicar. También acrílicos decorativos, por su increíble intensidad y gama de colores. Y no me puedo resistir a los detalles con la pintura dimensional, me parece que te permiten expandir los límites y hacer diseños más creativos.

Dominar tus pinceladas

Dominar tus pinceladas

Los pinceles artísticos son un mundo en sí mismo (y con gran historia) dentro del arte decorativo: los hay para las tareas rústicas, los hay tan maltrechos que solemos reservarlos para una ocasión más y descartarlos, también hay otros para las expresiones delicadas y detallistas. Aunque el primer impulso sea sujetarlo como una birome o un lápiz, su uso tiene otras complejidades. Acerca de ellas, de las buenas posturas de la mano y la búsqueda de intenciones en las pinceladas, hablamos con Cecilia Aguayo, artista plástica mendocina y profe de Eterna.

BUENA POSTURA

Sujetarlo entre el índice y el pulgar sin que los dedos lleguen a la virola (parte de metal). Esta postura de base sirve para el arte decorativo en general, tanto como para la pintura artística en bastidor.

“Quienes recién comienzan a pintar suelen utilizar el pincel como un lápiz: sujetándolo de la parte baja, bien cerca de las cerdas. Esto limita la soltura de la mano. El acompañamiento con ejercicios de trazo y precisión es súper importante en esta primera etapa, porque suelen ser posturas persistentes”.

EXPRESIÓN

Esta forma de tomar el mango es muy útil para las pinceletas porque permite enfatizar la expresión.

El índice funciona como apoyo y el pulgar permite regular la presión.

LIBERTAD

Perder un poco el control de los trazos te permite obtener una mayor expresividad. Para eso, sujetalo de la última parte del mango así se reduce la precisión con el objetivo de trabajar líneas sugerentes. Sin dudas, es un gran desafío para implementar en tu pintura artística. ¡Animate al bastidor!

Los preferidos de Cecilia y para qué los utiliza

Estas herramientas, aliadas de nuestras pinturas, tienen múltiples formas y tamaños para acompañar cada trazo a lograr.

“Angular, ideal para la técnica en una sola pincelada”.

“¡Una de las más queridas! Pinceleta recta de pelo sintético para pintar fondos. Está viejita, pero es irremplazable”.

“Liner de pelo largo y corto, para pintar detalles y realizar trazos con precisión”.

“Este pincel recto n°20 es de los que más quiero, lo llevo a todos lados porque lo utilizo para rellenar zonas”.

“Lengua de gato, ideal para esfumar bordes y realizar sombreados”.

“Redondos, son muy versátiles para detalles y realizar líneas”.

Mirá estos consejos para mantener en condiciones tus pinceles

Arte y salud

Arte y salud

FUNDACIÓN ROSSI
Campañas desde la expresión artística

Reproducir vídeo

El 31 de mayo pasado, en el marco del Día mundial sin tabaco, la Fundación Rossi -con el apoyo de Pinturas Eterna- convocó a la artista Belén Gesualdo para realizar una obra que refleje los riesgos que supone el tabaquismo para la salud, considerado como la principal causa de muerte previsible a nivel mundial.

La Fundación Dr. Enrique Rossi nació el 30 de Julio de 1999 en honor al reconocido doctor y fundador del centro médico homónimo. Desde su creación, realizó un fuerte trabajo social y actividades de responsabilidad social, “afianzando cada día el compromiso que nos une con la comunidad”, nos cuenta su directora, la licenciada Agustina Rossi.

La expresión artística, en sus múltiples disciplinas, es el marco que la fundación eligió para impulsar las campañas que tienen como objetivo final la prevención y concientización sobre diferentes enfermedades y patologías. Desde hace dos años, Pinturas Eterna apoya esta labor con la donación desus productos. Los colores y materiales acompañan a los artistas en la realización de las obras.

“Desde hace diez años realizamos campañas de prevención de la salud a través del arte. Creemos que es una forma de comunicar la información desde un lugar que genera aperturas y percepciones positivas. En ello se basa la Fundación Rossi para elegir el arte como lenguaje capaz de hacer llegar los mensajes de prevención de diversas patologías a la mayor cantidad de gente posible”, cuenta la licenciada Mariana Yussen, a cargo de los proyectos de arte y salud.

“Las campañas las propone la directora, Agustina Rossi y, en función de ello, diseñamos un programa anual de acciones de arte y salud. Luego elegimos a los artistas que tienen posibilidades de transmitir nuestros mensajes de prevención de la salud con un discurso plástico propio. El objetivo es potenciar la comunicación y a la vez poder ofrecer con laobra un aporte a la contemplación estética y al disfrute de los sentidos del público receptor”, concluye Yussen.

¿Cuánto tiempo y cómo queremos vivir?
Esa es la pregunta que debemos hacernos para tomar valor de nuestro cuerpo. Nuestra conciencia sobre nuestra salud es lo que nos va a dar ese tiempo y calidad de vida. Está en nosotros cuidarnos y valorarnos. Expresó la artista visual Belén Gesualdo acerca de su obra titulada Concientización, que busca transmitir conceptualmente la sensación de invasión y enfermedad que ocurre dentro del cuerpo al inundarse de humo.

