Dominar tus pinceladas

Dominar tus pinceladas

Los pinceles artísticos son un mundo en sí mismo (y con gran historia) dentro del arte decorativo: los hay para las tareas rústicas, los hay tan maltrechos que solemos reservarlos para una ocasión más y descartarlos, también hay otros para las expresiones delicadas y detallistas. Aunque el primer impulso sea sujetarlo como una birome o un lápiz, su uso tiene otras complejidades. Acerca de ellas, de las buenas posturas de la mano y la búsqueda de intenciones en las pinceladas, hablamos con Cecilia Aguayo, artista plástica mendocina y profe de Eterna.

BUENA POSTURA

Sujetarlo entre el índice y el pulgar sin que los dedos lleguen a la virola (parte de metal). Esta postura de base sirve para el arte decorativo en general, tanto como para la pintura artística en bastidor.

“Quienes recién comienzan a pintar suelen utilizar el pincel como un lápiz: sujetándolo de la parte baja, bien cerca de las cerdas. Esto limita la soltura de la mano. El acompañamiento con ejercicios de trazo y precisión es súper importante en esta primera etapa, porque suelen ser posturas persistentes”.

EXPRESIÓN

Esta forma de tomar el mango es muy útil para las pinceletas porque permite enfatizar la expresión.

El índice funciona como apoyo y el pulgar permite regular la presión.

LIBERTAD

Perder un poco el control de los trazos te permite obtener una mayor expresividad. Para eso, sujetalo de la última parte del mango así se reduce la precisión con el objetivo de trabajar líneas sugerentes. Sin dudas, es un gran desafío para implementar en tu pintura artística. ¡Animate al bastidor!

Los preferidos de Cecilia y para qué los utiliza

Estas herramientas, aliadas de nuestras pinturas, tienen múltiples formas y tamaños para acompañar cada trazo a lograr.

“Angular, ideal para la técnica en una sola pincelada”.

“¡Una de las más queridas! Pinceleta recta de pelo sintético para pintar fondos. Está viejita, pero es irremplazable”.

“Liner de pelo largo y corto, para pintar detalles y realizar trazos con precisión”.

“Este pincel recto n°20 es de los que más quiero, lo llevo a todos lados porque lo utilizo para rellenar zonas”.

“Lengua de gato, ideal para esfumar bordes y realizar sombreados”.

“Redondos, son muy versátiles para detalles y realizar líneas”.

Mirá estos consejos para mantener en condiciones tus pinceles

Arte y salud

Arte y salud

FUNDACIÓN ROSSI
Campañas desde la expresión artística

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El 31 de mayo pasado, en el marco del Día mundial sin tabaco, la Fundación Rossi -con el apoyo de Pinturas Eterna- convocó a la artista Belén Gesualdo para realizar una obra que refleje los riesgos que supone el tabaquismo para la salud, considerado como la principal causa de muerte previsible a nivel mundial.

La Fundación Dr. Enrique Rossi nació el 30 de Julio de 1999 en honor al reconocido doctor y fundador del centro médico homónimo. Desde su creación, realizó un fuerte trabajo social y actividades de responsabilidad social, “afianzando cada día el compromiso que nos une con la comunidad”, nos cuenta su directora, la licenciada Agustina Rossi.

La expresión artística, en sus múltiples disciplinas, es el marco que la fundación eligió para impulsar las campañas que tienen como objetivo final la prevención y concientización sobre diferentes enfermedades y patologías. Desde hace dos años, Pinturas Eterna apoya esta labor con la donación desus productos. Los colores y materiales acompañan a los artistas en la realización de las obras.

“Desde hace diez años realizamos campañas de prevención de la salud a través del arte. Creemos que es una forma de comunicar la información desde un lugar que genera aperturas y percepciones positivas. En ello se basa la Fundación Rossi para elegir el arte como lenguaje capaz de hacer llegar los mensajes de prevención de diversas patologías a la mayor cantidad de gente posible”, cuenta la licenciada Mariana Yussen, a cargo de los proyectos de arte y salud.

“Las campañas las propone la directora, Agustina Rossi y, en función de ello, diseñamos un programa anual de acciones de arte y salud. Luego elegimos a los artistas que tienen posibilidades de transmitir nuestros mensajes de prevención de la salud con un discurso plástico propio. El objetivo es potenciar la comunicación y a la vez poder ofrecer con laobra un aporte a la contemplación estética y al disfrute de los sentidos del público receptor”, concluye Yussen.

¿Cuánto tiempo y cómo queremos vivir?
Esa es la pregunta que debemos hacernos para tomar valor de nuestro cuerpo. Nuestra conciencia sobre nuestra salud es lo que nos va a dar ese tiempo y calidad de vida. Está en nosotros cuidarnos y valorarnos. Expresó la artista visual Belén Gesualdo acerca de su obra titulada Concientización, que busca transmitir conceptualmente la sensación de invasión y enfermedad que ocurre dentro del cuerpo al inundarse de humo.

Fileteado porteño

Fileteado porteño

Esta expresión artística pintoresca y popular surgió en Buenos Aires hacia finales del siglo XIX cuando, influenciados por los primeros inmigrantes europeos, los artistas criollos dieron vida a este típico estilo argentino que originalmente decoraba carros de tracción a sangre.

Con el tiempo pasó a engalanar camiones, luego colectivos y, en la actualidad, se puede distinguir en carteles, vidrieras, objetos y obras decorativas −incluso en tatuajes− con absoluta vigencia. En 2015 fue declarado “Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad” por la UNESCO.

El fileteado porteño nunca pierde vigencia. Nos adentramos en su universo guiados por tres fileteadores de la Comunidad Eterna. Disfruten el recorrido.

Marcelo Eloy Sosa

(@marcelo_eloy_fileteado_porteno) 43 años - Fileteador.

“Si bien por muchos años la actividad de fileteador fue −casi exclusivamente− realizada por hombres, en la actualidad hay muchas mujeres fileteadoras que realizan trabajos de gran calidad.Es un arte popular bellísimo que nos identifica como pueblo, es parte de nuestra cultura. Es imprescindible que se siga difundiendo y creciendo”.