Una pava de aluminio convertida en enlozada

Una pava de aluminio
convertida en enlozada

“Me encanta darle nueva vida a los objetos que antes se descartaron. Y tengo debilidad por las pavas, las he pintado con infinidad de técnicas”, afirma Teresita Burghi, profesora de pintura y artista plástica.

Para crear el efecto enlozado en uno de sus objetos preferidos, Teresita explica que primero “hay que asegurarse de lavarlo bien”. A continuación, una vez que la pava está seca, usar la esponja para darle dos manos de chalkpaint color nieve (01), “dejando secar bien entre mano y mano”.

Para la imitación del cachado, el paso siguiente, la profesora aplicó acrílico 99. Negro con una espátula. “Se coloca de arriba hacia abajo, tomando con la espátula la pintura y apoyándola en distintas direcciones”. Así se logran manchas irregulares en diferentes partes de la pava. “Ojo, ¡no deben ser todas iguales ni estar a la misma altura!”, advierte.

“Luego, conviene que alrededor de las manchas más grandes se use la técnica de pincel seco con 78. Ocre y un poquito de 85. Tierra Siena Tostada, generando así el efecto del óxido”. Para esto, se carga el pincel con la pintura y se descarga muy bien en una servilleta de papel. Se aplica dando la vuelta alrededor de cada mancha con muy poco producto y esfumando hacia afuera.

Una vez que esta etapa está terminada y seca, resta hacer el decoupage. Teresita cortó con la mano un diseño de flores que tienen fondo blanco y les sacó las dos partes de atrás de la servilleta. Después pinceló con muy poco adhesivo y barniz para decoupage sobre la superficie donde luego apoyó el papel. Con una bolsita de nylon presionó del centro hacia afuera muy suavemente, para que no se rompa. Este procedimiento lo repitió en varias partes de la pava.

Una vez que las figuras están pegadas y secas, volvió a pintar con pinceleta una capa de adhesivo y barniz desde el centro de la servilleta hacia afuera, “pasándome un poquito para que queden bien pegados los bordes”. Dejar secar y terminar con dos manos de barniz general brillante para resaltar bien el enlozado.

“Uso siempre los productos de Eterna porque realmente son de una calidad superior a cualquier otra marca; permiten que los trabajos queden espectaculares y, sobre todo, que duren en el tiempo”.

Teresita Burghi

Wilde, Prov. de Buenos Aires

Profesora con taller propio (por la pandemia está dando clases virtuales) y artista plástica.

Casitas que enamoran

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Casitas que enamoran

Con la técnica de cartapesta y la delicadeza decorativa de Nora Menzel, te invitamos a crear estas casitas. Son ideales para atesorar y para hacer en familia.

Listado de Materiales

Chalk Paint: 01. Nieve, 04. Vainilla, 15. Calabaza, 47. Celeste Batic y 99. Grafito.
Adhesivo y Barniz para Decoupage Flexible.
Acrílico Decorativo Premium: 02. Blanco cálido, 26. Fucsia y 66.Verde Country.
Barniz Extramate CKP

Herramientas & Otros materiales:

Cartón (de caja de alimentos o gris prensado de 1 o 2 mm), tijera, regla, pinceles, cinta de enmascarar, papel de diarios.

1. Realizar la estructura en cartapesta.

La técnica es súper simple y útil porque permite convertir papeles y cartones en estructuras más o menos fuertes. Para ello, Nora dio forma al cuerpo de la casa con cartón (reciclado o gris de 1 o 2 mm) y luego hizo el refuerzo del conjunto.

Capa sobre Capa: la técnica es una superposición de recortes de papel (ideal que los que no tienen acabado brillante), Adhesivo y Barniz para Decoupage Flexible.
Cuantas más capas, mayor solidez.

1. Marcá con lápiz y regla la figura de las partes de la casa.
Podés descargar el boceto con las medidas acá.

2- Cerrá las partes y unilas con cinta de enmascarar (al ser de papel no entorpece la técnica).

3- Recortá tiritas de cartón para realizar puertas, ojo de buey (también puede ser una chimenea).

4- Comenzá a forrar la forma con pedacitos de papel de diario pegados con Adhesivo Barniz para Decoupage. Entre capa y capa de papel aplicá una de Adhesivo y dejá secar un ratito.

2. Pintar las casitas.

Una vez que tenés lista y bien seca la estructura, podés pasar a la intervención. Si son varias, te conviene pensar en mostrar diversidad de colores para que se luzca el conjunto.

Nora trabajó las paredes de las casas con Chalk Paint (de acabado extra mate) y para realzar algunos detalles (flores, por ejemplo) utilizó Acrílico Decorativo Premium que tiene más brillo.

1- Primero el blanco. Cualquiera sea el color definitivo de las paredes, primero pintá una o dos manos con Chalk Paint 01. Nieve para igualar la superficie y eliminar los rastros del papel impreso.

2- Terminá de pincelar toda la superficie de la casita. Si alguna parte llevará negro o un tono muy oscuro podés prescindir de la pintar con blanco.

3- Nora eligió para el techo el 99. Grafito, un negro muy, muy mate.

4- Con ese mismo color, pero con espátula, remarcá las esquinas y bordes para simular un descastado.

5- Detalles en Acrílico Deco. Para que vibren más los colores, Nora trabajó algunas zonas de realce, por ejemplo, la puerta.

6- En el frente, pincelá círculos de color fucsia muy livianos y unas hojitas en verde para realizar las flores.

7- ¡Listo! Podés proteger todo con una mano de Barniz ExtraMate CKP tu primera casita. ¿te animás a amar un barrio con diversas formas, estilos y colores?

Nora Menzel

Dicta clases de pintura decorativa, reciclado de muebles, collage, cartapesta, decoupage, experimentación y creatividad en su taller de Palermo, Villa Crespo.

NIVEL DE DIFICULTAD
¿Cuál le asignás?

Principiante | Creativo | Arriesgado

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Encintar y mantener 100% la prolijidad

Encintar
y mantener 100% la prolijidad

La cinta de enmascarar es una aliada indiscutible del quehacer cotidiano en el arte decorativo. Te contamos algunos secretos de su uso para que la pintura y otros materiales artísticos se mantengan “a raya” justo donde quieras marcar el límite.

El uso de la cinta de papel (también llamada de enmascarar o cinta de pintor) te permite resguardar determinadas zonas de trabajo a las cuales no querés que llegue la pintura u otros materiales. No solo permite realizar una buena terminación: a veces facilita la composición de un trabajo en varias capas de pintura con diversos sectores de color; otras, permite organizar tramas geométricas o establecer un juego de reservas. Su uso en pos de esta prolijidad requiere práctica y algunas consideraciones para que este objetivo no se vea “manchado” al momento de retirarla.

Algunos secretitos basados en la experiencia, los tipos de materiales artísticos y el objetivo creativo, para cuidar esos límites:

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Siempre en fresco

La regla número uno para cuidar la prolijidad es quitar la cinta cuando el material que usaste (pintura o cargas densas) está húmedo porque todavía conserva su elasticidad, no se cuartea con el traccionar de la cinta al despegarla y evitás que se levante en bloque de las zonas que precisás que queden intervenidas.

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Pinturas aligeradas con glaceador
o muy acuosas

Siempre hay un lado de la cinta que está más en contacto con la pintura y es el que precisás que se delimite bien; repasalo con una goma de borrar antes de pintar. Esto refuerza su adherencia solo en esa zona y la deja más liviana del otro lado para cuando debas despegarla.

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Materiales espesos
(como la línea de Texturas o el Gesso)

Al ser más densos que otros, como Pintura para tela, Esmalte Acrílico o Acrílicos decorativos, se vuelve más importante quitar la cinta con el material aún fresco. Pero… puede suceder que te olvides. En ese caso apelá a la paciencia y esperá varias horas a que esté completamente seco y, antes de despegarla, repasá el borde de la cinta con un cutter y la ayuda de una regla. Esto debilitará el material en esa zona y evitará que se levante al despegar la cinta.

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Herramienta compañera

Si precisás delimitar o reservar un recuadro o triángulo con cinta, ayudate con un cutter ancho para cortar las uniones o los ángulos. Este también te sirve para levantar la cinta al momento de despegarla.

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Tipo de cintas

Hay cintas de enmascarar plásticas (de colores) y comunes de papel. Las primeras tienen un poco menos de adherencia, sirven para los productos espesos o pastas que tienen más cuerpo, pero son candidatas a las filtraciones cuando utilizás pintura o vas a realizar glaceados.

La Yapa

En el quehacer artístico todo puede tener una aplicación creativa. El objetivo de reserva de la cinta de enmascarar puede servir como recurso para esas zonas sean las que formulen un diseño o composición. Además, podés jugar con distintos espesores de líneas y hasta con terminaciones diferentes: por ejemplo, si en lugar de respetar su canto lineal cortás la cinta con la mano generando desgarres e irregularidades.

Gracias a la profesora Lidia González Varela por acompañar algunos de estos consejos.

Recuperar marcos viejos

Recuperar marcos viejos

Los marcos rescatados del desván, los mercados de pulgas o casas de antigüedades tienen un encanto único y son materia prima ideal para la decoración creativa. El secreto parece estar en trabajar sobre una base fortalecida para luego aportar una buena estética y color.
Pero… ¿por dónde empezar?

Dos profes del staff de Eterna comparten sus trucos y algunas consideraciones que las llevan a buen puerto al momento de trabajar con marcos.
Te contamos cuáles son… el despliegue de creatividad, ¡te toca a vos!

Lidia González Varela

Es especialista en pátinas y una de sus principales enseñanzas es partir siempre de una buena base (suave, sólida y bien sellada) para que se luzca bien la intervención decorativa. A diferencia de otros objetos, los marcos requieren decidir si el objetivo es reciclar o restaurar. “Son dos cosas muy distintas: la primera implica una transformación en algo nuevo; la segunda, renovar su estado conservando sus características estéticas de origen, por ejemplo: si el marco estaba dorado a la hoja y queremos reproducir esa estética”, explica.