El fileteado porteño posee distintos elementos para su composición: hojas de acanto, espirales, animales −aves o caballos− y algunos seres mitológicos como dragones. También se pueden observar cornucopias, distintos tipos de flores, banderas o cintas, escarapelas, bolitas, botones y gotas, entre otros elementos. A todos ellos se les da volumen pintando luces y sombras, estas últimas utilizando “yapan”, una combinación de barniz y pintura que genera una mezcla traslúcida.También se vale de frases y retratos de personalidades populares.

Hay dos puntos fundamentales para aprender fileteado porteño: la técnica y la composición. Ambos se van puliendo observando las obras de los maestros y sus consejos y, sobre todo, con la práctica. Cada obra es un desafío para ir mejorando.

Es importante elegir un buen soporte (madera, chapa, vidrio, etc.) según el destino final de la obra. Los pinceles para fileteado porteño son chatos de pelo largo natural o sintético según la pintura que se vaya a utilizar, y siempre deben estar en muy buen estado.

Una buena pintura hace que el trabajo sea mucho más sencillo de realizar. Otro componente importante es el barniz para la protección de la obra,debe ser lo más transparente posible para no alterar los colores. En mis obras el Esmalte Acrílico Eterna cumple un papel fundamental: es una pintura muy cubritiva y de secado rápido que me permite pintar húmedo sobre húmedo. Uso los colores directamente, o bien mezclados entre sí para lograr distintos tonos, por ejemplo en gamas de colores piel para los retratos.

Muriel Rodríguez Wazne

(@murielwazne) 57 años - Licenciada en Periodismo y Comunicación Social.

“Recomiendo a los lectores de Blanco Mag que busquen información sobre el filete porteño y conozcan a los grandes maestros que tenemos en nuestro país. Si les gusta dibujar y pintar, es una técnica fascinante y muy argentina, que queda hermosa en cualquier objeto. Es realmente un desafío interesante aprender a utilizar los pinceles de fileteado y crear tu propio diseño”.

Pintar es una de esas actividades que me transporta a un lugar de paz y bienestar, si bien no soy una artista consagrada, ni mucho menos, lo hago con mucho amor. Una de las expresiones que siempre me interesó fue el filete porteño.

Como cualquier técnica necesita práctica. Es bueno saber dibujar para crear tus propios diseños, y se necesita practicar mucho con el pincel los trazos continuos, que se van afinando o ensanchando.

Los diseños se escogen en base al objeto a pintar: tamaño, forma, si es un utilitario, un cuadro o un cartel. Son dibujos hechos a mano, sombreados e iluminados con lápiz para tener una acabada noción de cómo quedará el trabajo. Luego se perfora con un punzón y con un spulvero (bolsita de tela rellena con tiza en polvo) se transfiere al objeto a filetear.

Una vez transferido se comienza a pintar. Normalmente se realiza con esmaltes sintéticos, pero yo probé y opté por utilizar Esmaltes al Agua Eterna, que tienen sus ventajas, por ejemplo: a la hora de lavar pinceles no hace falta usar diluyentes fuertes y, además, tienen una terminación impecable, con mucho brillo.

Al finalizar el trabajo se le puede dar una o dos manos de barniz al agua Eterna, que resalta el brillo y protege el trabajo.

Lucas Morales

(@lukitas_morales_) 36 años - Fileteador, aerografista e ilustrador.

“El fileteado es la expresión artística que mejor representa a Buenos Aires, es un arte decorativo popular, desde sus inicios en carros, pasando por camiones, colectivos, comercios, hasta hoy día que se pinta en variadas superficies como cuadros, mates, indumentaria, botellas, sifones, etcétera. Un sin fin de elementos pueden ser decorados con este arte”.

Desde chico admiraba el fileteado sin saber qué era. En ese entonces vivía con mi familia a una cuadra de Ruta 3 y utilizábamos constantemente el colectivo, ahí conocí este arte y siempre me interesó, hasta que supe de qué se trataba y pude desarrollar la técnica.

No es una técnica complicada, es fácil y entretenida de aprender. En mi caso, la mayor dificultad se me presentó a la hora de armar una composición ya que el diseño tiene que tener un equilibrio y es importante manejar bien los espacios.

Creo que lápiz y papel son lo más importante para aprender esta técnica ya que ahí es donde comienza a planificarse la obra. El dibujar constantemente hace que entiendas mejor el proceso y hasta mejores en la elección de los elementos que podes incluir en una obra de fileteado. También los pinceles son imprescindibles, al principio cuesta dominarlos, pero después se hacen parte de uno.

La línea de Esmaltes Eterna ofrece gran variedad de colores: brillosos e intensos y me permite trabajar en diferentes superficies. Son productos muy buenos y de secado rápido, ideales para avanzar en el trabajo sin tener que estar esperando.

El 14 de septiembre se celebra el día del fileteado porteño en conmemoración a la primera exposición de esta técnica realizada en 1970 en Buenos Aires, en la Galería Wildenstein.

Dos proyectos sencillos para adentrarte en la técnica

Para conocer más www.asociacionfileteadores.com

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Encintar y mantener 100% la prolijidad

Encintar
y mantener 100% la prolijidad

La cinta de enmascarar es una aliada indiscutible del quehacer cotidiano en el arte decorativo. Te contamos algunos secretos de su uso para que la pintura y otros materiales artísticos se mantengan “a raya” justo donde quieras marcar el límite.

El uso de la cinta de papel (también llamada de enmascarar o cinta de pintor) te permite resguardar determinadas zonas de trabajo a las cuales no querés que llegue la pintura u otros materiales. No solo permite realizar una buena terminación: a veces facilita la composición de un trabajo en varias capas de pintura con diversos sectores de color; otras, permite organizar tramas geométricas o establecer un juego de reservas. Su uso en pos de esta prolijidad requiere práctica y algunas consideraciones para que este objetivo no se vea “manchado” al momento de retirarla.

Algunos secretitos basados en la experiencia, los tipos de materiales artísticos y el objetivo creativo, para cuidar esos límites:

1

Siempre en fresco

La regla número uno para cuidar la prolijidad es quitar la cinta cuando el material que usaste (pintura o cargas densas) está húmedo porque todavía conserva su elasticidad, no se cuartea con el traccionar de la cinta al despegarla y evitás que se levante en bloque de las zonas que precisás que queden intervenidas.