Entre sus tips para trabajar con marcos recomienda hacer una pequeña check-list:

El uso: si será para enmarcar una pintura (de estilo), si vas a colocar fotos o si solo querés recuperarlo y después elegirle su función.
Lugar de destino: cómo es el ambiente en el que lo vas a disponer, los colores que predominan y el estilo de decoración.
Elementos necesarios: al momento de recuperar marcos viejos son esenciales algunas herramientas –comunes a la carpintería–. Todo dependerá del estado de “salud” del marco, pero mis infaltables son: lijas o lijadora, martillo, clavos y engrampadora, cola de carpintero, masilla (para rellenar o para hacer moldes), espátulas y cepillos, decapante o pistola de calor para remover restos de pintura vieja. Al momento de realizar las pátinas son muy útiles los trapos de algodón, los estropajos de aluminio tipo Virulana y los guantes.

Dos técnicas bien distintas

Cubrir completamente una pátina con Chalk Paint

Dejar rastros de un brillo antiguo

Gabi Orio

Para Gabi recuperar marcos implica tomar la decisión de rescatar una buena madera y que vuelva a relucir, o hacer borrón y cuenta nueva con una técnica que la cubra, ya sea porque la madera de base no es buena o porque está sumamente deteriorada.

“Si considero que vale la pena el trabajo de rescatarla:

Raspo con espátula, trozo de vidrio grueso, Virulana, lijas de distintos grosores desde el grano más grueso a fino, para retirar pinturas viejas.
Si falta algún trozo de moldura, la reemplazo modelando con porcelana fría u otro material acorde.
Sello el marco con goma laca en escamas (mezclada con alcohol) para evitar que los tintes afloren.
Finalmente pinto con Chalk Paint y pátina con alguno de los tonalizadores. También puedo optar por lucir la madera al 100% y simplemente proteger, realzar y lustrar con cera CKP”.

En cambio, si el marco está muy deteriorado o no es de calidad, “opto por aplicar una mano de Base de Adherencia para asegurar un buen anclaje de la pintura, dar una mano de base (Base Acrílica o Chalk Paint)”.

Entre las técnicas que prefiere usar para decorar y cubrir a la vez elige realizar entelados, forrados de papel madera, decoupage en determinadas zonas (todos pueden hacerse con Adhesivo y Barniz para Decoupage Flexible). Sobre estos, luego puede pintar con Acrílico Decorativo Premium. (detalle de la foto)

Cajas de cartón decoradas

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Cajas de cartón decoradas

Con técnica y color tus cajas pueden transformarse en hermosos contenedores de ropa, apuntes, materiales para el taller o elementos de cocina. Melina Tosi te cuenta los pasos para renovar estos elementos cotidianos y reciclables con tu propia onda.

Listado de Materiales

Base Acrílica:
01. Blanco de Titanio

Adhesivo para decoupage flexible

Acrílicos Decorativos Premium:
11. Amarillo Medio, 20. Coral, 26. Fucsia, 47. Celeste Bahía, 99 Negro.

Barniz y diluyente satinado

Herramientas & Otros materiales:

Caja de cartón para reciclar, Papeles de revistas con letras, Pinceles: una pinceleta, un pincel chato o angular Nº 4 o Nº 6 y un linner, Tijera, Rodillo, Manijita (puede ser artesanal o comprada… se puede usar un cordón, una tira de cuero, de plástico, etc.).

1. Preparar la base.

Convertir la caja elegida en un buen soporte de trabajo para volcar tu creatividad implica tomar decisiones sobre el formato y también sobre el color, fundamentalmente para que elimine los rastros de impresiones y marcas originales.

CARTÓN: un material súper noble para reciclar. Las cajas están a mano, podés elegir distintos tamaños y grosores de cartón según necesites; además, siempre es útil tener algún espacio de guardado.

1- Súper importante: eliminá los restos de etiquetas o cintas plásticas porque entorpecen la adherencia de los materiales.

2- Pegá las solapas del fondo de la caja con una generosa capa de Adhesivo y Barniz para decoupage flexible.

3- Reforzá las uniones con cinta de papel (es muy importante que sea de papel y no scotch).

4- Si es el formato que elegiste, podés quitar las tapas superiores. También podés doblar hacia adentro dos de ellas para reforzarlas al colocar una agarradera.

5- Base Acrílica, súper noble: tiene una muy buena consistencia para emparejar superficies de trabajo. En este caso cubre completamente las impresiones del cartón.

6- Aplícala con rodillo en toda la caja, salvo el interior.

2. Decorar: decoupage + pintura de motivos.

Melina eligió recortes de revista de letras pequeñas, uniformes y con fondo bastante blanco para que conformaran una textura de base que no invadiera el protagonismo de las flores pintadas con Acrílico Decorativo

Decisiones de papel
El papel es un material frágil, pero aplica el refrán “la unión hace la fuerza”: además de ser bello para la decoración, la superposición combinada con el adhesivo hacen más resistente la superficie.