2

Pinturas aligeradas con glaceador
o muy acuosas

Siempre hay un lado de la cinta que está más en contacto con la pintura y es el que precisás que se delimite bien; repasalo con una goma de borrar antes de pintar. Esto refuerza su adherencia solo en esa zona y la deja más liviana del otro lado para cuando debas despegarla.

3

Materiales espesos
(como la línea de Texturas o el Gesso)

Al ser más densos que otros, como Pintura para tela, Esmalte Acrílico o Acrílicos decorativos, se vuelve más importante quitar la cinta con el material aún fresco. Pero… puede suceder que te olvides. En ese caso apelá a la paciencia y esperá varias horas a que esté completamente seco y, antes de despegarla, repasá el borde de la cinta con un cutter y la ayuda de una regla. Esto debilitará el material en esa zona y evitará que se levante al despegar la cinta.

4

Herramienta compañera

Si precisás delimitar o reservar un recuadro o triángulo con cinta, ayudate con un cutter ancho para cortar las uniones o los ángulos. Este también te sirve para levantar la cinta al momento de despegarla.

5

Tipo de cintas

Hay cintas de enmascarar plásticas (de colores) y comunes de papel. Las primeras tienen un poco menos de adherencia, sirven para los productos espesos o pastas que tienen más cuerpo, pero son candidatas a las filtraciones cuando utilizás pintura o vas a realizar glaceados.

La Yapa

En el quehacer artístico todo puede tener una aplicación creativa. El objetivo de reserva de la cinta de enmascarar puede servir como recurso para esas zonas sean las que formulen un diseño o composición. Además, podés jugar con distintos espesores de líneas y hasta con terminaciones diferentes: por ejemplo, si en lugar de respetar su canto lineal cortás la cinta con la mano generando desgarres e irregularidades.

Gracias a la profesora Lidia González Varela por acompañar algunos de estos consejos.

Círculo cromático: entre la teoría y la magia

Círculo cromático:
entre la teoría y la magia

Creado por Isaac Newton en el siglo XVII, este dispositivo sigue siendo esencial para artistas y diseñadores. Repasamos su origen y actualidad.

En la escuela aprendemos los colores primarios y jugamos a mezclarlos para generar nuevas tonalidades. La sensación es absolutamente novedosa: delante de nuestros ojos los cambios parecen mágicos. Lo cierto es que esta impresión se explica primero por un proceso físico revelado luego de un experimento que Isaac Newton realizó alrededor de 1666.

Para investigar las cualidades de la luz, el científico inglés situó un prisma de vidrio en una habitación completamente a oscuras, pero que contaba con un orificio por el que hizo atravesar un haz de luz. Al pasar de un medio a otro de distinta densidad, la luz se descompuso en infinidad de rayos simples de distintos colores. Luego, hizo pasar los haces descompuestos de la luz solar por un segundo prisma, pero esta vez invertido, con el que volvió a obtener un único haz de luz monocromática.

Esta investigación dio origen al círculo cromático, una figura con franjas de colores primarios, secundarios y terciarios que, al girar a gran velocidad, produce como efecto óptico la aparición del blanco.

Como era de esperarse, con el tiempo este instrumento se fue perfeccionando. Como explica la profesora Betina Ferrara, “el círculo cromático representa cómo se divide la luz, pero al tratar de reproducirlo con pintura es distinto. Por eso, aunque mis alumnas protesten, les hago hacer el círculo cromático; porque no es lo mismo verlo que formarlo. Hay que entrenar el ojo para poder ver las distintas variaciones del color”.

Los colores primarios son el rojo, el amarillo y el azul e integran una franja del círculo. Son el fundamento fisiológico de la teoría del color porque los percibimos cuando la luz impacta en nuestros ojos y no pueden crearse a partir de la combinación de otros pigmentos.
Le siguen los colores secundarios: verde, naranja y violeta. Estos se obtienen de mezclar dos colores primarios por partes iguales. En tanto, los colores terciarios son una mezcla de colores primarios y secundarios, por eso son más sofisticados y ofrecen un enorme abanico de matices.

A medida que fue complejizándose, surgieron dos modelos de círculos cromáticos. El conocido como RGB (rojo, verde y azul) y el CMY (cyan, magenta y amarillo), por sus siglas en inglés. Según Betina, la manera más fidedigna de alcanzar estos colores con pinturas es utilizando rojo de cadmio, azul ultramar y amarillo medio para el primer esquema, y cyan, magenta y amarillo medio, para el segundo. “Pueden emplearse acrílicos decorativos premium o profesional. Estos últimos son unipigmentarios y dan mezclas más certeras”, asegura.

En lo que respecta a la utilidad del círculo en el taller, la profesora explica: “Al estar los colores organizados siguiendo un orden, se puede trabajar con diferentes armonías cromáticas. Por ejemplo, opuestos complementarios: rojo, verde, amarillo, violeta, azul, naranja”. Y detalla: “El par se forma por un primario y un secundario que no lleva ese color primario en su composición. Por caso, el naranja es el complementario del azul, porque se forma con amarillo y rojo y el único primario que no participa de su formación es el azul. En el círculo están enfrentados”.

Bettina señala que otro tipo de armonía posible se consigue usando colores análogos, es decir, vecinos en el círculo cromático. “Los que están cerca, tomando como referencia un color. Volviendo al ejemplo del naranja, hacia un lado está el naranja amarillento y hacia el otro el naranja rojizo. También se puede jugar con el complementario dividido. En ese caso, ubicamos el complementario (naranja) por lo que los adyacentes son los que están hacia ambos lados del azul: el azul violáceo y el azul verdoso”.

Las cualidades del color son el matiz, la saturación y el valor. “Al tener en cuenta el círculo se puede variar estas cualidades en función de lo que necesite mi trabajo”, señala Betina sobre el por qué considera tan importante que sus alumnas conozcan de primera mano esta herramienta. Y da un ejemplo concluyente: “Si un color me resulta demasiado vibrante o intenso, puedo agregarle una pizca de su complementario y bajarle la intensidad. Muchas veces se cae en el error de agregarle blanco, pero solo se consigue volverlo pastel o enfriarlo”.

Practicá tus mezclas y aplica tus primeros pasos en este Proyecto.

¿Para qué se usa el Gesso Acrílico?

¿Para qué se usa
el Gesso Acrílico?

El Gesso es un material de uso artístico con alto contenido de Blanco de Titanio en su composición. Es ideal para preparar tu propio bastidor entelado (un proceso denominado imprimación), ya que facilita el trabajo con óleos y acrílicos, entre otras pinturas.

Basta con aplicar una capa mediana de Gesso Acrílico con espátula sobre un simple lienzo para mantener su flexibilidad y lograr el “rebote” necesario para pintar. Además, es un excelente fungicida para que tu obra perdure.

Asimismo, su consistencia tipo pasta permite enriquecer tus trabajos generando texturas, volumen y otros efectos sobre diferentes soportes como madera y cartón, entre otros.

Se puede aplicar con espátula, rodillo, pinceletas o pincel.
Para darle color, se puede mezclar con Acrílico Decorativo Premium, Acrílico Profesional y Tonalizadores aunque hay que considerar que su gran componente de Blanco aclarará sustancialmente el color con que elijas mezclarlo.

“Aplicado sobre lienzo común, de trama mediana, el Gesso Acrílico Eterna queda súper flexible por eso me encanta usarlo para hacer falsos acabados e imitación de cueros sobre tela con diferentes herramientas: crocco, reptil, avestruz, felinos, etc. que luego uso para forrar objetos como marcos, cajas y cuadernos. Incluso para realizar bolsos, carteras, individuales y demás objetos decorativos y utilitarios”.

Arq. Lidia González Varela

Para inspirarte

Animarse al bastidor

Conocé más sobre este producto

Las preguntas más frecuentes que los usuarios y usuarias de nuestros productos comparten en la COMUNIDAD las encontrás en la CONSULTECA.

Provocar una interacción con el espectador

“Mi intención es provocar una interacción entre el retrato y el espectador”

Nahiara Beiras Rivera

Nani tiene 17 años y es retratista. En 2018, su carrera artística tomó impulso casi por casualidad cuando la invitaron a participar de una muestra de arte en el Espacio Cultural Adán Buenosayres: “Recuerdo que tenía los retratos en un cuaderno, y tuve que quitarlos, prepararlos y enmarcarlos para poder presentarlos en esa primera expo que surgió muy repentinamente. Esa hermosa oportunidad fue una gran sorpresa”.

Desde entonces, sus obras se exhiben en diferentes eventos de arte, espacios culturales, galerías y festivales presenciales, así como en exposiciones virtuales. “Amo lo que hago y disfruto mucho al hacerlo, pero lo más gratificante es poder compartir mis obras con los demás, recibir su devolución y saber que pueden captar el mensaje a través de ellas”.

Su admiración por el arte y con intención de dar apoyo a otros artistas, Nani lanzó en plena pandemia NART: un espacio en Instagram de promoción de arte y artistas de diferentes disciplinas, que recientemente sumó una exposición virtual internacional y colectiva. “La meta más importante es, cuando la situación lo permita, poder también organizar exposiciones presenciales”, anticipa Nahiara y se predispone a contarnos más sobre su proceso creativo.

¿Qué es lo que más disfrutas del proceso creativo?
Cuando empiezo a planificar la obra, cuando me la imagino con todos sus detalles, cuando comienzo a construirla en mi mente. Me sucede que estoy trabajando en un retrato y ya estoy pensando en el siguiente, cuando todavía no terminé con el que estoy.

¿Cómo es tu rutina, cómo surgen los momentos de inspiración?
Me gusta pintar en la calidez de la cocina de casa, con la compañía de mi mamá, entre charlas, mates y un poco de música.
La inspiración surge de los colores, de obras antiguas, de ambientaciones o atmósferas que me cautivan y que descubro en películas, videos musicales, videojuegos, entre otras cosas.

¿Cómo te nutrís actualmente para crecer como artista?
Con la observación, la experimentación y el trabajo sobre conceptos, tras los mensajes que pretendo transmitir.
Aprendí a observar mucho más detenidamente cada detalle de los rostros para lograr mejores resultados.Me gusta experimentar con diferentes materiales, como por ejemplo, fusionar la pintura acrílica con los lápices pastel, trabajándolos sobre madera o sobre papel.

“Estoy fascinada con la gran variedad de colores de los Acrílicos Eterna.
Ellos me inspiraron a crear mis obras y series basándome en cada uno de los tonos, así que próximamente podrán ver cómo mi feed de Instagram transita del negro al blanco, para ir pasando por cada uno de los hermosos colores de su paleta, manteniendo siempre presente el Acrílico Profesional Oro Ducado, que es mi preferido”.

¿Cómo surgen tus personajes?
Creo mis personajes a partir de la transmutación de su imagen, dentro de un concepto, dando origen a una composición que pretende emanar sentimientos y reflexiones. Mi intención es provocar una interacción entre el retrato y el espectador, donde cada persona que observe mis obras pueda percibir en ellas un mensaje positivo, de aliento, de coraje, de esperanza y, quizás, también identificarse o poder relacionarla con una experiencia cercana.

¿En qué estás trabajando actualmente?
Estoy trabajando en dos nuevas series: “Etérea” -compuesta por dos retratos en formato mediano, realizados con Pinturas Eterna y lápices pastel sobre madera-, y otra
integrada por cuatro pequeñas obras trabajadas sobre papel

¿Qué repercusión tuvo NART hasta ahora?
¡Mucho mejor de lo que imaginamos! Con una hermosa devolución de los artistas y de las personas que disfrutan del arte.
También estamos recibiendo el apoyo de importantes marcas, entre ellas Pinturas Eterna,que nos alienta a continuar trabajando, generando nuevas ideas para mejorar su funcionamiento y poder brindar una mayor difusión.

¿Cómo imaginás tu proyección artística?
Continuando con las creaciones de mis retratos, para crecer y evolucionar en mi arte, y trabajando para que NART pueda llegar más lejos, ofreciéndoles a los artistas la oportunidad de participar también en exposiciones presenciales.