1- Pincelá con Adhesivo y Barniz para Decoupage Flexible la superficie de la caja, pegá uno a uno los recortes y repasá los bordes con el mismo adhesivo para evitar que se levanten.

2- Pegá los recortes superponiendo algunas zonas y en distintas direcciones para generar un efecto textura. A medida que los colocás, pincelá las uniones con el adhesivo.

3- Dejá un margen en los recortes del borde para emprolijar con tijera, doblar y pegar hacia adentro para darle una buena terminación. Dejá secar.

4- Dispone algunos colores de Acrílico en tu paleta y dibujá manchas, siluetas o figuras geométricas (Melina eligió tonos vibrantes para realzar su intervención).

5- Realizá esta intervención con pincel chato en todas las caras de la caja. Una sola mano alcanza.

6- Dejá secar un buen rato para que la pintura no se corra en el siguiente paso.

7- Con un pincel liner y Acrílico Negro vas a trabajar las siluetas (tallos, formas de flores y hojas).

8- Las líneas negras realzan el diseño y dan forma a los colores aun cuando no siguen exactamente sus bordes.

9- Con una pinceleta aplicá una mano de Barniz y Diluyente satinado para proteger todo el trabajo.

10- Agarradera para tu cajón de guardado: Melina recicló un palito de helado para realizarla con fines decorativos.

11- Vos podés elegir otros materiales: soguitas, cordones, plásticos, etcétera. ¡Según la funcionalidad de tu caja!

Melina Tosi

Es profesora de arte y dicta clases de pintura, decoupage, falsos acabados, reciclados, en su propio taller de Venado Tuerto, Santa Fe.

Círculo cromático: entre la teoría y la magia

Círculo cromático:
entre la teoría y la magia

Creado por Isaac Newton en el siglo XVII, este dispositivo sigue siendo esencial para artistas y diseñadores. Repasamos su origen y actualidad.

En la escuela aprendemos los colores primarios y jugamos a mezclarlos para generar nuevas tonalidades. La sensación es absolutamente novedosa: delante de nuestros ojos los cambios parecen mágicos. Lo cierto es que esta impresión se explica primero por un proceso físico revelado luego de un experimento que Isaac Newton realizó alrededor de 1666.

Para investigar las cualidades de la luz, el científico inglés situó un prisma de vidrio en una habitación completamente a oscuras, pero que contaba con un orificio por el que hizo atravesar un haz de luz. Al pasar de un medio a otro de distinta densidad, la luz se descompuso en infinidad de rayos simples de distintos colores. Luego, hizo pasar los haces descompuestos de la luz solar por un segundo prisma, pero esta vez invertido, con el que volvió a obtener un único haz de luz monocromática.

Esta investigación dio origen al círculo cromático, una figura con franjas de colores primarios, secundarios y terciarios que, al girar a gran velocidad, produce como efecto óptico la aparición del blanco.

Como era de esperarse, con el tiempo este instrumento se fue perfeccionando. Como explica la profesora Betina Ferrara, “el círculo cromático representa cómo se divide la luz, pero al tratar de reproducirlo con pintura es distinto. Por eso, aunque mis alumnas protesten, les hago hacer el círculo cromático; porque no es lo mismo verlo que formarlo. Hay que entrenar el ojo para poder ver las distintas variaciones del color”.

Los colores primarios son el rojo, el amarillo y el azul e integran una franja del círculo. Son el fundamento fisiológico de la teoría del color porque los percibimos cuando la luz impacta en nuestros ojos y no pueden crearse a partir de la combinación de otros pigmentos.
Le siguen los colores secundarios: verde, naranja y violeta. Estos se obtienen de mezclar dos colores primarios por partes iguales. En tanto, los colores terciarios son una mezcla de colores primarios y secundarios, por eso son más sofisticados y ofrecen un enorme abanico de matices.

A medida que fue complejizándose, surgieron dos modelos de círculos cromáticos. El conocido como RGB (rojo, verde y azul) y el CMY (cyan, magenta y amarillo), por sus siglas en inglés. Según Betina, la manera más fidedigna de alcanzar estos colores con pinturas es utilizando rojo de cadmio, azul ultramar y amarillo medio para el primer esquema, y cyan, magenta y amarillo medio, para el segundo. “Pueden emplearse acrílicos decorativos premium o profesional. Estos últimos son unipigmentarios y dan mezclas más certeras”, asegura.

En lo que respecta a la utilidad del círculo en el taller, la profesora explica: “Al estar los colores organizados siguiendo un orden, se puede trabajar con diferentes armonías cromáticas. Por ejemplo, opuestos complementarios: rojo, verde, amarillo, violeta, azul, naranja”. Y detalla: “El par se forma por un primario y un secundario que no lleva ese color primario en su composición. Por caso, el naranja es el complementario del azul, porque se forma con amarillo y rojo y el único primario que no participa de su formación es el azul. En el círculo están enfrentados”.

Bettina señala que otro tipo de armonía posible se consigue usando colores análogos, es decir, vecinos en el círculo cromático. “Los que están cerca, tomando como referencia un color. Volviendo al ejemplo del naranja, hacia un lado está el naranja amarillento y hacia el otro el naranja rojizo. También se puede jugar con el complementario dividido. En ese caso, ubicamos el complementario (naranja) por lo que los adyacentes son los que están hacia ambos lados del azul: el azul violáceo y el azul verdoso”.