Las Pinturas Eterna le aportan una bonita textura a mis retratos logrando un delicado acabado, me permiten trabajar con técnica mixta de excelente manera y sobre diferentes superficies, tanto en mis obras como en los marcos.
Las diferentes consistencias entre los Acrílicos Decorativos (más ligeros) y los Acrílicos Profesionales (más consistentes) me ayudan a lograr perfectamente la terminación deseada para cada detalle.

Marmoleado para tus papeles

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Marmoleado para tus papeles

Te vas a enamorar del marbling: un flotado de colores acrílicos que trabajás primero sobre líquido y luego estampás en tus papeles. Ideal para generar diseños libres y patrones.

Listado de Materiales

Acrílicos Decorativos Premium:

01. Blanco de Titanio, 29. Magenta, 49. Cian, 183. Verde Flúo

Herramientas & Otros materiales:

CMC (carboximetilcelulosa, se consigue en reposterías. 50 gramos), alumbre de potasio o sal fina, 1 litro de agua destilada (o de canilla), batea (puede ser una asadera), licuadora, sal fina, papeles de 100 gramos en adelante, pinceles finos, recipientes para mezcla, goteros/pipetas, palitos de brochette, punzón, papel de diario o papel para reutilizar, cordel y broches, trapos húmedos, servilletas para limpiar, hilo encerado.

1. Preparar todos los líquidos.

El marbling o marmoleado requiere algunos preparados químicos que nos permitirán desarrollar la técnica: primero sobre el agua, luego sobre el papel. Gonzalo te guía en el proceso.

1- Colocar 1 cucharadita colmada de CMC (7g. aprox.) en 1 litro de agua (de canilla o destilada) y mezclar durante 1 minuto en licuadora o mixer.

2- Colocá la mezcla en una batea y dejá reposar 12 horas.

3- Buscá otro recipiente para llevar a la hornalla: Colocá 2 cucharas soperas de Alumbre de Potasio (o sal fina) en ½ litro de agua, revolvé bien (no hace falta que hierva). Cuando se enfríe, envasalo.

4- ¡Usá guantes!: embebé una esponja en el preparado de Alumbre y repasá bien toda la superficie de los papeles que vas a estampar (esto generará mordiente y realzará los colores.

5- Luego juntá dos papeles humedecidos cara con cara y dejá reposar con un peso arriba (una plancha por ejemplo).

6- ¡Hora de preparar colores! Colocá en un recipiente un poco de Acrílico Deco (1 cucharada).

7- Agregá agua con una jeringa hasta lograr una consistencia tipo yogur. Asegurate de tener un recipiente por cada color. Pese al agregado de agua, sus nobles pigmentos permanecen intactos para lucirse en la técnica.

CMC (carboximetilcelulosa)
Es un espesante que se utiliza en la repostería. Al mezclarlo con el agua cambia su densidad para que la pintura flote sobre ella. Conserva hasta 1 semana su densidad.

2. Diseñar con los colores flotados.

Antes de trabajar el diseño es esencial chequear los colores en un recipiente con un poco de la base acuosa.
Tené siempre presente que se cumplan estas condiciones:

1- Si tu prueba estuvo Ok, Gonzalo te cuenta cómo expresar tu creatividad en la batea.

2- Comenzá colocando un color en la batea con la mezcla de CMC: unas gotitas de Magenta en este caso. Y esperá que se expandan por la superficie. Con el dorso del pincel depositá unas gotas del color Cian (para que contraste) en algunos lugares de la superficie.

3- Una vez que se generaron las aureolas, podés gotear alternadamente otros colores. Se formarán círculos concéntricos.

4- Ahora, ¡a crear! Con un palito de brochette podés ir corriendo los círculos originales para que empiecen a deformarse.

5- Con una pipeta, agregá la pintura blanca en los bordes y esperá que se expanda. Los colores se irán juntando en el medio.

6- El blanco ganará lugar (podés acomodar tu mancha suavemente ayudándote con un palito).

Check list

La pintura debe flotar.
Los colores no se mezclan entre sí.
Al caer en el agua, se expanden.

3. Estampar tus papeles.

Ya obtuviste el patrón que querías en la batea es hora de llevarlo al papel. ¿Ya pensaste cómo vas a usar tus estampas únicas? Encuadernar, forrar, usarlo como guarda de marcos, sobres, estuches… hay múltiples opciones para experimentar y mucha variedad en la carta de colores de Acrílico Decorativo Premium.

1- Muy importante antes de estampar: fijate que no haya burbujas en la pintura. Si hubiera, pinchalas con un alfiler (de lo contrario explotarán sobre el papel).

2- Tomá uno de los papeles alumbrados, apoyalo suavemente desde una esquina sobre el flotado y bajalo con cuidado hasta que quede completamente apoyado sobre la pintura.

3- Unos minutos después, levantalo despacio desde una esquina.

4- Aguardá que chorree el agua, colocá tu mano en el dorso para pasar a la batea siguiente que contiene agua de la canilla, 100% limpia para el enjuagado.

5- Colocá la parte de la estampa sobre el agua limpia de la otra batea. Este es un proceso de limpieza. ¡Vas a ver cómo vibran los colores del acrílico en la estampa!

6- Una vez que lo levantás, colgalo del cordel y sujétalo con broches hasta que esté completamente seco. Para que quede liso de nuevo, Gonzalo te sugiere prensarlo 24 horas: extenderlo horizontal y colocarle peso arriba.

7- Antes de volver a colocar pintura para un nuevo diseño, barré suavemente con un recorte de papel los restos de pintura que hayan quedado flotando.

8- Ahora sí. Comenzá por las aureolas y mirá esta variante: Gonzalo deslizó los centros de las aureolas en una misma dirección con un palito.

9- Mirá las V de colores vibrantes que se formaron.

10- En este caso, generó movimientos tipo ondas con varios palitos de brochette sujetados a un travesaño (tipo peine). El resultado fueron estas olas de colores.

11- Ahora te toca a vos experimentar tus propios diseño y la paleta de 95 colores de Acrílico Deco.

Tu espacio listo.