Las cualidades del color son el matiz, la saturación y el valor. “Al tener en cuenta el círculo se puede variar estas cualidades en función de lo que necesite mi trabajo”, señala Betina sobre el por qué considera tan importante que sus alumnas conozcan de primera mano esta herramienta. Y da un ejemplo concluyente: “Si un color me resulta demasiado vibrante o intenso, puedo agregarle una pizca de su complementario y bajarle la intensidad. Muchas veces se cae en el error de agregarle blanco, pero solo se consigue volverlo pastel o enfriarlo”.

Practicá tus mezclas y aplica tus primeros pasos en este Proyecto.

Provocar una interacción con el espectador

“Mi intención es provocar una interacción entre el retrato y el espectador”

Nahiara Beiras Rivera

Nani tiene 17 años y es retratista. En 2018, su carrera artística tomó impulso casi por casualidad cuando la invitaron a participar de una muestra de arte en el Espacio Cultural Adán Buenosayres: “Recuerdo que tenía los retratos en un cuaderno, y tuve que quitarlos, prepararlos y enmarcarlos para poder presentarlos en esa primera expo que surgió muy repentinamente. Esa hermosa oportunidad fue una gran sorpresa”.

Desde entonces, sus obras se exhiben en diferentes eventos de arte, espacios culturales, galerías y festivales presenciales, así como en exposiciones virtuales. “Amo lo que hago y disfruto mucho al hacerlo, pero lo más gratificante es poder compartir mis obras con los demás, recibir su devolución y saber que pueden captar el mensaje a través de ellas”.

Su admiración por el arte y con intención de dar apoyo a otros artistas, Nani lanzó en plena pandemia NART: un espacio en Instagram de promoción de arte y artistas de diferentes disciplinas, que recientemente sumó una exposición virtual internacional y colectiva. “La meta más importante es, cuando la situación lo permita, poder también organizar exposiciones presenciales”, anticipa Nahiara y se predispone a contarnos más sobre su proceso creativo.

¿Qué es lo que más disfrutas del proceso creativo?
Cuando empiezo a planificar la obra, cuando me la imagino con todos sus detalles, cuando comienzo a construirla en mi mente. Me sucede que estoy trabajando en un retrato y ya estoy pensando en el siguiente, cuando todavía no terminé con el que estoy.

¿Cómo es tu rutina, cómo surgen los momentos de inspiración?
Me gusta pintar en la calidez de la cocina de casa, con la compañía de mi mamá, entre charlas, mates y un poco de música.
La inspiración surge de los colores, de obras antiguas, de ambientaciones o atmósferas que me cautivan y que descubro en películas, videos musicales, videojuegos, entre otras cosas.

¿Cómo te nutrís actualmente para crecer como artista?
Con la observación, la experimentación y el trabajo sobre conceptos, tras los mensajes que pretendo transmitir.
Aprendí a observar mucho más detenidamente cada detalle de los rostros para lograr mejores resultados.Me gusta experimentar con diferentes materiales, como por ejemplo, fusionar la pintura acrílica con los lápices pastel, trabajándolos sobre madera o sobre papel.

“Estoy fascinada con la gran variedad de colores de los Acrílicos Eterna.
Ellos me inspiraron a crear mis obras y series basándome en cada uno de los tonos, así que próximamente podrán ver cómo mi feed de Instagram transita del negro al blanco, para ir pasando por cada uno de los hermosos colores de su paleta, manteniendo siempre presente el Acrílico Profesional Oro Ducado, que es mi preferido”.

¿Cómo surgen tus personajes?
Creo mis personajes a partir de la transmutación de su imagen, dentro de un concepto, dando origen a una composición que pretende emanar sentimientos y reflexiones. Mi intención es provocar una interacción entre el retrato y el espectador, donde cada persona que observe mis obras pueda percibir en ellas un mensaje positivo, de aliento, de coraje, de esperanza y, quizás, también identificarse o poder relacionarla con una experiencia cercana.

¿En qué estás trabajando actualmente?
Estoy trabajando en dos nuevas series: “Etérea” -compuesta por dos retratos en formato mediano, realizados con Pinturas Eterna y lápices pastel sobre madera-, y otra
integrada por cuatro pequeñas obras trabajadas sobre papel

¿Qué repercusión tuvo NART hasta ahora?
¡Mucho mejor de lo que imaginamos! Con una hermosa devolución de los artistas y de las personas que disfrutan del arte.
También estamos recibiendo el apoyo de importantes marcas, entre ellas Pinturas Eterna,que nos alienta a continuar trabajando, generando nuevas ideas para mejorar su funcionamiento y poder brindar una mayor difusión.

¿Cómo imaginás tu proyección artística?
Continuando con las creaciones de mis retratos, para crecer y evolucionar en mi arte, y trabajando para que NART pueda llegar más lejos, ofreciéndoles a los artistas la oportunidad de participar también en exposiciones presenciales.