Disponé de cordeles y broches para colgar las estampas. Además, Gonzalo te sugiere que tengas a mano trapos húmedos y nylon para resguardar tu taller.

Gonzalo Gianotti

Artista y artesano, pinta, escribe, dibuja, diseña objetos artísticos y se especializa en la técnica de marmoleado de telas y papeles. Brinda talleres sobre estos temas.

www.gonzalogianotti.com.ar

93. Gris Perla

93. Gris Perla

LUZ Y OSCURIDAD A LA VEZ

¿Cuál predomina en el gris: la claridad o la oscuridad?
Este color enigmático, sombrío, pero a la vez reflexivo es uno de los colores estrella para 2021 porque denota la resistencia y sabiduría con respecto al paso del tiempo.
Te invitamos a descubrirlo en combinaciones para diferentes estados emocionales.

Extraordinario como los tiempos que corren.

Sucede que por primera vez, Pantone, la entidad líder del color, eligió una dupla que guiará las tendencias del año: AMARILLO Y GRIS. Uno vibra de luminosidad, el otro calma y aporta fortaleza. ¿Es casualidad? Por supuesto que no, los colores y su impacto en nuestra vida cotidiana tienen un sustento social y un costado profundamente emocional. ¿Y cómo ignorar que el mundo atraviesa un momento histórico, en el cual cada uno necesita más que nunca fortalecerse internamente y echar luz a las emociones esperanzadoras? Para ser justos, así lo expresó la autoridad en la materia: “A medida que las personas buscan formas de fortalecerse con energía, claridad y esperanza para superar la continua incertidumbre, sombras enérgicas y alentadoras satisfacen nuestra búsqueda de vitalidad. GRIS: emblemático de los elementos sólidos y confiables que son eternos y proporcionan una base firme”.

Esta son las variantes de Grises de Eterna:

Con pequeños toques de brillo

Encontralos en nuestras líneas:

PARA VOLVER A LA TIERRA

97. Gris de Payne

07. Arcilla

69. Verde Oliva

11. Amarillo Medio

PARA HACER LA PLANCHA

93. Gris Perla

38. Rosado

40. Lila Bebé

11. Amarillo Medio

PARA VIBRAR

94. Gris Niebla

29. Magenta

52. Calipso

11. Amarillo Medio

GRIS
una variedad en nuestras paletas

El ojo humano puede diferenciar alrededor de 500 variaciones de este color que está más cerca en la naturaleza de lo que tenemos presente: pelajes, piedras, caracolas, nubes, etcétera.

También se lo “entona de fríos o cálidos” al combinarlo con pizcas de las variaciones de primarios, secundarios y terciarios, así que vos podés entonar tus propios grises.

Otros Brotes

OTROS BROTES

Dejamos atrás un año en el cual la palabra BROTE se instaló en la cotidianeidad mundial con un peso negativo magnificado. Pero la creatividad nos rescata, nos transforma y nos renueva. Por ello nos dimos al ejercicio de RESIGNIFICAR EL BROTE, y aquí lo compartimos.

REFLEXIÓN

Por definición, BROTAR es la acción de una planta de salir de la tierra. Esa fuerza, esa compulsión por emerger, asocia el término a varios usos: brota el agua de una grieta, brota una enfermedad cuando es masiva, brota la urticaria, la creatividad, la bronca, la psiquis, la humedad, las burbujas… brota una puteada, la lava del volcán, la sangre de una herida. Parece que la acción de brotar implica cierto acto de emergencia, en el sentido de lo urgente. ¿Y qué hay del reBROTE? Parece acarrear otra calma implícita, otra sabiduría y madurez: porque renace aquello que se hace fuerte por haber sobrevivido, también a lo compulsivo. Es, de alguna manera, resignificar el acto de nacer.

Este tema acompañó nuestra creación:

BROTÓ de Gabriela

Redacción BLANCO MAG

Cartón gris prensado 3 mm pintado con Base Acrílica:

8. Maíz
17. Anaranjado
64. Verde Bambú
99. Negro

Sellos realizados con hojas y flores naturales sobre friselina blanca.
Símil Esgrafiado realizado con palito brochette sobre una segunda capa de pintura.

Protección: Barniz y Diluyente Satinado

BROTÓ de Lorena

Departamento de ventas Eterna

Sellos de hojas naturales sobre papel de seda blanco realizados con Acrílico Decorativo Premium:

65. Verde Manzana
67. Verde Inglés

Insertas en hoja de chala de choclo (seca). Hojas y letras de revista pegadas con Adhesivo y barniz para decoupage flexible.

Todo sobre bastidor 22 x 22 y protegido con Barniz y Diluyente satinado.

BROTÓ de Marcela

Departamento artístico Eterna

Collage con recortes de diarios y revistas sobre vidrio.

Pegado y protegido con Barniz Horneable.

Obtener distintas tonalidades de piel

Obtener distintas
tonalidades de piel

Carnación o Carnadura. En la pintura artística se le asigna alguna de estas denominaciones al arte de pintar con realismo las diversas tonalidades de pieles. ¿Cómo lograrlas? Aquí los trucos para ejercitar las mezclas.

Las paletas cromáticas se dividen en dos grandes grupos y, dentro de cada uno,
sus respectivas variaciones.

1

Paleta cromática para
Pieles Claras

Recordá que en cada mezcla los colores aparecen mencionados en orden de proporción.

Ajustes en las Mezclas

Azul Ultramar: una pizca para cuando te queda muy anaranjada.

Verde Oliva o Bambú: una pizca cuando te quede muy rosada.

2

Paleta cromática para
Pieles Morenas

Recordá que en cada mezcla los colores aparecen mencionados en orden de proporción.

Ajustes en las Mezclas

Blanco + Tierra Sombra Tostado: Para oscurecer zonas

Blanco + Lila amarronado (60. Violeta + 01. Blanco de Titanio + 87. Tierra Sombra Tostado). Para dar un tono más “gris”.

TIPS para evolucionar

Podés comenzar con los Acrílicos Decorativos Premium y luego pasar a la línea Profesional, cuya consistencia permite trabajar con espátula.
La pintura realista o hiperrealista tiene un gran compañero: el GLACEADOR, es ideal para demorar el secado y trabajar mezclas.
Una vez logradas las mezclas, tiene gran protagonismo el trabajo de luz y sombras.

Dos obras de Quinquela Martín recuperadas

Dos obras de Quinquela Martín
recuperadas

La trastienda de dos murales de tela de 1928 que volvieron a lucirse en Buenos Aires gracias a la labor de los restauradores.

Con escenas de la labor portuaria, dos obras del artista boquense fueron rehabilitadas para que sean apreciadas por las nuevas generaciones.

Crédito fotos: @casadelteatroar

De entre las tinieblas, dos de los 75 murales que Benito Quinquela Martín pintó en toda su vida, renacieron hace unas pocas semanas en todo su esplendor. Para esto fue necesario el trabajo de un equipo de restauradores que pusieron manos a la obra para que a finales de noviembre estén listos. Se trata de las pinturas “Descargando carbón” y “En plena actividad”, ambas situadas en el foyer del Teatro Regina, en el segundo piso del edificio de La Casa del Teatro, en Avenida Santa Fe 1243, CABA.

“Descargando carbón” fue la primera en recibir tratamiento y refleja una imagen del puerto, con sus barcos y maquinarias emprendiendo la faena diaria. “En plena actividad”, en tanto, representa una escena similar con embarcaciones de todos los tamaños amarradas al muelle, dispuestas a partir o llegando, mientras sus hombres trabajan sobre ellas.

Las dos fueron creadas en 1928 especialmente para el edificio, que fue inaugurado en 1938 con la intención de albergar allí a actrices, actores y personas vinculadas a la actividad teatral que no contaban con recursos. Su construcción fue una iniciativa de la cantante de ópera Regina Pacini, esposa del entonces presidente radical Marcelo T. de Alvear. Como Quinquela era un buen amigo de la pareja, decidió cederles su trabajo, expresado en óleo sobre tela amurada a la pared, en paños de 5 metros de alto y 3 de ancho.

Su recuperación fue una idea de la presidenta de la Casa del Teatro, Linda Peretz, quien en su momento notó en una de las piezas el rastro de una quemadura de cigarrillo. Pero ese no era el único problema que presentaban.
A Quinquela Martín le gustaba que sus obras fueran lo más públicas posibles, que el arte invadiera las calles y vida cotidiana de las personas. Esto implica una cierta exposición al maltrato, el frío, el calor, la humedad, una iluminación inadecuada y hasta hollín, luego de un incendio que en 2010 afectó al quinto piso.

Las pinturas fueron afectadas también por el comportamiento de las personas. Era común que los espectadores se apoyaran sobre ellas esperando la apertura del telón. Aún más, su estado de deterioro se debía a una cuestión intrínseca a la técnica empleada por Quinquela. Al usar óleo, para hacer más fluida su textura debe haberlo mezclado con aguarrás mineral o trementina. Si el solvente es de mala calidad se evapora y la pintura recupera su densidad, que con el tiempo termina por generar una superficie craquelada.

Crédito fotos: @casadelteatroar

El equipo liderado por la restauradora Victoria García Villegas optó por no retirar los murales a fin de evitar roturas. En primer lugar, se les hizo una limpieza superficial con pinceles japoneses de pelo de cabra. Luego se procedió al velado, que implica cubrir las pinturas con un papel de fibra de kozo (un árbol japonés) sobre el que se colocan geles que pueden alcanzar las grietas y microfisuras. La suciedad depositada en ellas se adhiere al producto de modo que, cuando se retira el papel, con él también se despega el polvo y otros elementos dañinos.

Con la ayuda de solventes fue posible recuperar los colores originales de las obras. De esta manera se rescataron los tonos empleados por Quinquela al tiempo que se respeta su envejecimiento, como una manera de evitar un “falso histórico”.

Con su puesta en valor, las obras cumplen con el legado de su autor: democratizar el arte a lo largo del tiempo.

Letit Be

“Letit Be”

Tin Art

Martín Penedo

“Soy fan de Los Beatles desde muy chico, y ese fanatismo me llevó a empezar a dibujarlos y luego a pintarlos. Siempre digo que quizás no me hubiera dedicado a la pintura si no fuera por su música”.

Así se presenta Martín Penedo, más conocido como Tin Art: artista plástico y dibujante autodidacta de rock que combinó su pasión por la música y la pintura para crear un estilo propio en el que hoy conviven el realismo y el expresionismo.

¿Qué es ser un artista autodidacta?
Ser autodidacta es estudiar a grandes maestros, sus teorías, prácticas y técnicas para poder practicarlas y aplicarlas en un trabajo propio. Aunque no tomes clases puntuales con alguien, siempre algún consejo te llega y luego el estudio es personal.

Cuando no seguís una carrera de arte donde estudiás contenidos teórico-prácticos y conocés la historia del arte, el proceso de formación como autodidacta se torna de contenido similar, pero en “sentido contrario”: empezás a dibujar y pintar intentando copiar a estos artistas que admirás, intentás llegar a lograr un realismo. Luego comienza el proceso de estudiar cómo lo pintó para poder copiar su técnica utilizada y vas aprendiendo las teorías que ellos estudiaron y aplicaron y, te empieza a interesar la historia del arte.

¿Cuándo fue la primera vez que pintaste en vivo, con público?
Me lancé al público a mis 20 años, aproximadamente, cuando empecé a pintar remeras a mano con imágenes de íconos del rock e iba a venderlas los fines de semana en la Feria de Artesanos de Plaza Francia (Recoleta). Allí comencé a pintar en vivo y la gente paraba a mirar. Conocí al periodista Pato Galván, quien me invitó a un programa que tenía en un canal de cable en La Plata y pinté en vivo un “cuadro-remera” de Dalí.

¿Cuál es la técnica para darle “vida” en la mirada a tus retratos?
Como retratista busco captar la expresión de la mirada de quien estoy pintando como punto realístico distintivo de ese ícono. El secreto está en “aprender a mirar”. Estudiar los colores, texturas y tramas que aparecen en el iris. Luego voy “mintiendo” con los colores y me reservo para dar brillos puros de blanco de titanio, detalles de tejido en el iris, y pestañas y cejas.