Las Pinturas Eterna le aportan una bonita textura a mis retratos logrando un delicado acabado, me permiten trabajar con técnica mixta de excelente manera y sobre diferentes superficies, tanto en mis obras como en los marcos.
Las diferentes consistencias entre los Acrílicos Decorativos (más ligeros) y los Acrílicos Profesionales (más consistentes) me ayudan a lograr perfectamente la terminación deseada para cada detalle.

Maridajes 2021

porHerminia Devoto

HOY...

Maridajes 2021

Entendido como la unión íntima o armoniosa de dos cosas entre sí, el maridaje cobra protagonismo entre las tendencias actuales de decoración y diseño con distintas combinaciones que potencian las cualidades individuales de sus componentes.

La propia consultora Pantone sorprendió al señalar como colores 2021 dos tonos que unidos envían un mensaje de fuerza y esperanza: Ultimate Gray e Illuminating. Una combinación que inspira a la introspección, intuición y sabiduría. A la vez que nos propone la resiliencia como camino para explorar nuevas formas de pensamiento y acción.

Ultimate Gray es un tono gris neutro que da sensación de seguridad y confianza, evoca las rocas y elementos naturales. Es un color tranquilo que da sensación de estabilidad y resiliencia, tal como nos cuentan desde la sección Color en Blanco Mag.

Illuminating es un tono amarillo vibrante y efervescente, cálido, que nos recuerda que el sol siempre está —a pesar del encierro— con su energía infinita, que nos ilumina, inspira e invita a la acción.

Una buena combinación para sentirnos animados y reconfortados valiéndonos de los colores y su capacidad para representarnos, renovarnos y darnos energía.

Este año también deberemos prestar atención al maravilloso estilo JAPANDI: una mezcla de dos estilos que adoro. Una propuesta que representa fielmente la idea de que “menos es más”.

Japandi es la fusión de las palabras inglesas japan y scandinavian. Esta tendencia, que surgió alrededor del año 2017, combina dos estéticas: el zen japonés y el estilo nórdico-escandinavo. Maravillosa mezcla. Es un look minimalista y cálido a la vez que apuesta a lo natural, con muebles fabricados con maderas claras, adornos hechos a mano. Se utilizan fibras naturales, telas de lino, rattan. Los colores son neutros —predominan el beige, blanco o gris— con leves toques de color, preferentemente en tonos pastel fríos.

Hay algunas variantes que admiten muebles en colores oscuros y algunos colores pasteles como el verde, esencial para crear armonía.

Luego del complejo 2020 que nos tocó transitar, estos maridajes nos confirman cuán importante es aunar esfuerzos para salir fortalecidos, nos proponen despojarnos de lo que no necesitamos para avanzar. Hagámonos eco.

Reloj realizado por la profesora Arquitecta Lidia González Varela
que combina técnicas y productos Eterna.

www.manosalaobra.tv

Herminia Devoto

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/ManosalaObraTV

Marmoleado para tus papeles

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Marmoleado para tus papeles

Te vas a enamorar del marbling: un flotado de colores acrílicos que trabajás primero sobre líquido y luego estampás en tus papeles. Ideal para generar diseños libres y patrones.

Listado de Materiales

Acrílicos Decorativos Premium:

01. Blanco de Titanio, 29. Magenta, 49. Cian, 183. Verde Flúo

Herramientas & Otros materiales:

CMC (carboximetilcelulosa, se consigue en reposterías. 50 gramos), alumbre de potasio o sal fina, 1 litro de agua destilada (o de canilla), batea (puede ser una asadera), licuadora, sal fina, papeles de 100 gramos en adelante, pinceles finos, recipientes para mezcla, goteros/pipetas, palitos de brochette, punzón, papel de diario o papel para reutilizar, cordel y broches, trapos húmedos, servilletas para limpiar, hilo encerado.

1. Preparar todos los líquidos.

El marbling o marmoleado requiere algunos preparados químicos que nos permitirán desarrollar la técnica: primero sobre el agua, luego sobre el papel. Gonzalo te guía en el proceso.

1- Colocar 1 cucharadita colmada de CMC (7g. aprox.) en 1 litro de agua (de canilla o destilada) y mezclar durante 1 minuto en licuadora o mixer.

2- Colocá la mezcla en una batea y dejá reposar 12 horas.

3- Buscá otro recipiente para llevar a la hornalla: Colocá 2 cucharas soperas de Alumbre de Potasio (o sal fina) en ½ litro de agua, revolvé bien (no hace falta que hierva). Cuando se enfríe, envasalo.

4- ¡Usá guantes!: embebé una esponja en el preparado de Alumbre y repasá bien toda la superficie de los papeles que vas a estampar (esto generará mordiente y realzará los colores.

5- Luego juntá dos papeles humedecidos cara con cara y dejá reposar con un peso arriba (una plancha por ejemplo).

6- ¡Hora de preparar colores! Colocá en un recipiente un poco de Acrílico Deco (1 cucharada).

7- Agregá agua con una jeringa hasta lograr una consistencia tipo yogur. Asegurate de tener un recipiente por cada color. Pese al agregado de agua, sus nobles pigmentos permanecen intactos para lucirse en la técnica.