"Me inspira la música, no pinto sin música;
de hecho, siempre escucho la música del intérprete a quien estoy pintando para conectar”

¿En qué te facilitan o colaboran los productos de Eterna en tus obras?
¡En TODO! Los Acrílicos Profesionales Eterna son indispensables para mí por su consistencia y poder cubritivo. Con ellos puedo pintar tanto con pinceles y lograr esfumados de un color a otro (como si pintara al óleo, pero más rápido), como con espátulas, logrando texturas y empastes a gusto en las obras expresivas.
Baso mi paleta en los colores cian, magenta, amarillo, blanco y negro, sumados al gris de payne (como color “mágico”) y colores “terra” (sic). Les dejo un tip: la línea Flúo Profesional para manejar con espátulas es espectacular.

¿Cuál es tu obra favorita?
¿Me dejas decirte dos? Una de mis obras más queridas es la de George Harrison “Mysweet George” en acrílicos profesionales Eterna sobre lona. Fue la primera obra en gran tamaño que pinté.Y la otra que más quiero, más expuse y me generó gran satisfacción por su repercusión en el público es “Gustavo Cerati – Corazón Delator” (190 x 150 cm). Aún la conservo.

¿Qué es fundamental para que un artista siga creciendo en su arte?
Por un lado, el uso de materiales de calidad que hace que el artista pueda expresar lo que precisamente quiere. Por el otro, tener claro que en el arte el camino de la búsqueda de un estilo propio puede ser largo, pero es lo que va a darte más satisfacción. Que reconozcan una obra tuya porque refleja tu estilo en ella (por morfología, uso de color, estilo de dibujo, técnica, etc.) es fundamental para seguir creyendo en uno mismo y seguir avanzando en este hermoso camino que es el arte.

“Me gusta interactuar con el público y sentir su reacción".

@wilo_gayone

Creatividad del hobby al oficio

@wilo_gayone

“Soy alguien que se expresa a través del dibujo y del color, es donde me siento más cómodo. Después de pintar me siento más liviano. Es más, creo que cuando pinto soy más bueno”.

EMPRENDEDOR:
Wilo Gayone

Artista.

Durante toda mi vida el dibujo fue muy importante en mis trabajos (desarrollo de productos textiles, diseño de locales comerciales, marketing y publicidad). Hace 6 años fui al local donde compraba todos los elementos cuando estudiaba arquitectura, me compré dos bastidores, unos acrílicos y pinté por primera vez sobre tela: me voló la cabeza. ¿Qué estaba haciendo en la vida que no estaba pintando?

Hay que ser sincero y crítico con uno mismo.
La pregunta que deberías hacerte es:
¿Vos lo comprarías? ¿Cuánto pagarías?

Cómo comenzó

A los 6 meses de empezar a pintar hice mi primera muestra y tuve la suerte de vender la mitad de los cuadros colgados. Vinieron más muestras, hasta que empecé a pensar que podía pintar más que cuadros. Así llegaron la cerámica, los platos, los chops de cerveza y los pingüinos de vino (“Pinwilos”, pinté más de 1.000 y cada uno es único, firmado y numerado). Ahora estoy trabajando en otros productos, además de los cuadros y la cerámica.

UN CONSEJO

El desafío es ir más allá de sentirse bien cuando pintamos, no son muchos los que están dispuestos a hacerlo. Por ejemplo, un libro, un disco, un recital son productos de arte. Detrás de ellos hay muchas horas de trabajo y de aprendizaje (no errores, aprendizaje). La invitación es a pensar productos de arte desde lo que cada uno hace y que sea monetizable.

Hay que ser sincero y crítico con uno mismo. La pregunta que deberías hacerte es: ¿Vos lo comprarías? ¿Cuánto pagarías?

Uso acrílicos y vitroesmalte horneable de Eterna.
Los acrílicos cubren bien, los colores quedan bien con una mano, mientras que con otras marcas tendría que dar dos o tres. Con el vitroesmalte pinto la cerámica y es genial.

Desarrollar habilidades de espatulado

Desarrollar habilidades
de espatulado

El uso de diferentes herramientas para trabajar la pintura permite generar improntas distintivas tanto en papel como en bastidor.

En base a la experiencia de Cecilia Aguayo, experta en técnicas de espatulado, te acercamos cuatro ejercicios simples para desarrollar nuevas habilidades con tus acrílicos: Decorativos y Profesionales.

TIPS generales para la técnica

Trabajar húmedo sobre húmedo para generar mezclas y volumen de material.
No le tengas miedo a la abundancia de pintura, es lo rico de esta técnica.
Colocá todos los colores de Acrílico en tu paleta y realizá las mezclas con la espátula.
Generá un fondo de color para trabajar, y esparcilo sobre el papel o bastidor con el canto de una espátula como si fuera el pincel.

1

Sombra, luz y formas simples.

Espátula: Cuchara fina

Este juego de claro-oscuro te permite trabajar volumen (por ejemplo, para el tronco de un árbol): Trazá una franja vertical con un tono oscuro, arrastrando la pintura con el filo de la espátula. Luego, repetí lo mismo al lado con el tono más claro dejando que suceda la mezcla en las zonas comunes.

2

Reflejos, aguadas, movimiento.

Espátula: Punta cuadrada

Cargá pintura en la punta de la espátula, apoyá y deslizá hacia abajo. Vas a ver que la carga se va reduciendo en el trazado. Probá regular las siguientes variables: más o menos presión para integrar el color con el tono del fondo, más o menos movimientos laterales (tipo zigzag) para generar sensación de movimiento.

3

Tejados, empedrados, paredes, pisos.

Espátula: Punta recta

La lógica es similar al ejercicio anterior, pero el movimiento del trazado es corto y firme, ejerciendo una leve presión. Con la práctica vas a aprender a regular las pequeñas modificaciones que van marcando diferencias.

4

Vegetación, lluvia, reflejos.

Espátula: Punta fina

Cargá bien la espátula y traza una línea horizontal con la punta. Luego, presioná en un punto de esa franja y arrastrá hacia abajo la pintura con un pequeño movimiento de zigzag.