CMC (carboximetilcelulosa)
Es un espesante que se utiliza en la repostería. Al mezclarlo con el agua cambia su densidad para que la pintura flote sobre ella. Conserva hasta 1 semana su densidad.

2. Diseñar con los colores flotados.

Antes de trabajar el diseño es esencial chequear los colores en un recipiente con un poco de la base acuosa.
Tené siempre presente que se cumplan estas condiciones:

1- Si tu prueba estuvo Ok, Gonzalo te cuenta cómo expresar tu creatividad en la batea.

2- Comenzá colocando un color en la batea con la mezcla de CMC: unas gotitas de Magenta en este caso. Y esperá que se expandan por la superficie. Con el dorso del pincel depositá unas gotas del color Cian (para que contraste) en algunos lugares de la superficie.

3- Una vez que se generaron las aureolas, podés gotear alternadamente otros colores. Se formarán círculos concéntricos.

4- Ahora, ¡a crear! Con un palito de brochette podés ir corriendo los círculos originales para que empiecen a deformarse.

5- Con una pipeta, agregá la pintura blanca en los bordes y esperá que se expanda. Los colores se irán juntando en el medio.

6- El blanco ganará lugar (podés acomodar tu mancha suavemente ayudándote con un palito).

Check list

La pintura debe flotar.
Los colores no se mezclan entre sí.
Al caer en el agua, se expanden.

3. Estampar tus papeles.

Ya obtuviste el patrón que querías en la batea es hora de llevarlo al papel. ¿Ya pensaste cómo vas a usar tus estampas únicas? Encuadernar, forrar, usarlo como guarda de marcos, sobres, estuches… hay múltiples opciones para experimentar y mucha variedad en la carta de colores de Acrílico Decorativo Premium.

1- Muy importante antes de estampar: fijate que no haya burbujas en la pintura. Si hubiera, pinchalas con un alfiler (de lo contrario explotarán sobre el papel).

2- Tomá uno de los papeles alumbrados, apoyalo suavemente desde una esquina sobre el flotado y bajalo con cuidado hasta que quede completamente apoyado sobre la pintura.

3- Unos minutos después, levantalo despacio desde una esquina.

4- Aguardá que chorree el agua, colocá tu mano en el dorso para pasar a la batea siguiente que contiene agua de la canilla, 100% limpia para el enjuagado.

5- Colocá la parte de la estampa sobre el agua limpia de la otra batea. Este es un proceso de limpieza. ¡Vas a ver cómo vibran los colores del acrílico en la estampa!

6- Una vez que lo levantás, colgalo del cordel y sujétalo con broches hasta que esté completamente seco. Para que quede liso de nuevo, Gonzalo te sugiere prensarlo 24 horas: extenderlo horizontal y colocarle peso arriba.

7- Antes de volver a colocar pintura para un nuevo diseño, barré suavemente con un recorte de papel los restos de pintura que hayan quedado flotando.

8- Ahora sí. Comenzá por las aureolas y mirá esta variante: Gonzalo deslizó los centros de las aureolas en una misma dirección con un palito.

9- Mirá las V de colores vibrantes que se formaron.

10- En este caso, generó movimientos tipo ondas con varios palitos de brochette sujetados a un travesaño (tipo peine). El resultado fueron estas olas de colores.

11- Ahora te toca a vos experimentar tus propios diseño y la paleta de 95 colores de Acrílico Deco.

Tu espacio listo.

Disponé de cordeles y broches para colgar las estampas. Además, Gonzalo te sugiere que tengas a mano trapos húmedos y nylon para resguardar tu taller.

Gonzalo Gianotti

Artista y artesano, pinta, escribe, dibuja, diseña objetos artísticos y se especializa en la técnica de marmoleado de telas y papeles. Brinda talleres sobre estos temas.

www.gonzalogianotti.com.ar

Banco recuperado, para la contemplación

Banco recuperado,
para la contemplación

Caminando por la calle, Rossana encontró un banco en muy mal estado.
“Siempre me pareció interesante reciclar, poner en valor los objetos. Pensar en su historia y volverlos a utilizar. Es un desafío que me gusta afrontar”, explica, y es por eso que decidió tomarlo y renovarlo por completo.

Primero lo lijó, pero la pintura verde no salió del todo. “Le pasé un paño húmedo y le di dos manos de pintura Chak Paint (01. Nieve): la primera con esponja y la segunda con pincel”.

A continuación, recortó diseños florales en servilleta de papel y los adhirió con Barniz y diluyente satinado.

“Con los Acrílicos decorativos 55. Turquesa, 68. Verde Talo y 99. Negro dibujé a mano alzada ramas y hojas para completar el diseño y le realicé un flotado a las flores. Por último, le di dos manos de Barniz satinado a todo el banco para protegerlo”.

Hace muchos años que utilizo los productos Eterna por su calidad, tanto la línea decorativa como la profesional.

Rossana Münger

Venado Tuerto, Provincia de Santa Fe

Es artista plástica y desde hace más de 20 años se dedica a difundir los derechos de los niños a través de su obra.